El Mito de Proteo

Primero Sueño de Sor Juana

2012-02-18T09:56:00.000-08:00

El “Primero sueño” es el poema más importante, según la crítica, de Sor Juana Inés de la Cruz. De acuerdo al testimonio de la poetisa, fue la única obra que escribió por gusto. Fue publicado en 1692, como parte del tomo primero de las obras completas de la monja. Apareció editado con el título de “Primero sueño”. Como la titulación no es obra de Sor Juana, buena parte de la crítica duda de la autenticidad del acierto del mismo. En la Respuesta a Sor Filotea de la Cruz Sor Juana se refirió únicamente al Sueño. Como quiera que sea, y como la misma poetisa afirmaba, el título de la obra es un homenaje a Luis de Góngora y Argote y a sus dos Soledades. Es el más largo de los poemas sorjuaninos —975 versos— y su tema es sencillo, aunque presentado con gran complejidad. Se trata de un tema recurrente en la obra de Sor Juana: el potencial intelectual del ser humano. Para transformar en poesía dicha temática acude a dos recursos literarios: el alma abandona el cuerpo, a lo que otorga un marco onírico. Las fuentes literarias del “Primero sueño” son diversas: el Somnium Scipionis, de Cicerón; Hercules furens, de Séneca; el poema de Francisco de Trillo y Figueroa, Pintura de la noche desde un crepúsculo a otro; el Itinerario hacia Dios, de San Buenaventura y varias obras herméticas de Atanasio Kircher. El poema comienza con el anochecer del ser humano y el sueño de la naturaleza y del hombre. Luego se describen las funciones fisiológicas del ser humano y el fracaso del alma al intentar una intuición universal. Ante el fracaso, el alma recurre al método deductivo y alude excesivamente al conocimiento que posee la humanidad. Se mantiene el ansia de conocimiento, aunque se reconoce la escasa capacidad humana para comprender la creación. La parte final relata el despertar de los sentidos y el triunfo del Día sobre la Noche.
El “Primero sueño”, según Octavio Paz, es un poema único en la poesía del Siglo de Oro, puesto que hermana poesía y pensamiento en sus expresiones más complejas, sutiles y filosóficas, algo no frecuente en su tiempo. Se alimenta de la mejor tradición mística y contemplativa para decir al lector que el hombre, pese a sus muchas limitaciones, tiene en sí la chispa (la “centella”, según Sor Juana) del intelecto, que participa de la divinidad.
Esta tradición del pensamiento cristiano (la Patrística, el Pseudo Dionisio Areopagita, Nicolás de Cusa, etc.) considera la noche como el espacio idóneo para el acercamiento del alma con la divinidad. Las aves nocturnas, como atributos de la diosa Minerva, asociada con la luna triforme (por sus tres rostros visibles) y símbolo de la sabiduría circunspecta, simbolizan la sabiduría como atributo de la noche (In nocte consilium), uno de los temas más caros al pensamiento humanista, presente en Erasmo de Rotterdam y en todo un conjunto de exponentes de esta idea en el Renacimiento y el Barroco. Es por ello que las aves nocturnas son los símbolos que presiden lo que será el sueño del alma en busca del conocimiento del mundo creado por la divinidad. Esto explica que la noche aparezca en el poema de Sor Juana como sinónimo de Harpócrates, el dios del silencio prudente, quien, como aspecto de la noche, acompaña tácitamente la trayectoria del sueño del alma hasta el final. La noche, por tanto, es una aliada y no una enemiga, pues es el espacio que dará lugar a la revelación del sueño del alma. Las figuras del venado (Acteón) el león y el águila aparecen, primero, como los animales diurnos que se contraponen a las aves nocturnas para representar el acto del dormir vigilante. Es decir, representan la idea que le interesa a Sor Juana destacar: el descanso no debe ausentarse por entero de la conciencia intelectual, sino ser un sueño vigilante y atento a las revelaciones de la sabiduría divina. Estos animales diurnos simbolizan también los tres sentidos exteriores más importantes: la vista, el oído y el olfato, que permanecen inactivos durante el sueño. Así se enlazan en el poema armónicamente las aves nocturnas en su sabia vigilia, los animales diurnos en su sueño vigilante, y el ser humano, cuyo cuerpo (miembros corporales y sentidos exteriores) duerme físicamente mientras su alma, consciente, es liberada temporalmente para lanzarse a la aventura del conocimiento, el cual se da por dos vías: la intuitiva y la racional.

El filósofo Gianni Vattimo y la filosofía para el siglo XXI

2012-02-12T13:05:00.000-08:00

El pensamiento débil es un concepto acuñado por Gianni Vattimo confluyente con el movimiento intelectual más genérico de la postmodernidad y también el más influyente en las décadas de 1980 y 1990. Su perspectiva es en cierto modo “relativista”, y valora especialmente la multiculturalidad. El pensamiento débil comparte algunos rasgos con la deconstrucción (Jacques Derrida), en cuanto a la libertad de interpretación no sujeta a una lógica muy cerrada. También está presente en la crisis de las ideologías de finales del siglo XX, considerándose a veces como elemento intelectual del eclecticismo político de la llamada tercera vía (Anthony Giddens).
Definición del pensamiento débil
Según el propio Vattimo, el pensamiento débil se definiría: "Frente a una lógica férrea y unívoca, necesidad de dar libre curso a la interpretación; frente a una política monolítica y vertical del partido, necesidad de apoyar a los movimientos sociales trasversales; frente a la soberbia de la vanguardia artística, recuperación de un arte popular y plural; frente a una Europa etnocéntrica, una visión mundial de las culturas".
El fin de la modernidad
Desde el fracaso absoluto de las ideologías más relevantes en la historia de las sociedades, que en el siglo pasado se evidenció más que nunca, se ha querido encontrar la causa de la ineficiencia de tales sistemas de pensamiento. Mentes agudas y lúcidas se afanaron en tal menester, y en general, se advirtió que una voluntad de modernidad voraz, que fundamentaba la mayoría de estos paradigmas motivada siempre en rompimientos revolucionarios, en aras de una idea de progreso total era el que descomponía cualquier posibilidad de satisfacción, con referencia a la obtención del máximo bienestar de vida para los seres humanos. Los devastadores conflictos bélicos y los holocaustos terribles del siglo XX, han sido más que elocuentes en el sentido de que tal vereda de civilización no es la más conveniente, en lo absoluto. De acuerdo a lo anterior y tomando como punto de partida una lectura inédita y valiente de los filósofos que anunciaron el fin de la metafísica, Nietzsche y Heidegger, el italiano Gianni Vattimo discípulo del gran Hans-George Gadamer, se encargo por su propia cuenta de concebir una alternativa de teorización en donde: de acuerdo a la referencia de Nietzsche acerca del ámbito de la decadencia de Occidente, en virtud de su agotamiento intelectual; y tratando de paliar y recomponer el olvido del ser que ha acontecido en los discursos filosóficos imperantes hasta nuestra actualidad como lo ha manejado Heidegger; Vattimo estructura un discurso “débil” que no trata de revolucionar, ni de imponer absolutamente nada; si no más bien, de abrirse por completo a un ininterrumpido diálogo hermenéutico con todas las disciplinas, las ideologías y las ciencias, para permear al ser comunicacional que nos corresponde, con una diversidad integral que ofrezca plenitud y libertad de ser sin límites.
Ética e interpretación
Gianni Vattimo no renuncia así, a la utilización de los términos y la estructura de los discursos metafísicos obsoletos, puesto que probablemente sean los únicos posibles para nosotros. Y sin embargo evadiéndoles toda rotundidad, dimensionándolos en un ámbito dialogal permanente de sano relativismo, Vattimo logra sortear todo peligro nihilista, para acceder y recuperar pero ahora con un positivo talante crítico posmoderno discursos que se tenían ya por perdidos, como por ejemplo el de la creencia religiosa. De tal suerte que el pensamiento débil es una propuesta que integra en su composición el cuidado, la voluntad ética del reconocimiento y el respeto tolerante de las demás perspectivas humanas, y sin renunciar a mirar hacia lo trascendente; pero ya no vociferando dogmas nunca más, sino mejor asumiendo el valor de escuchar e interpretar el milagroso silencio del mundo, en todas las voces.

La semiótica o bien semiología

2012-02-04T09:48:00.000-08:00

La semiótica se define como el estudio de los signos, su estructura y la relación entre el significante y el concepto de significado. Los alcances de la semiótica, de la misma manera que su relación con otras ciencias y ramas del conocimiento.
Ferdinand de Saussure la concibió como “la ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social”. Actualmente, no hay consenso, ni autor que se atribuya o tome la iniciativa de plasmarla en algún manual. Se propone que la semiótica sea el continente de todos los estudios derivados del análisis de los signos, sean estos lingüísticos (semántica) o semióticos (humanos y de la naturaleza). Existen muy pocas clases de signos, como el signo lingüístico o el signo clínico, cuyas descripciones se pueden consultar en el artículo correspondiente, o a través del signo.
Semiología es un término usualmente intercambiable con el de semiótica, éste último preferido por los anglosajones; el primero, por los europeos continentales y por los latinoamericanos. De hecho, Charles Sanders Peirce fue, al parecer, el primero en usar el término semiotic, aunque fue otro estadounidense -Charles William Morris- quien realizó el primer proyecto completo para una semiótica.
Según otro punto de vista, el de Charles Sanders Peirce, la semiótica es la que debería incluir a las demás ciencias que tratan de los signos en determinados campos de uso o del conocimiento.
Este pensamiento es coherente con el hecho de que la semiótica se plantea como la ciencia básica del funcionamiento del pensamiento, intentando responder la interrogante de cómo el ser humano conoce el mundo que lo rodea, cómo lo interpreta y cómo construye y crea conocimiento y lo transmite. Por esto, la semiótica ha llegado a ser planteada como la ciencia de las ciencias rivalizando con la epistemología.
En lingüística se utiliza más la palabra semántica, porque la semántica es una ciencia que estudia los significados de los signos pero sólo en comunicaciones escritas (y humanas), la semiótica estudia la comunicación escrita y oral en general (y la semiótica también todos los signos -incluyendo los que usan los animales en sus expresiones).
En términos generales la semiótica debe entenderse como la relación fundamental entre el sujeto que conoce y el objeto conocido, y tiende a precisar las condiciones de producción de sentido. Además de las exigencias del método que ayuda a formular esas hipótesis en una serie de axiomas como estructuras elementales de la comunicación.

Jürgen Habermas y la teoría de la acción comunicativa

2012-01-28T10:58:00.000-08:00

El pensamiento del filósofo alemán Habermas entronca con la Teoría Crítica de la Escuela de Fráncfort, su obra adopta perfiles propios que le conducen a profundas divergencias con sus maestros y predecesores. Su trabajo está orientado a poner los fundamentos de la teoría social con los que busca analizar las sociedades del capitalismo avanzado. Aunque el pensamiento de Kant tiene un remarcable lugar en la obra de Habermas, el de Karl Marx desempeña un papel decisivo. El estrecho vínculo entre una filosofía de la razón muy ambiciosa en términos normativos y una teoría empírica de la sociedad es una característica del pensamiento de Marx que Habermas hace suya y que lo distingue de otros contemporáneos y, en particular, del sociólogo Niklas Luhmann y del filósofo John Rawls, con quienes, no obstante, comparte preocupaciones comunes.
La integración de filosofía y ciencia social en una teoría crítica de la sociedad es el rasgo distintivo de la obra habermasiana. Aunque Habermas se vale del concepto filosófico de razón y lo emplea explícitamente en términos de filosofía del lenguaje, lo hace para poder desarrollar una teoría social. Se apoya en la idea de una completa transformación de la crítica del conocimiento en crítica de la sociedad. De ahí, que resulte unilateral entender a Habermas como mero filósofo de la fundamentación argumentativa y de la ética discursiva.
Su primera gran obra fue su escrito de habilitación, traducido al español como Historia y crítica de la opinión pública. En este análisis de la transformación estructural de la esfera pública se aproxima de forma crítica al concepto de opinión pública y recupera la visión eminentemente democrática del mismo, con su distinción entre opinión pública manipulada y opinión pública crítica. En su obra posterior Habermas tratará de reconstruir el materialismo histórico frente a las nuevas problemáticas de las sociedades del capitalismo tardío. En este sentido, la gran crítica que realizará a Karl Marx será que éste, en su opinión, reduce la praxis humana sólo a técnica, en el sentido de que Marx le otorga la importancia fundamental al trabajo como eje de la sociedad, en demérito del otro componente de la praxis humana que Habermas rescata: la interacción mediada por el lenguaje. Para Marx, el trabajo es, según Habermas, una mera técnica, en tanto que está colonizado por la racionalidad instrumental (con arreglo a fines). A diferencia de Marx, Habermas entiende que el cambio social debe darse más bien en un ámbito simbólico, en el ámbito de la comunicación y el entendimiento entre los sujetos. De este modo, esta crítica se asemeja a la reflexión que realizan Theodor Adorno, Max Horkheimer e incluso Antonio Gramsci. Luego de este momento inicial, Habermas repensará esta distinción entre trabajo e interacción como dos momentos irreductibles de la acción y tratará de incluir en la labor productiva (el trabajo) componentes de la interacción, por lo que dirá que es posible pensar un cambio social desde el campo del trabajo.
A partir de la publicación en 1981 de su obra fundamental, “La teoría de la acción comunicativa”, sus análisis y reflexiones se han orientado hacia la fundamentación de la ética discursiva, la defensa de la democracia deliberativa y de los principios del Estado de derecho, así como hacia las bases normativas requeridas para configurar e incluso constitucionalizar una esfera pública mundial.

2012-01-21T10:37:00.000-08:00

El nombre SOPA, que equivaldría en español “Parar los Actos de la Piratería en Línea”, es un proyecto de ley que se está debatiendo en el Congreso de los Estados Unidos y que fue introducido en la Cámara de Representantes el 26 de octubre de 2011 por Lamar S. Smith.

Esta ley establece el uso (en territorio estadounidense) de un mecanismo de censura sobre Internet similar al que se utiliza en China, Irán o Siria y que censura las webs que el gobierno quiere.

El objetivo de la ley, según sus defensores, es perseguir la piratería en línea combatiendo aquellas prácticas sociales que ellos consideran ilícitas: intercambiar música, compartir películas, vídeos y demás contenidos protegidos por el derecho intelectual.

Esta controversial ley estaría logrando lo que nunca pudiéramos imaginar, la potencial unión de los principales portales de Internet para hacer una huelga general el día 23 de Enero próximo, es decir, de acuerdo a cNet para ese día los servidores de los principales portales (incluyendo a: Google, Facebook, YouTube, Wikipedia, Linkedin, Amazon, entre otros) mostrarían una pantalla en negro en la que publicarán advertencias anti-censura, solicitando a los usuarios que se pongan en contacto con la esfera política para pedir el voto en contra de la ley.

Afecta a todo el mundo

Si bien esta es una ley estadounidense, en caso de ser aprobada también afectará a los usuarios en Latinoamérica y en el resto del mundo.

Patricia Cuenca en el blog pulgaenelojo señala que aunque en teoría la ley solo regirá en territorio estadounidense, en la práctica no es así, ya que al concentrar Estados Unidos la mayor parte de la infraestructura de la red, casi todos los servicios que utilizamos a diario se verán afectados: Youtube, Google o Twitter son sólo algunos de ellos. De este modo, todos los sitios se verán obligados a practicar mecanismos de autocensura y filtrar toda la actividad online de sus usuarios para evitar ser bloqueados.

El proyecto de ley nace para combatir el tráfico online de contenidos y productos protegidos, ya sea por derechos de autor o de propiedad intelectual. Entre estos se pueden contar por ejemplo música, películas, libros, obras artísticas y productos copiados o falsificados que no tributan las correspondientes tasas a los propietarios de sus derechos de autoría o invención.

El proyecto de ley originalmente propuesto permite que tanto el Departamento de Justicia de los Estados Unidos, como los propietarios de derechos intelectuales, puedan obtener órdenes judiciales contra aquellos sitios de internet que permitan o faciliten el infringimiento de los derechos de autor.

Litigios

Daniel Rodríguez en su portal www.web-mix.ws, explica que la Ley SOPA creará un régimen donde el primer paso puede implicar un litigio federal para bloquear un sitio entero cuando se asuma que el mismo apoya la piratería. Los gastos por estos litigios podrían obligar a cualquier sitio sin fines de lucro o de bajo presupuesto (por ejemplo Wikipedia y su movimiento por el conocimiento libre) a impugnar la eliminación. Todas las webs, nacionales o internacionales podrían no tener los recursos para desafiar los procedimientos judiciales de Estados Unidos, incluso aunque se trate de acusaciones falsas.

El crimen se catalogaría como tal con solo tener un enlace hacia algún sitio que viole le ley, con lo cual se penalizará, no la violación de los derechos de autor, sino cualquier indicio de estar relacionados con la misma. El costo será un litigio, no una simple notificación.

Esto trae como consecuencia que los grandes portales y sitios basados en la Web 2.0, es decir, en la interacción entre millones de usuarios con libre participación en las comunidades virtuales, se vea potencialmente bloqueada debido a que cualquier usuario podría causar la violación a la ley cuando, por ejemplo, publique un video en YouTube cantando una canción que tiene derechos de autor (copyright), o cuando escriba una receta de cocina en un blog de la cual otro diga que tiene los derechos registrados, o cuando alguien coloque un simple enlace web (link) a otro sitio en la Internet sin tener idea de que en dicho sitio se esté violando algún derecho de autor, o cuando alguien publique algún contenido en un foro de discusión en línea que tenga alguna parte que otro considere que es de su propiedad, es decir, provocará la autocensura de los portales y sitios web del mundo entero ya que la mayoría de las conexiones a Internet pasan de alguna forma por los Estados Unidos y/o residen en servidores ubicados en ese país.

La autocensura

Esta autocensura tendrá costos muy elevados para poder disponer de sistemas y personal humano que supervise y filtre continuamente lo que se esté publicando por las comunidades virtuales y/o las redes sociales, encareciendo la posibilidad de emprender en Internet, así como la suscripción a los servicios en línea. A su vez, coartará la posibilidad de intercambiar, compartir o prestar cualquier obra cultural como tradicionalmente se ha hecho en la sociedad.

Pipa y Sopa

• Ambas leyes fueron diseñadas para bloquear el acceso a sitios de internet con material infringiendo derechos de autor.

• Tanto los dueños de los contenidos como el gobierno estadounidense tendrán el poder de pedir judicialmente el cierre de estos sitios asociados a la piratería.

• Publicistas, procesadores de pago y proveedores de servicios en internet tendrán prohibido hacer negocios con aquellos que infrinjan las leyes anti-piratería en el extranjero.

• Sopa también requiere que los motores de búsqueda eliminen páginas extranjeras infractoras de sus resultados, un detalle que no consta en PIPA.

• La medida PIPA será sometida a debate y voto en el Senado a partir del próximo 24 de enero, mientras que SOPA será sometida a un voto preliminar, pero clave, en el Comité Judicial de la Cámara de Representantes el mes próximo.

Datos

• El principal autor de la iniciativa en la Cámara Baja y presidente del Comité es el republicano Lamar Smith, quien dijo que la ley "SOPA" busca proteger a los consumidores, negocios y empleos "de ladrones extranjeros que roban la propiedad intelectual de Estados Unidos".

• La Casa Blanca se opone a la medida en su versión actual por considerar que ésta podría suscitar demandas contra empresas cibernéticas y perjudicar a negocios legítimos, además de atropellar el derecho a la libertad de expresión.

• El sábado pasado, la Casa Blanca sugirió en un comunicado que el presidente Barack Obama vetará cualquier medida que "reduzca la libertad de expresión, incremente los riegos a la seguridad cibernética, o socave" la red cibernética global.

Quiénes impulsan la ley sopa

Esta ley ha sido impulsada por la Asociación Cinematográfica Estadounidense, la Asociación de la Industria Discográfica Estadounidense y la Asociación de Industrias Farmacéuticas Estadounidense, junto con algunos legisladores como una solución a la piratería de contenidos a través de Internet.

Básicamente es un marco legal para el contenido disponible en Internet dentro de Estados Unidos. Este marco funcionará como un filtro, censurando a los sitios que publiquen contenido con copyright (Derechos de Autor) sin autorización escrita de sus autores. El principal objetivo es detener la piratería de películas, libros, canciones, imágenes, software y todo tipo de contenido de acceso gratuito en línea.

Defensores y detractores

Patricia Cuenca, en el blog “lapulgaenelojo” explica que quienes proponen la ley afirman que protege el mercado de la propiedad intelectual y su correspondiente industria, trabajos e ingresos, y que es necesaria para reforzar la aplicación de las leyes de derechos de autor, en particular contra los sitios web extranjeros. Citan ejemplos como el del acuerdo judicial de 500 millones de dólares al que llegó Google con el Departamento de Justicia por su papel en una campaña publicitaria dirigida a los ciudadanos estadounidenses que alentaba a los consumidores a comprar drogas de prescripción ilegal en farmacias online de Canadá.

No obstante, a favor de estos proyectos de ley están las empresas de Hollywood y News Corporation, del magnate de la comunicación Rupert Murdoch, quien a través de su cuenta de Twitter ha criticado las dudas del Gobierno de Barack Obama.

Los opositores argumentan que la ley infringe los derechos de la Primera Enmienda, que es censura en Internet, que lisiará a Internet y será una amenaza para la denuncia de irregularidades y otras muestras de libertad de expresión. Incluso la Casa Blanca manifestó su temor a que la SOPA pueda vulnerar las garantías jurídicas de las compañías que operan en Internet, así como la libertad de expresión.

Acciones

Dependiendo de quién sea el que solicite la orden judicial, explica Patricia Cuenca, las acciones previstas contra el sitio web podrían incluir:

• Restricción al acceso a empresas que brindan un servicio de facilitación de pago tales como PayPal o que ofrecen dinero a cambio de colocar publicidad online.

• Restricción en los buscadores que vinculan con tales sitios.

• Requerimiento a los proveedores de internet, para que bloqueen el acceso a tales sitios.

El proyecto de ley convierte en un crimen al streaming no autorizado de contenidos protegidos por copyright, y prevé una pena máxima de cinco años de prisión por cada diez piezas musicales o películas descargadas dentro de los seis meses desde su estreno. El proyecto además brinda inmunidad a todos aquellos proveedores de Internet que voluntariamente lleven a cabo acciones contra tales sitios haciendo además responsable al sitio web infractor de cualquier daño producido al titular de los derechos, incluso sin tener que demostrarlo.

Efectos en todo el internet

La aprobación de leyes como SOPA crearían efectos colaterales en todo internet que lo cambiarían de forma negativa para siempre.

1. Las redes de navegación anónimas se volverían ilegales (la anonimidad en internet es importantísima para millones de personas en situaciones de peligro por parte de gobiernos totalitarios).

2. Nuestras comunicaciones serían oficialmente espiadas para poder determinar si incumplimos (o no) la ley.

3. Sitios donde se incentiva el contenido generado por el usuario no podrían operar porque sería sumamente impráctico vigilar cada cosa publicada con el miedo de recibir una demanda desproporcionada pues la ley no distingue entre proveedor o usuario en estos casos.

Uno de los aspectos básicos de la web se vería afectado: enlazar por medio a hacerlo a un sitio que tal vez sea sospechoso de violar la propiedad intelectual de una obra. Al enlazar también se estaría incumpliendo la ley SOPA.

Fellatio=felación. Noticia risoria, aunque ya un poco pasada. Ahí se las dejo

2012-01-14T09:20:00.000-08:00

El filósofo se escuda en su teoría interpretativa
Umberto Eco es detenido junto a una prostituta

El célebre escritor y filósofo italiano, Umberto Eco, fue detenido en Roma después de que la policía le encontrara practicando sexo en su coche con una prostituta menor de edad. Según informan fuentes policiales, la primera reacción del célebre filósofo fue confusa: “piensen lo que quieran: tienen un hombre de avanzada edad, una adolescente y el miembro del primero dentro de la boca de la segunda. Toda interpretación es posible dados los hechos.”
El célebre escritor y filósofo italiano, Umberto Eco, fue detenido ayer en Roma después de que la policía le encontrara practicando sexo en su coche con una prostituta menor de edad. Según informan fuentes policiales, la primera reacción del célebre filósofo fue confusa: “piensen lo que quieran: tienen un hombre de avanzada edad, una adolescente y el miembro del primero dentro de la boca de la segunda. Toda interpretación es posible dados los hechos.” Los policías, dos jóvenes napolitanos, entendiendo que Umberto Eco les estaba insultando le sacaron con violencia del coche y le tumbaron en el suelo. Pocos minutos después, Eco ingresaba en una comisaría cercana.

Umberto Eco se interpreta a sí mismo.
Según indican estas mismas fuentes policiales, el filósofo italiano pasó toda la noche tratando de negociar con sus captores. Les explicó de forma confusa su visión sobre los límites de la interpretación y cómo ésta había confundido a los policías que lo habían detenido. Después de más de dos horas de lecciones magistrales, el cuerpo de policías había tomado conciencia del peligro de la interpretación parcial y de cómo la sobreinterpretación no contamina únicamente el mensaje, sino también al propio emisor. Pese a sus esfuerzos, uno de los policías logró serenar a los demás (que estaban ya dispuestos a liberar al filósofo) y les recordó que “una mamada no es interpretable, o te la hacen o no te la hacen”.

El abogado de Umberto Eco se muestra receloso ante las posibles consecuencias penales de la detención. “[Umberto Eco] es bastante conocido entre los miembros del sistema judicial. No es la primera vez que le detienen y le acaban soltando alegando sobreinterpretación por parte de la policía. Esperemos que entiendan de nuevo lo ambiguo de la situación y lo difícil que es interpretar qué significa un pene en la boca de una señorita. Poner límites a la interpretación es como poner puertas al campo”. Mientras, el nombre de Umberto Eco sigue salpicado con otra polémica que, si se interpreta al margen de sus propias teorías, le puede salir muy cara.

V Vendetta

2012-01-07T09:04:00.000-08:00

A lo largo de 2011 el mundo se vio inundado de movimientos de los indignados, de personas a las que el modelo económico ha condenado a la pobreza y la inmovilidad social. En sus protestas se popularizó el uso de una máscara peculiar, la del personaje central de V de vendetta, historieta creada hace más de 30 años por al artista-anarquista británico Alan Moore, quien habla con Proceso, analiza a su manera la crisis económica mundial y concluye: “Esto que tenemos ahora ni siquiera es capitalismo; este sistema ha hecho que los bancos reciban los mismos privilegios que las monarquías del siglo XVI, cuando éstas funcionaban por sobre el Parlamento”.

LONDRES (Proceso).- Una máscara empezó a darle la vuelta al mundo: blanca y con abultados pómulos rosas, una sonrisa sardónica enmarcada por un negro bigote de puntas alzadas y una breve piocha, los ojos casi cerrados y semioculta por el ala de un sombrero… De Nueva York a Londres, Atenas, Río de Janeiro, Madrid y Roma miles de indignados –los del movimiento occupy, que protestan ante la debacle del sistema financiero internacional– llevan esa careta, símbolo de la oposición al poder capitalista, inspirada en la historieta V de vendetta.

Al creador de esa obra gráfica, el británico Alan Moore, de 58 años, no le sorprende que el símbolo que creó hace más de 30 años se haya instalado en la realidad y tenga ya tanta importancia.

La máscara surgió de V de vendetta, una novela gráfica muy popular ambientada en Gran Bretaña en lo que entonces era un futuro cercano –1997, casi dos décadas después de haber sido escrita– tras una guerra nuclear y con gran parte del mundo destruido donde un partido fascista –que Moore ideó basándose en el gobierno de la conservadora Margaret Thatcher– domina el Reino Unido y se dedica a aniquilar minorías étnicas y raciales.

El personaje central de la obra es un anarquista apodado V, quien siempre lleva la máscara que representa el rostro de Guy Fawkes, conspirador católico inglés que el 5 de noviembre de 1605 intentó hacer explotar el Parlamento. V empieza una elaborada y violenta campaña a fin de derrocar al gobierno e incitar a la población a adoptar una sociedad anarquista. Finalmente hace volar la residencia del primer ministro, en la calle Downing, centro del establishment británico.

A más de 30 años de la publicación de la historieta y con gran cantidad de similitudes entre la visión apocalíptica de Moore y la realidad actual, hoy miles de activistas y manifestantes de todo el mundo encontraron en V y su máscara un símbolo de repudio al orden establecido.

“Es interesante que un personaje que creé para una de mis historietas hace tres décadas haya encontrado algún tipo de resonancia con los indignados. Acepto lo que hacen. Hasta cierto punto probablemente semejante movimiento sea una consecuencia inevitable del mundo actual. Creo que la mayoría de la población en muchos países ha sido presionada hasta un punto límite por parte de las autoridades que deberían representarlos”, dice Moore a Proceso desde su casa de Northampton.

“Hemos visto una falla económica colosal que hasta donde entiendo fue puramente el resultado de bancos que corrieron riesgos estúpidamente ridículos y de una cultura de impunidad, en la que los banqueros no fueron penados por el caos que generaron. Todo debido al principio de ‘demasiado grande para caer’. Ese principio dice que si estos bancos se colapsan, se llevarán con ellos al abismo todo el sistema económico, algo que es probablemente cierto”, agrega este inglés que suele evitar a la prensa.

Moore va incluso más lejos y se pregunta si el sistema económico actual “vale la pena ser salvado, junto a aquellos que más han invertido en él, como los bancos y los líderes políticos”.

“Ellos son nuestros líderes porque controlan la moneda. No cumplen ninguna otra función. Ciertamente en este siglo las fuerzas económicas y poderes políticos económicos han sido probablemente más descaradamente rapaces en su avaricia y ambición que lo que recuerdo en toda mi vida”, sostiene el creador de historietas icónicas como Capitán Britania, La saga de la Cosa del Pantano, Watchmen y La liga de los caballeros extraordinarios, entre otras.

“Más allá del límite”

Moore, quien se declara anarquista, afirma además que el movimiento de protesta actual “es en gran medida lo que uno esperaría si la gente ha sido presionada más allá del límite de tolerancia.

“Esto es un indicativo de que en el siglo XXI la política no puede ser manejada bajo los modelos que la sostuvieron durante el XX. Tenemos en nuestras democracias mandatos cada vez más acotados de la gente e incluso, si votamos por líderes políticos, sus acciones concretas una vez en el gobierno muchas veces son opuestas a las que prometieron en las campañas electorales.

“Si queremos que se haga algo en el siglo XXI, el mensaje parece ser: ‘No votes por alguien que dice que va a hacer algo, porque lo más probable es que no lo haga. Si quieres que pase algo en el siglo XXI, hazlo tú mismo’”, sentencia.

Moore –muy celoso de su privacidad, poseedor de una legendariamente larga barba y una voz potente y quien se niega a usar internet o ver televisión– sostiene además que hay “muchos medios para organizarse políticamente que antes nunca habían existido”.

“Sospecho que ésta es una de las razones por las cuales el movimiento de protesta ha surgido de la forma que surgió. Debido a que estas tecnologías (como internet) ayudaron a incrementar todo tipo de comunicaciones entre la gente. A veces esto tiene aspectos negativos, uno termina con acosos cibernéticos y ese tipo de cosas.

“Supongo que cualquier sistema tiene su lado negativo, pero con la emergencia de movimientos de activistas, como Anonymous, y movimientos políticos, como Occupy, ha surgido un lado positivo de los medios sociales. La gente ha podido organizarse de manera inimaginable en otras épocas”, agrega.

Afirma que “era hora” de que nacieran dichos movimientos de protesta: “Esto surgió debido a lo que está pasando actualmente en el mundo. Es ciertamente mejor y más abarcador que cualquier otro movimiento que tuviéramos en los sesenta o desde entonces.

“Llegué a pensar en los noventa que los habitantes del mundo habían quedado tan enmudecidos por sus gobiernos y estupidizados por los medios, que tal vez habían perdido la capacidad de defenderse, defender a sus familias, su gente, y marcar un límite que no estarían dispuestos a cruzar. Pero parece que esto no es lo que pasó. Hay individuos inteligentes y muy determinados que están allí fuera y les deseo la mejor de las suertes”, sentencia Moore.

El viraje a la derecha

El escritor y artista ve también paralelos claros entre los conflictos sociales que sacudían a la Inglaterra de los ochenta –huelgas de mineros, disturbios callejeros y crecimiento de grupos de ultraderecha– y la situación actual, consecuencia de la crisis financiera y económica. Esos paralelos también pueden verse en V de vendetta, de allí su relevancia.

“Es interesante ver las similitudes. Recuerdo que en 1981, cuando tenía 27 años y estaba trabajando para el cómic independiente Warrior, en uno de mis viajes a las oficinas de la revista fui testigo de los disturbios. Ese había sido el verano de los disturbios (summer riots) que ocurrieron en todo el Reino Unido, pero en particular en Londres, en barrios como Brixton y Southall.

“Ese fue el primer momento en que vimos una respuesta de furia hacia el régimen de Margaret Thatcher. Al mismo tiempo surgieron grupos de extrema derecha, que en su momento fueron encabezados por el Frente Nacional. Parecía que había un número de elementos que trataban de meterse en el panorama político de Inglaterra y cuando escribía V de vendetta estos hechos formaban parte de mi tira. Fue una respuesta muy específica a un panorama político muy específico”, sigue Moore.

Fue justamente ese aspecto político fundamental de la historieta el que lo llevó a sentirse tan indignado y traicionado cuando apareció la versión fílmica de V de vendetta (2006) dirigida por Joel Silver y que fue un fracaso de ventas y de crítica.

“Esa fue una de las razones por las cuales me opuse tanto a la versión fílmica de V de vendetta, porque los términos anarquía y fascismo nunca se mencionaron en el filme y me pareció que intentaron reescribir mi historia. Se convirtió en una especie de parábola acerca del 11 de septiembre, de la administración Bush y la guerra contra el terrorismo.

“Una analogía burda que la película trataba de hacer y que no estaba presente en el original que escribí. Mi libro trata específicamente acerca de lo que pasaba en Inglaterra cuando había un gobierno conservador en el poder”, aclara.

Moore afirma que en el Reino Unido después de la llegada de Thatcher “la política viró a la derecha”.
“La gente no ha tenido realmente ninguna opción. Al elegir entre el Partido Laborista, los Liberales Democráticos o el Partido Conservador (los tories) es como optar entre tres marcas de una misma bebida. Es como ‘classic tory’, ‘diet tory’ o ‘tory max’. Son más una máquina expendedora que una democracia”, sostiene.

También opinó sobre la crisis económica y de deudas soberanas, al advertir que “la situación actual es mucho más grave que en los ochenta.

“Lo que entiendo de la situación económica, a partir de libros de economía que he leído para uno de los capítulos de mi siguiente novela, Jerusalén, es que hay un agujero negro de 54 trillones de dólares que se ha abierto en nuestro sistema económico.

“Es difícil ver una salida a menos que todos estemos preparados para someternos a una austeridad increíble, mientras que los banqueros y ejecutivos siguen cobrando bonos y primas exagerados sin ser penados por los robos a la gente. No hay una salida fácil a esto al menos que estemos preparados para ser víctimas de medidas brutales que nuestros gobiernos quieren imponernos. Entonces tiene que haber otra solución”, subraya.

“Diría que esto ya no es capitalismo. El capitalismo, brutal como es, al menos implica los principios de ‘sobrevive el más fuerte’ y ‘libre mercado para todos’. Es completamente injusto, pero esto que tenemos ahora ni siquiera es capitalismo; este sistema ha hecho que los bancos aparentemente reciban los mismos privilegios que las monarquías del siglo XVI, cuando éstas funcionaban por sobre el Parlamento.

“No estoy sugiriendo que esa sea una buena idea. Imagino que decapitar a banqueros sería bastante satisfactorio para algunos, pero no haría ningún bien. A quien debemos decapitar es al sistema económico en sí mismo, a la moneda”, sugiere Moore, quien pronostica en el futuro “un mundo sin moneda ni gobiernos”.
“Estamos viendo ahora una especie de transición hacia una democracia genuina, que será gobierno de la gente.

Democracia significa que la gente gobierne. No que los elegidos por la gente gobiernen, que es algo diferente.

Este tipo de movimientos de protesta podrían permitir el nacimiento de una nueva forma de democracia genuina, que se extendería a la arena económica y política. Tendremos que esperar y ver, tal vez sea pedir demasiado. Pero por otro lado, estas nuevas oleadas de protestas cada vez más sofisticadas parecen ser nuestra mejor esperanza de obtener ese tipo de solución.”

Moore describe a Proceso su nueva novela, Jerusalén, que se espera salga a la venta en 2012 o 2013.
“Mi nuevo libro retrata la actual situación que vive el mundo. Es un libro muy, muy largo y complejo que habla principalmente de los cambios en el barrio donde nací (Northampton). Es ficción, una fantasía increíble, pero habla de esta área que alguna vez fue la totalidad de Northampton, donde estaba el castillo del rey Juan, al final de la calle donde nací, de donde partieron varias de las Cruzadas, donde Thomas Becket fue juzgado. Una cantidad fantástica de historia, toda concentrada en esta pequeña área.

“Hoy esa área es la zona roja de la ciudad, es una de las partes que más pobreza tiene en todo el Reino Unido, es un área con una miseria enorme. Incluso cuando crecí allí era la zona más pobre de la ciudad, pero había una mayor cohesión en la comunidad que la que existe actualmente”, afirma.

“Al examinar un área como esa trato de analizar todos los aspectos. Y el prevaleciente es la pobreza. Por ello si quiero analizar la pobreza tengo que analizar la riqueza, porque una crea la otra. La única parte del mundo que estoy mirando es esta parte pequeña de Northampton, que representa toda zona empobrecida en cualquier parte del mundo. Cuando tenía 16 años la zona donde vivía estaba prácticamente destruida y nos sacaron de nuestra casa para que el barrio fuera demolido. Es lo que se llama una zona arrasada.

“Hoy cada vez hay más vecindarios de la ciudad que están siendo demolidos y muchas de nuestras ciudades terminan como el barrio de Northampton. Todo termina siendo una zona de demolición. Es este tipo de mundo, donde tu casa, tu vecindario, la historia del lugar, todo termina demolido en un segundo debido a intereses económicos”, afirma.

Según el escritor inglés, su libro buscará “crear oportunidades para pensar una nueva forma de lo local y lo global".

“Podemos todos ser ‘glocales’ o ‘lobales’, o algo así, ver ambas cosas como ciertos componentes de la misma existencia. Es cierto que todos vivimos en nuestras localidades específicas, pero estos sitios están conectados en redes globales, en un mundo abarcador que hay que desentrañar”, concluye Alan Moore, el hombre detrás de la máscara.

Premios de Literatura 2012, León, Gto.

2011-12-28T15:11:00.000-08:00

EL PATRONATO DE LA FERIA ESTATAL DE LEÓN
Y EL INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN
CONVOCAN

A los escritores, literatos, historiadores, profesores, investigadores, estudiantes y público en general guanajuatense o residentes en el estado mínimo 5 años (comprobable).

QUINTO CONCURSO DE ENSAYO HISTÓRICO SOBRE LEÓN,
OCTAVO CONCURSO DE CUENTO CORTO,
QUINTO CONCURSO DE POESÍA LIBRE.

PREMIOS PARA CADA CATEGÓRIA:
Premio único para Ensayo histórico sobre León $12,000.00
Premio único para Poesía Libre $12,000.00
Premio único para Cuento Corto Libre $12,000.00
Y la publicación de los tres trabajos.

Nada mejor para leer en esta Navidad que "Opiniones de un Payaso" de Bôll

2011-12-17T11:36:00.000-08:00

Opiniones de un Payaso es una de las obras de mayor renombre en la narrativa de Heinrich Boll (1917-1985); pertenece, según observan algunos teóricos, a una tercera etapa en la producción del escritor caracterizada por organizar, a partir de temas elementales, una crítica a las instituciones contemporáneas y promover una ética individual capaz de enfrentarse a los procesos de masificación cultural.
En términos generales, la obra –ambientada en la Alemania de posguerra- cuenta la historia de Hans Schnier, un payaso de profesión, que tras haber sido abandonado por Marie –la mujer a la que ama- se aboca progresivamente a la derrota artística y existencial. Desencantado, el personaje nos hace un recuento de su vida, de los problemas con su familia y su trasegar sentimental. Pero además, y como tiene plena conciencia de no pagar tributo a nadie más que a sí mismo, el relato de Hans constituye una crítica a su sociedad: la guerra, el nazismo, y el estricto círculo católico que siempre censuró sus actos.
Opiniones de un Payaso es una obra marcada por el absurdo y la sátira. Lo que imprimiría un sello particular a esta novela es el hecho de recurrir a un personaje que, a todas luces, se revela como antihéroe: no hace parte de los alemanes que buscan el restablecimiento económico, renuncia a cualquier modo de vida fuera del que le procura Marie, se sabe imposibilitado ante el mundo para generar comunicación, y reduce su carrera a una maraña de cuestiones artísticas.
Y es que la figura dibujada por Böll es, ante todo, irónica. Si en la tradición el payaso es el hombre que nos hace reír con sus ocurrencias, aquí, en la novela, sirve para enunciar una realidad especialmente triste: ese fracaso personal de Hans que no es otra cosa que la actualización de un espíritu de época. Aún más, la ironía no se agota en esa primera evidencia, sino que es palpable en un nivel más profundo, cuando se descubre que todas las opiniones que el protagonista nos va compartiendo a lo largo de las páginas no persiguen un fin distinto que su propia catarsis, y ello porque el payaso tiene plena conciencia de que no serán comprendidas por ningún hombre, ni siquiera tratándose de otro payaso.

El expresionismo abstracto de Pollock

2011-12-12T10:06:00.000-08:00

Jackson Pollock fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX. Nació en Cody, Wyoming, Estados Unidos, y posteriormente, en 1929, se mudó a Nueva York, donde estudió en la Art Students League con el pintor Thomas Hart Benton. Su trabajo, al ser ampliamente reseñado por el Moma, empezó a ser relacionado con el surrealismo. Los críticos del momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el automatismo, en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista David Alfaro Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos. El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945, la cual le brindo todo su apoyo siempre, a pesar de las adversidades, y de los múltiples vicios de Pollock. De su corta vida, se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en que logró controlar su alcoholismo, es decir, el período 1949-1950. Peggy Guggenheim fue su mecenas, quien le entregaba una mensualidad. Durante las décadas de los años 1950 Pollock recibió apoyo de la CIA por medio del Congress for Cultural Freedom (CCF, Congreso para la Libertad Cultural). La carrera de Pollock se vio súbitamente interrumpida cuando falleció en un accidente de coche en 1956. Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del “Expresionismo Abstracto” como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60. En esa epoca tambien conoce el célebre pintor mexicano David Alfaro Siqueiros de quien aprende mucho por sus nuevas tecnicas para pintar y despues de esa epoca siendo una de las vanguardias contemporáneas con uno de los grandes trasfondos teóricos existente en este tiempo. La creación de este estilo se daba porque la acción de pintar se producía de una forma subconsciente en sí mismo, trabajando de una forma autómata, que será lo que se denominará automatismo. Buscaba la representación dramática e irrefrenable del subconsciente. Todo esto estaba condicionado por la búsqueda de levantar emociones sobre el público expectantes, por lo que ante los nuevos acontecimientos sociales producidos en el siglo XX que no podrían ser representados a modo tradicional, realista; ya que conducía una serie de sentimientos tan radicales y desconocidos. Para ello debían surgir nuevas técnicas y maneras de tratar la pintura y el concepto artístico.Esto es lo que finalmente se dará a conocer como “Action painting”. Como puntos a tener en cuenta de su trayectoria artística desde la visión plástica y física de la realización de la obra es la creación novedosa del término mencionado antes llamado “Action painting” , que consistía en posicionar el lienzo (siempre de grandes dimensiones) a ras del suelo y utilizar los pinceles de forma rígida, contundente y con movimientos rápidos, bruscos y autómatas. Busca el desplazamiento del propio artista alrededor del lienzo para sincronizar ese movimiento. Esto es la clave que representa el carácter marcado de su obra, que está impregnada de movilidad y un caos con un cierto orden en sí mismo. De esta gran concepción de la pintura se desata otra de las técnicas creadas por este gran genio; el “dripping”. Esto consiste en la utilización de la pintura con toda su propia vitalidad y dinamismo puro, usaba los botes de pintura con una perforación en su parte inferior para que la pintura se aplicara sobre el lienzo goteando, con movimientos bruscos y de dirección cambiante. También se lanzaba la pintura contra el lienzo y el uso de aerosoles. Solía ser siempre pintura acrílica con la que trabajaría sus obras. Otro de los grandes términos que marcaran su trabajo artístico es el “all-over” que consiste en no dejar espacio alguno sin cubrir, buscando crear una atmósfera completa y sin limitaciones de marcos.

A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado «Jack the Dripper» , juego de palabras con «Jack the Ripper» o «Jack el Destripador», y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el Goteador». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947, año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century.

Si no lees vas a dar "Pena Nieto"...

2011-12-06T15:29:00.000-08:00

Si no lees vas a dar "Pena Nieto"

¿Qué es un atipoeta?

2011-12-03T09:11:00.000-08:00

TEST

Qué es un antipoeta:

Un comerciante en urnas y ataúdes?

Un sacerdote que no cree en nada?

Un general que duda de si mismo?

Un vagabundo que se ríe de todo?

Hasta de la vejez y de la muerte?

Un interlocutor de mal carácter?

Un bailarín al borde del abismo?

Un narciso que ama a todo el mundo?

Un bromista sangriento?

Deliberadamente miserable?

Un poeta que duerme en una silla?

Un alquimista de los tiempos modernos?

Un revolucionario de bolsillo?

Un pequeño burgués?

Un charlatán?

un dios?

un inocente?

Un aldeano de Santiago de Chile?

Subraye la frase que considera correcta.

Qué es la antipoesía:

Un temporal en una tasa de té?

Una mancha de nieve en una roca?

Un azafate lleno de excrementos humanos

Como lo cree el padre Salvatierra?

Un espejo que dice la verdad?

Un bofetón al rostro

Del Presidente de la Sociedad de Escritores?

(Dios lo tenga en su santo reino)

Una advertencia a los poetas jóvenes?

Un ataúd a chorro?

Un ataúd a fuerza centrífuga?

Un ataúd a gas de parafina?

Una capilla ardiente sin difunto?

Marque con una cruz

La definición que considere correcta.

Nicanor Parra.

(Poemas y Antipoemas)

Marcel Duchamp y el arte conceptual

2011-11-25T15:33:00.000-08:00

Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista francés conocido más que nada por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento “pop” en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales innovadores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento. El arte conceptual de Duchamp, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.
El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista serviría como precursor, con sus trabajos llamados “ready-mades”. Daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EEUU, Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada. En Japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente.
El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

Los detectives salvajes de Bolaño y la realidad vuelta novela

2011-11-18T16:45:00.000-08:00

Los detectives salvajes es una novela del escritor chileno Roberto Bolaño, publicada en 1998. Consta de tres partes: la primera y la tercera son el diario del personaje Juan García Madero, un joven de 17 años estudiante de derecho. De ellas, la primera transcurre en México D.F. en el año 1975 y la tercera en el desierto de Sonora en el año 1976. La segunda parte consiste en fragmentos correspondientes a testimonios de distintos personajes, donde se recogen las vivencias entre los años 1976 y 1996 de los poetas Arturo Belano y Ulises Lima en distintos lugares del mundo. El relato es un homenaje al infrarrealismo, movimiento poético, que en la novela es denominado realismo visceral, y a sus integrantes. Así, Arturo Belano es en realidad el mismo Roberto Bolaño, y Ulises Lima es el poeta mexicano Mario Santiago Papasquiaro. Los detectives salvajes ha sido traducida a varios idiomas, y ganó en el año 1998 el premio Herralde y en 1999 el premio Rómulo Gallegos. La novela ha recibido gran cantidad de elogios, tanto de escritores como de críticos especializados.
Los hechos reales de Los detectives salvajes
Mario Santiago Papasquiaro fue expulsado de la ciudad de Viena, al igual que Ulises Lima en Los detectives salvajes. La corriente poética que en la novela aparece con el nombre de realismo visceral, se corresponde con el infrarrealismo, corriente literaria surgida en México en la década de los 70, encabezada por el mismo Bolaño y por Mario Santiago Papasquiaro entre otros. Otros sucesos que se narran en el relato también parecen tener correlación con la realidad. En el testimonio de Simone Darrieux, se alude a cómo descubre que Ulises Lima lee en la ducha, y este hábito se le atribuía a Papasquiaro.
En los testimonios de Norman Bolzman y Heimito Künst se describen las andanzas de Ulises Lima por Israel y Austria, y como de este último país le expulsan hasta el año 1984. Refiriéndose a un hecho que le sucedió a Mario Santiago Papasquiaro, dijo Bolaño en un discurso: en 1978 o tal vez en 1979 el poeta mexicano Mario Santiago, de regreso de Israel, pasó unos días en esta ciudad. Según me contó él mismo, un día la policía lo detuvo y luego fue expulsado. En la orden de expulsión se le conminaba a no regresar a Austria hasta 1984, una fecha que le parecía significativa y divertida a Mario y que hoy también me lo parece a mí. En una entrevista concedida por Bolaño a Mónica Maristain para la revista Playboy, el escritor chileno recuerda su empleo como vigilante de un camping cercano a Barcelona, al igual que Arturo Belano, como se recoge en el testimonio de Mary Watson. Muchos de los personajes parecen tener correlación con personajes reales, al igual que el realismo visceral lo tiene con el infrarrealismo. Así Arturo Belano y Ulises Lima son los álter ego de Roberto Bolaño y Mario Santiago Papasquiaro. Cesárea Tinajero está inspirada en la poeta mexicana Concha Urquiza. Dentro de los real visceralistas, el joven Juan García Madero se corresponde con Juan Esteban Harrington, un productor audiovisual chileno. El poeta Darío Galicia aparece como Ernesto San Epifanio. Joaquín, Angélica y María Font son Manolo, Vera y Mara Larrosa. En la novela se menciona que Angélica Font ganó el Premio de Poesía Laura Damián, y en la vida real Vera Larrosa ganó el Premio de Poesía Diana Toscano. Otros personajes que no pertenecen a la corriente real visceralista son: el poeta Juan Bañuelos, que es retratado en la novela como el "poeta campesino" Julio César Álamo. En la novela, Arturo Belano mantiene un duelo con un crítico literario llamado Iñaki Echevarne, que es en realidad el crítico español Ignacio Echevarría. El poeta argentino Jorge Boccanera, que fue redactor de la revista Plural, aparece en el relato con el nombre de Fabio Ernesto Logiacomo. Luis Sebastián Rosado es José Joaquín Blanco. El amigo de Cesárea Tijanero, Amadeo Salvatierra, es el pintor estridentista Rodolfo Sanabria.

Breviario de Budismo Zen

2011-11-11T15:40:00.000-08:00

El método Zen consiste en penetrar directamente en el objeto mismo y verlo,
como si dijéramos, desde dentro.
Conocer la flor es convertirse en la flor, ser la flor, florecer como la flor,
y gozar de la luz del sol y de la lluvia.

D.T. Suzuki

Zen es el nombre en japonés de una tradición del budismo Mahayana, cuya práctica se inicia en China bajo el nombre de Chán. Es una de las escuelas del budismo más conocidas y apreciadas en Occidente. Con el popular nombre japonés Zen suele aludirse en realidad a un abanico muy amplio de escuelas y prácticas de este tipo de budismo en toda Asia. Las principales escuelas del budismo Zen propiamente japonés son Rinzai, Soto y Obaku. Se distinguen por su especialización en distintas técnicas de meditación como el kōan o el zazen.
Origen del budismo Zen.
Como toda escuela budista, el Zen tiene sus orígenes en India. La palabra Zen es la lectura en japonés del carácter chino chán, que a su vez es una transcripción del término sánscrito dhyana, traducido normalmente como "meditación". La influencia de esta escuela llegó hasta Corea, en donde se llama son, y también hasta Vietnam, en donde se conoce como thien. Como podemos ver los nombres antes mencionados (a excepción del sánscrito) son distintas pronunciaciones del mismo ideograma chino. El desarrollo del Zen parte pues de una noción doctrinal en los sutras budistas del mahayana en donde se afirma la preeminencia del cultivo de dhyana como la vía preferente para conseguir el nirvana. El budismo primigenio observaba una progresión en distintos estados de la meditación o jhanas que suceden en un cultivo gradual del practicante. En este contexto, el Zen afirmará la existencia de un acceso directo y espontáneo al último y superior de todos ellos aquel que precede inmediatamente a la experiencia del nirvana, sin necesidad de experimentar los anteriores, mediante vías de acceso espontáneas y que son ajenas a la intelectualización de lo aprendido o a una noción de crecimiento gradual en el perfeccionamiento espiritual. El Zen es por antonomasia la tradición budista de la intuición y la espontaneidad.
El chán.
El Chan se desarrolló en China, donde el budismo se asentó desde el siglo I. Al principio era una mera transposición del budismo indio, entre cuyas principales actividades estaba la traducción y el estudio de textos. Progresivamente se desarrollan varias escuelas del budismo, una de las cuales es la escuela Chán. Se considera que las formas tempranas del budismo Chán surgen en el siglo VI a partir de la influencia de diversos sutras o textos sagrados del budismo mahayana, todos ellos de procedencia india, a los que más tarde se les añadirá una serie de apócrifos. Entre estos textos principales está el Prajña paramita (sección del canon del mahayana que contiene distintos sutras famosos, como el "del Corazón" y el "del Diamante"), el Despertar de la Fe atribuido a Aśvaghoṣa, el Sutra de Vimalakirti o el Sutra del Lankavatara. Un apócrifo fundamental en la tradición Zen es "El Sūtra de la Perfecta Iluminación". Aunque la práctica Zen incluye el estudio de los sutras y otros textos, el carácter directo e intuitivo de este tipo de tradición budista los sitúa en un segundo plano, ya que no los considera capaces de provocar por sí solos el despertar. En cambio, se anima al discípulo a mantener su atención en el momento presente, confiando en la sabiduría innata de todo ser humano para realizar todo su potencial. Esta noción es influencia directa del budismo mahayana, cuyos textos desarrollan la idea del Tathagatagarbha o "matriz de la iluminación". Esta idea, implícita en la difusión de la prajña paramitā, se ampliará poco tiempo después con la aparición de diversos sutras.
Se subraya el carácter innato de la budeidad en todo ser vivo, lo cual ejercerá una influencia crucial en el budismo chino, japonés y de todo el sudeste asiático. La importancia radical en esta idea es que reconoce la posibilidad de que los laicos alcancen un nivel espiritual tan alto como el de un monje. Este concepto ha sido fundamental en la expansión del mahayana y, consecuentemente, también del Zen. La efervescencia de estas ideas en el budismo temprano de China tiene lugar como reacción contra una excesiva erudición e intelectualismo presentes en el budismo chino de entonces, aunque recibirá a su vez la influencia directa de varias de esas escuelas centradas en el estudio, como la Tiantái o la Huáyán. Estas escuelas harán surgir un nuevo estilo de práctica y de entender la enseñanza, centrado en una vía intuitiva y directa que pretende propiciar cierto estado mental (el Samadhi o Kenshou) previo al completo despertar espiritual o nirvāṇa. Por lo tanto, este nuevo tipo de budismo se centra en el cultivo de la mente o meditación, cuya traducción china es la palabra chán. En chino, a esta escuela se la llama directamente "Escuela de meditación" (Escuela del Chan). El resto de escuelas dedicaban buena parte de su tiempo al estudio de textos, ya que consideraban que su lectura entrañaba la acumulación de méritos para el despertar. La escuela del Dhyana estableció un nuevo enfoque, en el que el cultivo de la propia mente se convierte en el centro de la práctica budista.
Escuelas.
Durante los primeros tiempos del budismo Chán coexistieron varios métodos de meditación, en donde prevalecía un tipo de contemplación directa del mundo y de la propia mente que la persona realizaba en cualquier situación. Estos métodos del budismo Chán se ven pronto influenciados de distinta manera por las ideas filosóficas del taoísmo. A su vez, el taoísmo también se verá influenciado por la nueva religión budista. Esa fusión fue posible heredando aspectos principales de otras escuelas, como la importante escuela Tian tái del maestro Zhiyi (Chi-I). Con el maestro Zhiyi encontramos ya una perspectiva inmediata de la liberación. Sus tratados sobre "La Gran Calma y Contemplación" influirán durante siglos al resto de escuelas y sus ideas serán centrales a la hora de entender el proceso de significación del budismo que posibilitará el nacimiento del Chán. Otra escuela influyente en la génesis del Chán fue la escuela huayán, hoy desaparecida. Reconocida por algunos historiadores como la escuela mahayana más sofisticada que ha existido, su compleja cosmovisión y su manejo de las ideas de naturaleza búdica o interdependencia no desaparecerán con ella, sino que se verán recogidas de distintas formas por otras escuelas, entre ellas la Chán. El trabajo principal alrededor de esta escuela es sin duda el "Sūtra del Avataṃsaka", un complejo texto definido por Daisetz T. Suzuki como la cumbre literaria del budismo mahayana. Por último, la Escuela de la Tierra Pura influirá enormemente en el Zen, aunque de manera un poco más tardía. La Escuela de la Tierra Pura es de hecho la escuela propiamente china más antigua del mahayana, aunque en sus inicios emergió de textos del budismo indio. Con el transcurrir de los siglos, el Chán y la Tierra Pura se convertirán en las dos escuelas budistas más importantes del budismo chino. Finalmente incluso aparecerán fusiones en la práctica de ambos tipos de budismo. Un fenómeno similar, aunque en menor medida, ocurrirá en Japón con influencia de nombres importantes como Genshin.
Occidente.
En el siglo XI el budismo Chán ya estaba completamente asentado en China, donde poseía una vasta red de templos y monasterios y se había convertido, junto a la Escuela de la Tierra Pura, en la enseñanza principal. Debido al constante flujo histórico de intercambios culturales con Japón y otros países se crearon nuevas escuelas como derivación de las chinas. Por otro lado, hay que señalar que aunque en cada país el Zen creaba sus peculiaridades, la comunicación entre las escuelas Zen en los distintos países ha sido frecuente y continua en el tiempo, ayudada por ese fuerte vínculo histórico común. De acuerdo a los relatos tradicionales, el Zen llegó a China de manos de un monje indio llamado Bodhidharma (Daruma Taishi en japonés) alrededor del siglo VI. Era el 28º sucesor en una línea de transmisión de enseñanza que la tradición remonta hasta Kaśyapa, discípulo de Buda. De acuerdo al Registro Jingdé de transmisión de la lámpara se embarcó alrededor del año 520 dC. en un viaje que le llevó al reino de Liáng, ubicado al sur de China. En ese reino, durante un famoso intercambio con el Wu, declaró que las buenas acciones hechas con intenciones egoístas eran inútiles para lograr la iluminación. Más tarde se dirigió a un monasterio cerca de Luoyáng, en el este de China y, de acuerdo a la leyenda, estuvo meditando frente a la pared de un acantilado antes de aceptar discípulo alguno. Finalmente, falleció en el templo Shaolín de la montaña Sōng, condado Dengfeng, provincia de Hénán, China. La montaña Song es la cima más alta de las Cinco Montañas Sagradas, ubicadas en la provincia de Henán. Como héroe cultural legendario, a Bodhidharma también se le vincula al templo Shaolín y la consiguiente difusión de las artes marciales de Asia oriental, especialmente en la tradición oral de escuelas de Gongfu y Taijíquán, así como en los populares trabajos de ficción del género wuxiá. No obstante, hoy se sabe con certeza que las artes marciales no estuvieron presentes en el budismo chino ni en el templo de Shàolín hasta bastantes siglos después. Del mismo modo, también hoy se sabe que Bodhidharma no estuvo literalmente "frente a un muro", sino que hablaba de un muro como un estado de la mente. Los descubrimientos y traducciones contemporáneas arrojan una mayor claridad sobre los orígenes de esta escuela budista.

La izquierda en política y la izquierda mexicana

2011-11-04T18:12:00.000-07:00

Según el historiador mexicano Lorenzo Meyer, el concepto de izquierda se “acuñó en el siglo XVIII, durante la revolución francesa (en la asamblea, los radicales se sentaba a la izquierda)”. Aunque la izquierda ha existido desde el inicio de toda actividad política, dentro de la definición podemos identificar aquellos que en diferentes épocas y circunstancias se han puesto a favor del cambio radical con argumentos de orden éticos y buscando siempre el bienestar de la mayoría.
Los temas de la izquierda en el siglo XIX, fueron la lucha por la democracia y el liberalismo. En el siglo XX, después del octubre rojo en Moscú 1917, la izquierda se vio íntimamente ligada a la revolución rusa. El socialismo empezó a conducir los nuevos ideales de la izquierda política. Mientras que la derecha en política tiende al “establishment (el orden establecido)” o por lo menos a conservarlo, la izquierda busca el cambio, la evolución y el “progreso”.
Parafraseando al sociólogo francés Raymond Aron, las características centrales de la izquierda son: la oposición al poder, la libertad contra el arbitrio de los reguladores políticos y morales, la organización social de las mayorías y la igualdad de oportunidades. Aunque es preciso puntualizar que cada izquierda tiene su propia historia, la izquierda mexicana no es la excepción. La izquierda en México empezó ligada al PCM (Partido Comunista Mexicano). Según Héctor Aguilar Camín en su libro: “Pensando en la izquierda”, en nuestro México contemporáneo coexisten cuatro tipos de ella: 1. “La izquierda revolucionaria, 2. La izquierda comunista, 3. La izquierda estatista y nacionalista y 4. La izquierda utópica clásica.
En términos muy generales, en la primera podemos incluir como modelo a la revolución cubana, aquella que ratificaba a la violencia como motor para el cambio. Para Ernesto Guevara “El che”, el revolucionario debía de ser una máquina para matar. En la segunda, la consigna consistía y aun sigue siendo la lucha contra el imperialismo a través de la influencia de los sindicatos y las luchas obreras. Dentro de la tercera que dicen los expertos que está es el verdadero corazón de la izquierda en México, lo importante es crear un Estado fuerte frente a los poderes privados y lograr con ello un instrumento para la justicia social.
Y por último en la cuarta, podemos encontrar a todos aquellos románticos que siguen empecinados con el sueño de Marx y Engels. A pesar del derrumbe del socialismo aun consideran revivir aquel sueño.
Ahora mismo terminado de leer al poeta Jaime Sabines, me percato de su pertenencia a la izquierda utópica. Como prueba les muestro uno de sus poemas:

RECADO A FIDEL
¿A quién se le ocurre nacer héroe
en tiempo de mercaderes, Fidel?

El último caudillo de América
se va a morir de soledad
o será aplastado por su pueblo
que ya no aguanta la barriga vacía.
A este pronóstico deportivo
apuestan hoy las democracias.
Y tú oyes crujir el techo
de la casa que levantaste
y sientes que tus sueños se desmoronan,
que caen sobre ti a pedazos
la maldita esperanza y el amor al hombre.

Quisiera decirte que te salves,
pero no te salves, Fidel.
Eres la dignidad.
Y algún día la dignidad
será sacada como brillante
del corazón profundo de la tierra.

Sin duda alguna, la izquierda mexicana tiene un gran reto para reelaborarse después del derrumbe socialista y hoy con sus intentos de alianza con la derecha. La izquierda en México necesita repensarse y no sólo actuar para ganar elecciones. La izquierda por su historia representa una búsqueda de las libertades individuales, acaso el fin más grande a que puede aspirar un ser humano.

El role de libros

2011-10-28T16:47:00.000-07:00

Edith Wharton en su ensayo El vicio de la lectura establece: “No hay vicios más difíciles de erradicar que aquellos que popularmente se consideran como virtudes”. Aquí uno de ellos: “El que presta un libro es un pendejo, pero el que lo regresa también”.
Es evidente que en esta máxima popular mexicana, la virtud o mejor dicho el vicio disfrazado de virtud consiste en no prestar libros, pero si se llegará a incurrir en el role de estos, el tonto sería quien lo devolviera.
Por lo anterior, lo que me propondré en la siguiente reflexión es echar por tierra ese dicho popular de los mexicanos, y acentuar que el role de libros es un pro al intercambio de conocimientos.
No es extraño que el préstamo de libros implique cierto recelo entre la sociedad mexicana. Y no es extraño si observamos las estadísticas que se tienen sobre la lectura promedio que realiza anualmente un mexicano (el mexicano promedio lee, según los últimos datos de la Encuesta nacional de lectura del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, entre 1.5 y 2 libros al año). ¿Para qué prestar un libro que no se leerá?
Es vergonzoso este dato si nos comparamos con los checos (cada ciudadano checo compra tres libros al mes como mínimo, y cada familia tiene su propia biblioteca) que según datos de la Organización de Cooperación y Desarrollo Económico, a nivel mundial estos ocupan el segundo lugar de la escala de lectura, aventajados sólo por los neozelandeses.
Como podemos vislumbrar, mientras que en Checoslovaquia y Nueva Zelanda el hábito de la lectura es una cotidianidad más. En México se le trata de obliterar por donde quiera que gana auge. Al ciudadano mexicano no le basta con no leer, sino que quiere bloquear la lectura.
Pienso que por eso se crean máximas populares en contra de ella y de la circulación de libros. Es una realidad que en nuestro país, o mejor dicho en las provincias de nuestro territorio mexicano hay escasez de bibliotecas públicas nutridas. Sucede la mayoría de las veces que un buen lector se tiene que trasladar a otro lugar diferente de su ciudad para la adquisición de títulos y autores.
Las librerías municipales sólo poseen libros de texto y pocos clásicos ya leídos por un buen lector. Pero así también podríamos criticar la escasez de libros de poesía, filosofía, dramaturgia, ensayos literarios o bien de ciencias.
Es necesario que cambiemos de mentalidad con respecto a la lectura y la forma de actuar en relación con ella. Es por demás superfluo enumerar los beneficios que trae aparejada la lectura constante en la persona mentalidad abierta, conciencia crítica y autocrítica, perspectiva amplia y respeto al pensamiento ajeno, por mencionar sólo algunos.
Por lo que a mi respecta, considero como obligación, vivir cuestionando los moldes establecidos, medir el poderío de cada principio, acción o costumbre. Vivir despierto es liberarse de las pesadillas que se realizan por herencia o tradición. Los ojos penetrantes permiten desenmascarar al vicio disfrazado de virtud.
El préstamo de libros, antes de degenerarse constituía una virtud. Por ejemplo, en la tradiciones antiguas, mucho antes de la invención de la imprenta, los conocimientos se trasmitían oralmente y como obligación máxime.
Por lo tanto no es posible ni benigno para la sociedad mexicana, el que existan máximas donde se impide prestar los libros y más, personas que sigan esas recomendaciones. Es inaceptable que existan personas que no permitan otros acercarse a sus bibliotecas para realizar una investigación, o prestar libros para la divulgación del conocimiento. No podemos regresar a las épocas donde se vedaba el conocimiento, o ¿cómo se le puede llamar a este acto de egoísmo?
El conocimiento no es, o no debe ser para un particular. No debería de haber bibliotecas particulares, y las que hay debieran permitir a la colectividad su uso. Nuestro municipio, Estado o país, se beneficiaría por esta aportación particular.
Además con lo costoso de los libros en este momento histórico, el rol de estos sería una buena opción.
Por supuesto que el préstamo implica responsabilidad, cuidado del libro y la acción altamente moral de regresarlo.
Sería interesante que se crearan bibliotecas particulares en cada municipio, donde se pudiera acceder al conocimiento y por supuesto al préstamo de libros. Es más, toda biblioteca particular de escuela, empresa o institución debería permitir el paso.
Por lo demás, el role de libros antes de ser una estupidez es un pro al intercambio de conocimientos.

El pecado de la gula en México

2011-10-22T10:56:00.000-07:00

“La abundancia de alimentos entorpece la inteligencia”
Séneca

El Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) ha alertado que de continuar los malos hábitos alimenticios y sedentarios en el país, en 10 años 90% de los mexicanos padecerá sobrepeso u obesidad.
Según la tradición judeocristiana, la gula es uno de los pecados capitales. La gula puede entenderse como el ansia inmoderada de comer o de beber en demasía. La gula tanto como la anorexia, son los polos opuestos que cohabitan en ésta nuestra vida contemporánea.
Por un lado podemos encontrar en Monterrey a Manuel Uribe, uno de los mexicanos que se hizo famoso por su sobrepeso, y por el otro lado, el caso de las modelos de pasarela que han muerto por dejar de comer.
La gula, dicen los filósofos, se transforma en mal, cuando ofende el derecho y las expectativas del otro al comer. Como podemos vislumbrar, mientras que en algunos países se llenan de gordos como es el caso del nuestro, en otros se mueren de hambre como ha pasado y sigue pasando en África.
En la antigüedad los romanos llamaban “cura sui”, al cuidado de uno mismo. Profería un dicho popular: “No coma usted más de lo que le conviene o aquello que pueda sentarle mal”. Decía que la gula, vista como pecado es el hecho de convertir el comer en algo totalmente desligado del hambre de tantos otros.
Actualmente se le está viendo a México como un país de obesos, es decir, de seres pasivos y rumiantes, por un lado, y de oligarcas insaciables, por el otro. La gula es una acción egoísta: comer más y no pensar en los que se quedan sin comer.
Los restaurantes de bufet son toda una corona de nuestra época. Hay que decirlo, estamos viviendo en el momento histórico de los excesos.
El gran pensador Epicuro decía que el placer es satisfacer de una manera adecuada la necesidad que sientes. Calmar la desazón que sientes por el hambre, el frio o el deseo sexual.
¿Quién no, después de haber visitado un restaurante de “coma todo lo que pueda por el mismo precio”, ha sentido un terrible malestar al poco rato, tanto físico como moral? Los vicios son costumbres que envilecen al contrario de las virtudes. Si desde que la persona humana es infante lo acostumbráramos a la comida moderada, el niño se formaría una costumbre de virtud, pero si desde niños les aplaudimos que se atraganten les estaremos inculcando el vicio de la gula.
Sólo hay que buscar las estadísticas para percatarnos de que somos el primer lugar a nivel mundial en obesidad infantil. La especialista del Centro Médico Nacional Siglo XXI, Eulalia Piedad Garrido Magaña, señaló que en México más de cuatro millones de niños tienen algún grado de obesidad, padecimiento que también sufren 25 de cada 100 jóvenes entre 16 y 18 años.
Esta situación ha provocado que niños y adolescentes tengan enfermedades propias de los adultos, como la diabetes tipo II, colesterol y grasas en la sangre, hipertensión arterial y trastornos cardiovasculares, por lo que el IMSS impulsa acciones de prevención desde el nacimiento y durante todo el ciclo de vida.
Los especialistas indicaron que tres cuartas partes de la población de entre 20 y 65 años tienen exceso de peso y mencionaron que hace 20 años en México era difícil encontrar personas obesas, sobre todo porque se tenía una alimentación más sana y mayor actividad social.
Echevarría Zuno insistió en la necesidad de cambiar la cultura alimenticia y de actividad física, para evitar el aumento de este problema considerado como la pandemia del siglo XXI, porque además de los problemas de salud físicos en el caso de los niños también los están afectando psicológicamente.
La comida es la forma en que el ser humano acepta su naturaleza humana, sin comida el hombre podría morir, pero también si come demasiado. Todos sabemos que la obesidad grotesca es una de la vía más alta para obtener la muerte.
La gula como forma de decadencia humana siempre ha acompañado a la humanidad, basta con recordar los vomitorios romanos a donde se iba a desechar todo lo que se había ingerido para vaciar el estomago y continuar seguir comiendo.
El desperdicio es el derroche que se queda sin utilidad pudiendo servir. La gula tanto como el desperdicio, en nuestro país constituye uno de los siete pecados capitales, pero más que eso, en un lugar como México, donde muchos a veces no tienen que comer, es un alta ofensa a la dignidad del otro.
Ahora que nuestro país está en segundo lugar después de E.U.A en problemas de obesidad, es una cuestión máxime replantearnos el problema de la gordura en este nuestro lugar en donde nos toco vivir.

La hipermodernidad según Gilles Lipovetsky

2011-10-17T15:23:00.000-07:00

Lipovetsky analiza una sociedad posmoderna marcada, según él, por una separación de la esfera pública, y a la vez una pérdida del sentido de las grandes instituciones colectivas (sociales y políticas) y una cultura abierta con base en una regulación “cool” de las relaciones humanas (tolerancia, hedonismo, personalización de los procesos de socialización, educación permisiva, liberación sexual, humor).
Esta visión de la sociedad plantea un neo-individualismo de tipo narcisista y, más aún, aquello que Lipovetsky llama la segunda revolución individualista. Toda la obra de Lipovetsky gira en torno a la evolución y desarrollo del individualismo actual. Estos análisis se centran en la creación de una nueva categoría de pensamiento: la de hipermodernidad. La hipermodernidad vendrá acompañada de un hiperindividualismo y ambos se enfrentarán con la ambigua concepción de la postmodernidad. La postmodernidad ya no sirve para definir el momento actual de las sociedades liberales. Estamos en un momento histórico donde no existen sistemas alternativos al presente y donde el mercado ha impuesto su ley. Es el momento de la hiper-modernidad sin oposición alguna, sin normativa o regulación y que tiene el estatus de global. Con este término, Lipovetsky presenta un mundo caracterizado por la invasión de las nuevas tecnologías y la modificación del concepto de cultura.

Vivimos en una sociedad donde el papel de la imagen se ha convertido en un ícono, rodeados de una pantalla global(ordenadores, teléfonos móviles y televisores), una pantalla que ha roto el discurso narrativo continuado a favor de lo plural e híbrido, sin forma definida y con total heterogeneidad. Se ha redefinido el concepto de cultura poniendo el acento en la formación de la misma a través del capitalismo, del imperio del hiperindividualismo y de la tecnociencia. A lo largo de sus análisis Lipovetsky, presenta un concepto de cultura del siglo XXI caracterizado por la cotidianidad en el acceso a las redes informáticas y sociales de modo inmediato, por el hiperconsumo en busca de la novedad (neofilia), por los medios de comunicación a la carta y un tecnocapitalismo global. El clásico concepto de cultura, que diferenciaba entre la popular y la ilustrada, se ha desvanecido entre las redes y las nuevas tecnologías, y los campos de conocimiento empiezan a entremezclarse. La cultura es inseparable de la industria comercial y abarca todos los rincones del planeta, tiene aspiraciones concretas planetarias, independientemente del nivel económico. En la concepción del nuevo individualismo (hiper-individualismo) el pensador francés pone el acento en una de las características más importantes del tiempo hipermodeno: lo paradójico. El desarrollo de una cultura PSY (incremento del factor "psicológico"), el acceso democrático al lujo, y el hiper-consumo han provocado grandes desequilibrios internos en la relación del individuo consigo mismo. La línea de sus últimas publicaciones se encuentra muy ligada al análisis de los principales factores que organizan y mueven a la sociedad del momento. La economía ocupa uno de los papeles relevantes que mejor condicionan a la sociedad en la que vivimos. Existe un nuevo concepto de cultura, la cultura-mundo, que dista mucho del tradicional enfoque que otrora puso en marcha la Ilustración con la asociación de este término a los conocimientos humanísticos. La cultura-mundo actual significa el fin de la heterogeneidad tradicional de la esfera cultural y la llegada de la universalización de la cultura comercial, conquistando las esferas de la vida social, los estilos de vida y casi todas las esferas de las actividades humanas. En esta nueva cultura encontramos nuevos problemas con repercusiones globales tales como la ecología, la inmigración, la crisis económica, el terrorismo,… pero al mismo tiempo también tenemos crisis existenciales; de este modo Lipovetsky argumenta que el mundo se ha vuelto cultura y que a su vez, la cultura se ha vuelto mundo.

Filosofar sirve para aprender a morir

2011-10-07T15:05:00.000-07:00

Quien ha aprendido a morir ha
desaprendido a ser esclavo.
Montaigne

El miedo a la muerte ha sido una constante en toda la historia de la humanidad. El terror a desaparecer, a dejar de existir ha llevado al hombre a las reflexiones más agudas. ¿Qué hay del otro lado? ¿Existe acaso el otro lado?
El miedo a la muerte también ha empujado al ser humano a creer en las formas mágicas de salvación, en las promesas de inmortalidad que ofrecen ciertas religiones tradicionales, y en sectas como el Nwe Age y otras más.
¿Qué es lo que buscamos?, a parte de la negada inmortalidad, acaso un consuelo, una racionalización a dejar de existir, o bien una respuesta verdadera de qué es el mas allá. ¿Cómo saber que los ofrecimientos de las diferentes religiones y doctrinas son verdaderos, a través de que pruebas pueden demostrarnos sus afirmaciones? No hay pruebas, todos los argumentos de estas, dependen de la fe.
Dijo Cicerón en la antigua Roma: “Filosofar es aprender a morir”. ¿Se puede aprender a morir? No lo sé de cierto, pero este aprendizaje es lo que han intentado los filósofos desde los tiempos de la antigua Grecia. Ya Sócrates había reflexionado sobre la muerte diciendo que esta, tenía dos posibilidades:

O bien es aniquilación, y los muertos no tienen conciencia ni nada; o bien, según nos dicen, es realmente un cambio: una migración del alma desde este lugar hacia otro.

Para Sócrates independientemente de que sea una de estas dos posibilidades, la muerte no era algo a lo cual se le tenía que tener miedo. Si era aniquilación, entonces era un largo descanso sin sueños, y, ¿hay algo más agradable que eso? Si era un transito hacia otro sitio, es decir, hacia el Hades, entonces también era algo deseable, puesto que allí encontraríamos a viejos amigos y a los héroes griegos, y podríamos conversar con Homero, Hesiodo y el resto de la inmortal compañía.
El mismo filósofo griego Sócrates, después de haber sido condenado a muerte concluye con estas palabras:
Ahora es el momento de que nos marchemos, yo a morir y vosotros a vivir; pero quien de nosotros tiene un destino más feliz, es algo que sólo Dios sabe.
Como podemos observar desde los antiguos filósofos hasta hoy, estos hombres han intentando hacer con la filosofía, una enseñanza para la muerte.
La muerte es un misterio, pero quizá no sea algo malo después de todo. Los seres humanos le tenemos miedo a lo desconocido y es ahí precisamente donde radica nuestro temor. Por tal motivo el filósofo este hombre que se dedica a usar su razón para entender su propia humanidad y el mundo en que habita con otros hombres sea quien halla entendido que la mejor arma que tenemos para enfrentar nuestro miedo a la muerte, a ese sentimiento trágico de la vida como bien lo dijo Miguel de Unamuno, no sea sino reflexionando sobre ella.
Todo vivir es un estar muriendo. Quizá lo que enseña la filosofía es saber enfrentar nuestra propia muerte.
Ya el filósofo apátrida Cioran, se pregunta sobre ella diciendo: “¿Superará el hombre algún día el golpe mortal que le ha dado la vida?”.
La pregunta por la muerte no es una pregunta filosófica, es una pregunta humana. Toda persona en algún momento se ha hecho esta pregunta ¿Por qué morimos? Vivir y morir son las dos caras de la moneda del ser humano.
Otro filósofo alemán llamado Martin Heidegger, consideraba que la muerte le daba sentido a la vida. El pensaba que en la medida que sabiéndonos mortales, a cada momento nos entregaríamos a vivir nuestra vida auténticamente. Sabiéndonos que pronto moriríamos nos dedicaríamos a profundizar sobre nuestra vida.
Filosofar sirve para aprender a morir. En medio de incertidumbres acerca del más allá y si este en verdad existe, lo único que nos queda es meditar sobre lo que si podemos saber, que es este mas acá. La muerte enfrentada desde siempre, y como parte de toda una reflexión inherente a la experiencia humana, nos ayudaría a dejar de tenerle miedo.
En su libro Preparación para la muerte, Erasmo consideraba que lo importante es la conciencia. No hay que preocuparse de la muerte imprevista por asaltos, huracanes, terremotos, enfermedades, accidentes. Para los no preparados, toda muerte es imprevista, aunque llegue a los cien años. Lo importante del aprendizaje del morir es liberarnos de los grilletes de la esclavitud, del miedo a la muerte.
Si todos moriremos, aprendamos a caminar en la vida de la mano de la muerte, y solo así, como quería Montaigne, seremos más libres.
Sin duda filosofar sirve para aprender a morir.

Ahora en León, nos tenemos que cuidar hasta de los policias, que asco...

2011-09-22T15:18:00.000-07:00

Graban robo de policías
EVLYN CERVANTES SILVA/Luz Adriana Reyes/ Montserrar Palacios
NOTA PUBLICADA: 22/9/2011

(Periódico a.m. 22 de septiembre de 2011, abajo video)

Dos policías municipales fueron captados en video justo cuando saquean una mueblería del Centro.
Sus dos cómplices no aparecen a cuadro porque tenían la tarea de cuidar que otros policías no los descubrieran en pleno atraco.

“Estaban cuidando la zona, uno de ellos un elemento femenino era quien estaba cuidando el estacionamiento de la Presidencia que está cercano a este negocio y la otra cuidaba la zona circunvecina”, detalló el alcalde Ricardo Sheffield.

Explicó que las chapas de la mueblería no estaban forzadas porque el negocio estaba abierto, al parecer por un descuido de los empleados del local.

La versión inicial de que los policías pudieron haber brincado por las azoteas, ya quedó descartada.

Al parecer un vecino reportó que el local estaba abierto.

“El domingo por la noche se recibe una llamada de que hay una tienda en el Centro que está abierta, sin gente pero abierta; la Policía acude al lugar y verifica que todo está en su lugar, que no ha habido ningún robo, sino que por un descuido de quien deba cerrar, no cerró”, precisó Sheffield.

Explicó que para evitar un robo en la tienda, se decidió comisionar un agente para que vigilara el lugar.

“(Los agentes) revisan y todo está bien y ponen un elemento a cuidar la tienda en lo que se localiza quién venga a ponerle llave (a la tienda); viene el cambio de turno y un turno informa al otro, del parte que se levantó por este incidente”.

El Alcalde aseguró que fue en ese cambio de turno cuando el policía comisionado en vez de custodiar la tienda, decidió saquearla en complicidad con tres de sus compañeros asignados a patrullar otra zona de la ciudad.

El atraco ocurrió el domingo en la madrugada, aunque fue hasta el martes cuando hubo la certeza de que habían participado policías, al revisar la toma de una cámara de video instalada a 200 metros de la mueblería saqueada.

Después del atraco, los 4 policías involucrados fueron a sus casas y repartieron los artículos robados.

De acuerdo con el reporte de la Procuraduría, fueron 18 aparatos electrónicos y electrodomésticos los que fueron robados, entre los cuales había televisores, hornos de microondas, aparatos de sonido y ‘chocomileras’, además de mil 700 pesos en efectivo.

Atraco en video

Una cámara de la Policía instalada a 200 metros, captó el momento del atraco:

1.- Llega la patrulla de Policía

2.- Un agente que custodiaba la tienda recibe a sus compañeros.

3.- Baja el conductor para iniciar el atraco.

4.- Uno de los agentes abre dos puertas de la patrulla.

5.- Suben a la camioneta los artículos electrónicos robados.

6.- Los policías regresan a la tienda para seguir el saqueo.

7.- Después de cargar la cabina con artículos robados, alistan la huida.

8.- El conductor voltea a ver si no hay testigos del robo.

9.- Y se retiran con su botín.

Algunos datos sobre Pedro Páramo de Rulfo

2011-09-18T10:24:00.000-07:00

Pedro Páramo es el título de la única y corta novela del escritor mexicano Juan Rulfo, originalmente publicada en 1955. En apenas 23 ediciones y reimpresiones, la novela había vendido 1.143.000 reproducciones en Estados Unidos hasta noviembre de 1997, mientras otras ediciones en su tierra natal, México, así como de otros países de habla hispana, han vendido incontables reproducciones adicionales. Es el segundo libro de Rulfo después de El llano en llamas, que fuera una recopilación de cuentos que aparecieron inicialmente insertos en diarios de México. Pedro Páramo ha tenido una gran influencia en el desarrollo del realismo mágico y está contada en una mezcla de primera y tercera persona. La novela de Rulfo ha sido considerada como una de las cumbres de la literatura en lengua castellana por Carlos Fuentes. Gabriel García Márquez dijo que ninguna lectura lo había hecho sentir de ese modo desde que leyó La metamorfosis de Franz Kafka. Jorge Luis Borges comentó que Pedro Páramo es una de las mejores novelas de la Literatura Universal. La novela ha tenido traducciones a incontables idiomas así como ha recibido numerosas adaptaciones al cine: la primera, dirigida por Carlos Velo y protagonizada por John Gavin en 1967; y la más reciente, dirigida por Mateo Gil e interpretada por Gael García Bernal: ésta, de estreno previsto para mediados del 2011.

La novela Pedro Páramo
La novela se inicia con el relato en primera persona de Juan Preciado, quien le prometió a su madre en su lecho de muerte que regresaría a Comala para reclamarle a su padre, Pedro Páramo, lo que les pertenece. Preciado, cuyo nombre no conocemos hasta avanzada la novela, sugiere que no tenía intenciones de cumplir esta promesa hasta que comienza a tener visiones subjetivas de Comala y de Pedro Páramo que finalmente lo llevan a empezar su viaje. Su narración está fragmentada y se ve mezclada con diálogos de su recientemente difunta madre, Dolores Preciado. También se ve interrumpida y reemplazada por una línea narrativa en primera persona que aparentemente es de Pedro Páramo. Preciado se encuentra con varias personas en Comala, a quienes, en determinado momento, comienza a percibir como muertas. Al acabar el primer tercio de la novela, la narración de Preciado se detiene y empieza el monólogo interior de Pedro Páramo como narrador omnisciente. La mayoría de los personajes en la narración de Juan Preciado (Dolores Preciado, Eduviges Dyada, Abundio Martínez, Susana San Juan y Damiana Cisneros) están presentes en esa narración omnisciente, pero con perfil mucho menos subjetivo. Las dos narrativas mayores que compiten, dan versiones descriptivas diferentes de Comala. Sin embargo, es la narración omnisciente la que describe a Pedro Páramo y da detalles de su vida, desde su idealización juvenil de Susana San Juan, su encumbramiento, sus abusos tiránicos, su condición de mujeriego, hasta su muerte. Aunque la condición marcante de su personalidad es la crueldad, Pedro Páramo es también mostrado como siendo un padre que adoraba a su hijo nacido fuera de su matrimonio, Miguel Páramo, pero igual criado por él en su hogar, también como un astuto jefe que sabe cómo manejar a sus mercenarios que de otro modo hubiesen arrasado Comala. Mientras que la línea descriptiva de Juan Preciado se presenta de forma más o menos lineal, la de Pedro Páramo se presenta en desorden e insertada por fragmentos en la de aquél.

Narrativa
Al igual que la novela Rayuela de Julio Cortázar en el área de la Literatura y al igual que "Las Meninas" de Diego Velázquez en el área de la pintura, todas en cierto sentido requieren de la implicación del lector / contemplador en su interpretación. Ocurre que Rulfo parece haber escrito, digamos, dos cuentos centrales: la narración de Juan Preciado y la narración de Pedro Páramo.
Luego parece haber escrito otros cuentos menores que desarrollaban determinados pasajes de esos dos cuentos centrales: la relación de Juan Preciado con su madre, la relación de Pedro Páramo con Susana San Juan, la relación de Pedro Páramo con sus hombres en armas, la relación de Pedro Páramo con Juan Preciado, etcétera. Luego parece haber cortado los cuentos menores en trozos relativamente pequeños y haberlos intercalado en lugares muy específicos de los cuentos centrales. Su especificidad radica en que a poco de hacer su entrada en uno de los cuentos centrales, le hacen notar al lector que va avanzando en un entender que no corresponde. Para ello empieza un nuevo párrafo cambiando el género o número de los personajes descritos en párrafos anteriores. Eso hace que el lector se detenga y empiece a buscar "para atrás" en lo leído, para saber cuándo empezó. Algunos lo perciben, otros no. Entre los que lo perciben, unos consideran que los fragmentos empiezan en un cierto lugar y otros en otro. Así, una misma corta novela se convierte en una obra de arte universal, con miles de significados distintos para los distintos lectores y brillante para todos. Así hay en la novela una mezcla y entrelazado apasionantes de las voces y los recuerdos de los distintos personajes presentes y pasados. La obra de Rulfo está considerada como uno de los exponentes más significativos e influyentes del llamado realismo mágico. Otro de los aspectos que contribuye a aumentar la fama de Pedro Páramo u estilo del autor, sensorial y metafórico, plagado de imágenes poéticas. La interioridad del autor se ve reflejada por la complejidad de los argumentos de los personajes, lo cual deriva en una connotación erótica.

Miss Bala (¿Habrá que ver que tiene qué contar Naranjo)

2011-09-09T09:08:00.000-07:00

Sinopsis

Laura, joven tijuanense, o Laura, joven mexicana, o Laura, joven, o Laura, ser humano, quiere convertirse en reina de belleza de su estado. Busca la fama, el glamour, la popularidad, sueña con ser una estrella como las de los pósters que tiene en su pared. O tal vez, solo sueña con salir de la pobreza para poder ayudar a su padre y hermano.

Gerardo Naranjo, presentó en este Festival su cuarto largometraje titulado Miss Bala. Bajo el escenario del narcotráfico, el crimen organizado y la corrupción política el director hace una declaración sobre el deplorable estado espiritual en el que se encuentra el ser humano. La película que estuvo en el pasado Festival de Cannes no denuncia o critica al gobierno, denuncia e ilustra a la sociedad en general.

Los ojos de la protagonista no se ven, no tiene cara, como todos los muertos de esta guerra que día a día forman parte de una cifra más. La cámara sigue su espalda un buen rato, hasta que sobre un puente y mirando al mar Laura voltea para que la conozcamos. Sonriente y soñadora solo quiere convertirse en Miss Baja California.

Junto con su amiga Suzu, Laura hace la prueba para el concurso con un modesto vestido que cuida con gran esfuerzo. Ni se imagina que está a punto de iniciar un viaje del que será difícil volver. Entrará en un mundo desconocido pero existente y el gran acierto de la película es retratarlo con gran verosimilitud.

Al espectador lo sacude imaginar que lo que ve existe, Miss Bala no es una película clásica de gángsters, los maleantes no son como el Henry Hill o el James Conway de Scorsese, bonachones y matones buena onda. El Lino, narcotraficante que adopta a la fuerza a Laura, es un tipo real, feo, chaparro, rengo y sanguinario, sin embargo, lo que hace no le divierte, es simplemente parte de su trabajo.

Laura se topa con Lino en el baño de un antro al que va por casualidad, por destino o por desgracia, ella solo estaba buscando a su amiga Suzu. A raíz de este encuentro Laura irá cayendo en una vorágine interminable de violencia, hasta el punto de no poder salir del hoyo. Naranjo lo deja claro cuando Laura abandona su modesto vestido tirado en el baño, el sueño original ya nunca podrá ser cumplido. En cambio a Laura le vienen experiencias relacionadas con el contrabando de dinero a Estados Unidos, las balaceras debajo de los grandes puentes de concreto, relaciones sexuales obligadas y el exilio de su familia.

Después de la primera balacera que presencia, Lino la deja escapar pero su insistencia en buscar a su amiga la llevará de regreso al gángster. Justo antes de preguntarle a un policía de tránsito alguna información Laura se encuentra en un bar en la costa, el mar es un lugar que al director le gusta retratar desde Dramamex, tal vez por que es un espacio en donde se está en contacto con el resto del mundo, Laura está ahí, cerca del mundo, libre todavía pero decide ir tierra adentro. El policía de tránsito es uno más en las redes del narco y la lleva de regreso con El Lino, Laura terminará de iniciar el viaje al aceptar hacer un “jale”, de ahí en adelante ella ya no es la dueña de su destino.

Gerardo Naranjo ha filmado una película que será un parte aguas en su carrera como director. Con el oficio adquirido después de dirigir tres largometrajes, aprovecha con maestría una situación existente en el país, sin embargo, no es, como ya se mencionó una cinta que critica las cualidades políticas de este conflicto.

Miss Bala es una obra de arte inteligente. Desnuda la putrefacción de la sociedad contemporánea y la bajísima calidad moral del ser humano utilizando casi a la perfección las herramientas que el cine proporciona.

A través de elegantes planos secuencia, la fotografía, a cargo de Mátyás Erdély, captura sin error alguno las escenas hiperrealistas que están perfectamente coreografiadas y montadas. Es la cámara la que se encarga de dejar claro que lo retratado sucede en la vida real, es observadora y omnipresente, no discrimina lo que sucede afuera de las vidas de los protagonistas. En una misma toma puede mostrar a unas quinceañeras en una limosina, seguidas de un convoy de trocas de la policía para después ver entrar en el cuadro a las camionetas de agentes de la D.E.A. que siguen a Laura, afirmando que lo que le pasa a la protagonista le puede suceder a quien sea.

El escenario físico es Tijuana, pero podría no saberse el nombre del lugar, no es una ciudad, pero tampoco es un pueblo, donde hay modernos puentes de concreto y viejos puentes peatonales, es un lugar sin identidad. Como el pueblo mexicano, que no sabe quién es, así son también los protagonistas, Laura y El Lino, bombardeados de imágenes glamorosas, con los medios restregándoles una riqueza que ellos no tienen, casi obligados a convertirse en lo que se convierten.

El diseño sonoro no ilustra las imágenes sino que hace una síncresis perfecta con las imágenes. También es hiperrealista (balaceras incluidas) e incluso es más incluyente que la fotografía con los sonidos emitidos fuera de la trama central. Extradiegéticamente incluye una música/sonido aterrador que sube de intensidad conforme los largos planos secuencia se desarrollan hasta que saturan la escena, no solo desesperan y estresan al espectador sino que ilustran la abrumada vida de los protagonistas.

Miss Bala no pretende ejemplificar burdamente la “guerra del narco” como lo hacen los noticieros de la televisión. Pretende emocionar (no en el buen sentido) al espectador a través del arte, utilizando historias verídicas para crear personajes cinematográficos entrañables. Pretende dejar claro que los muertos no son una cifra más, y que la angustia que provoca la película es sentida por miles de personas inocentes que han sido alcanzadas por las balas de los policías o los malucos. A cualquiera le puede pasar y la sociedad seguirá pretendiendo que es solo una noticia más presentada en la televisión.

Raúl Bravo entrevista al escritor Marco Ornelas

2011-09-02T11:54:00.000-07:00

“El concierto reconciliatorio” o cómo adentrarnos en una partitura de paisajes

Publicado en: Arte y Cultura, Literatura, Noticias

Entrevista de Raúl Bravo con el poeta Marco Ornelas

28 de agosto de 2011

Si se pretende definir a Marco Ornelas (León, Guanajuato, 1978) en una sola palabra, ésta tendría que ser la de perseverante. No obstante, tal actitud no siempre le ha acarreado simpatías dentro del gremio literario local. Cosa que en el fondo no le preocupa en demasía. De hecho, confiesa de entrada no sentirse parte de ninguna generación literaria en Guanajuato. Y aunque dice conocer a todos los que se dedican a cultivar la cultura escrita —por lo menos en León— no se siente cerca de ningún escritor.

Así las cosas, quedamos de vernos en un café, en la Plaza Fundadores, para conversar sobre su poemario El concierto reconciliatorio (Colección Los otros libros, Editorial San Roque), que se presentó en la última edición de la FeNaL León 2011, el cual vio la luz pública justamente ese mes de junio. Como ensayista tiene en su haber el libro El mito de Proteo (2008) editado por Azafrán & Cinabrio. Textos de su autoría han sido publicados en antologías y suplementos culturales.

Portada del libro "El concierto reconciliatorio" de Marco Ornelas

Señala Víctor Sosa, en la presentación de tu poemario más reciente El concierto reconciliatorio, que la poesía es el arte de hacer cantar las palabras. En el mismo tenor, cantar y contar, ha dicho Machado. De alguna manera, ambas referencias reflejan un poco el sentido de tu obra.

Víctor Sosa fue jurado de un libro que publicó la Ibero (campus León) que se llamó Ocho voces de Guanajuato, en el año 2000, y era una convocatoria abierta a todo el estado de Guanajuato para publicar poesía. De hecho, ahí conocí también a Sergio Luna, otro amigo mío. Los tres jurados que escogieron a los ocho poetas, fueron Osvaldo Navarro poeta y periodista de origen cubano (ya fallecido), Elena Tamargo, también poeta cubana, y Víctor Sosa, uruguayo que acaba de nacionalizarse mexicano.

Le llamo, entonces, después de diez años a Víctor Sosa para ver si me hacía el favor de escribir el prólogo, y me envía un prólogo que a mí se me hace que fue muy acertado. De hecho creo que lo explicó mejor que yo lo hubiera explicado. Me dio más claridad en mi trabajo. Y es precisamente eso: yo quería trabajar con El concierto reconciliatorio un libro breve. Esa fue la intención siempre, porque había más poemas y los quité. Yo creo que eran cerca de cincuenta, al final iba a dejar veinte. Me acordé de Veinte poemas de amor, y dije “no”. Seguí puliéndolos, y al final quedaron quince. Como dije, quería trabajar un libro breve, quizá porque me gusta mucho El reposo del fuego, de José Emilio Pacheco. Tengo mucha cercanía, últimamente, con la poesía breve, la poesía muy limpia. En El concierto reconciliatorio quería trabajar el uso de la brevedad, la economía de las palabras, que se concentrara en imágenes, y que esas imágenes, sí lo lograron, fueran musicales.

De hecho, entre las cosas que me sorprende en El concierto reconciliatorio, una es lo breve, hay brevedad en los textos, una limpieza en los mismos, pero también hay un manejo del espacio escritural. No solamente es lo breve sino hay un posicionamiento del espacio, de la página en blanco incluso. No solamente es la cuestión de la lectura lineal sino manejaste el espacio, también.

Sí, y eso fue una consecuencia de la primera idea que te dije: la brevedad. Después, en esta aventura creativa con este libro, empecé a descubrir que había posibilidad de trabajar con la plástica poética, por llamarle de alguna manera; pero eso lo fui descubriendo, porque había poemas que los podía desplegar como si fueran viñetas, y que dijeran algo, representaran una imagen y que a la hora de leerlo fuera musical.

Como lo que señala Octavio Paz: “voy entre galerías de sonidos”, pero en este caso de una manera también visual.

Así es. Entonces, cuando empecé a encontrarme con todas estas cosas que, primero, hay una idea, esta idea empieza a madurarse, a transformarse, y yo le llamo aquí lo que Octavio Paz, quizá le llama en su libro El arco y la lira, a ese momento en que el azar coincide. Entonces este libro, para mi gusto, coincidió con varias cosas muy afortunadas que empezaron a desplegarse por sí solas. Más adelante pensé que pudiera ser un libro objeto, que eso también me interesa mucho. De algunos años para acá, me estoy haciendo un coleccionista de libros de poesía. Me voy a tianguis de libros, a librerías de otros estados y expurgo y trato de conseguir primeras ediciones de libros de poesía. Y hay muchos (libros) en ediciones muy bonitas. Uno de ellos el poema Blanco de Octavio Paz, no como libro sino como libro objeto. Así las cosas, a mí me empezó a interesar mucho el libro objeto, la poesía, la música y la imagen.

Tocando el tema que de alguna manera ya lo estás explorando, la cuestión musical, estamos hablando que El concierto reconciliatorio es un concierto amoroso. ¿Cómo te sientes en este discurso en torno al amor?

Empecé a explorar esta idea un poco primero más racional que sensitiva. Primero fue una exploración sobre el discurso amoroso, sobre lo que opinaba Ortega y Gasset, Octavio Paz en La Llama doble, lo que opinaba Schopenhauer, el mismo Sartre… Tengo una especie de obsesión: cuando empiezo a leer sobre un tema, me gusta ahondar y contraponer ideas. Es muy diferente lo que piensa Schopenhauer sobre el amor a lo que piensa Ortega y Gasset, a lo que piensa Octavio Paz. La Llama doble lo escribió a los ochenta años. Sorprendente que un poeta a esa edad hable sobre el amor y lo haga de una manera tan fresca y tan interesante. Esta explicación racional del fenómeno amoroso a través de la historia para después hacer una exploración personal me permitió darme cuenta que esta exploración puede explicarse muy bien a través de la música, más que lo racional. De hecho, hay un poema que dice así: “Para descifrar los signos del amor / transformé mi pensamiento en notas musicales / donde la razón fue ruta de extravío / la música dilucidará ahora lo inefable”. Es decir, descubrí que en la poesía quizá lo que teníamos que hacer es abandonar las ideas y dejarnos guiar más por la imagen.

Esto me remite un poco a esta veta que has trabajado como ensayista y como poeta. Al parecer, ya empiezas a tener equilibrio entre esta manera de reflexionar en torno al ser y el estar (ensayo), en relación con las emociones y los afectos que ya es un poco el territorio de la poesía. Pero también la poesía como un elemento de reflexión, utilizando herramientas —¿por qué no?— de lo ensayístico para trasladarlas al ámbito de la poesía, y así poder reflexionar en torno a un tema.

Precisamente hace días platiqué con Sergio Luna, por el messenger del facebook. Él está en San Miguel de Allende trabajando al parecer en un museo. Vino a León y le regalé el libro. Siempre nos obsequiamos los libros que vamos escribiendo, y me comentaba que en mis trabajos me falta madurar —observación que se me hace muy interesante— el equilibrio entre las ideas con lo sensible. Te comento esto porque cuando conocí a otro poeta leonés, Gabriel Marquéz de Anda, hace diez años, una de las cosas que le tomé es que mucho de la poesía mexicana no tenía pensamiento, era pura sensiblería. Que Octavio Paz intenta darle un trabajo sólido al pensamiento dentro del discurso poético. Una cosa importante que los poetas habían dejado de lado en México y Latinoamérica. De hecho, en un ensayo, Demetrio Vázquez habla de eso: que sólo algunos poetas latinoamericanos han trabajado el discurso del pensamiento: el poeta que reflexiona sobre su mundo, así como lo hicieron Rilke, Hölderlin, esta tradición de poetas europeos. Por eso me involucré más con textos de filosofía.

Pero también hay frescura, por ejemplo, a pesar de que este es un poemario breve tienes el tino de dividirlo en algunos capítulos: lo clásico, el jazz & blues para finalizar por el lado pop. Es decir, de alguna manera, hay ciertas afinidades musicales que las trasladas al ámbito de tu poesía.

¿Qué es el concierto? Es la convergencia de muchos instrumentos para lograr una eufonía, una melodía musical. Y reconciliatorio porque el amor reconcilia los contrarios. Todo esto se fue dando paulatinamente. Primero: un poema amoroso, no sabía si iba a ser largo o corto, escogí la brevedad. Después de la brevedad, vino la plástica de las palabras. Luego, cómo establecer este concierto, dividirlo en partes. A mí me gusta mucho la música de jazz, en segundo lugar, la música clásica, luego el rock y, por último, el pop. Y cada uno de estos poemas está ligado con ese tipo de géneros musicales, creo yo. La música clásica, el poema un poco más intelectual; el jazz, un poco más sensual; el pop, un poema más libre de lo intelectual.

Esto me refiere a ciertas preferencia musicales. ¿Cuáles son éstas?

A mí me gusta muchísimo el jazz. De hecho, uno de mis grandes libritos que guardo es El perseguidor de Julio Cortázar, donde habla de esta historia del saxofonista, que anda buscando a través de su música alcanzar algo muy grande, no sabemos si es dios, pero él trata de llegar mediante su música.

Y en cuanto a preferencias literarias ¿qué está leyendo Marco? ¿Cuáles son sus afinidades?

Mucha gente me crítica. Pero ya me acostumbré a vivir con esa parte de mí. Soy una persona hiperactiva. Lo mismo te puedo estar leyendo, ahora mismo, algo sobre el mito guadalupano, que a Leopoldo María Panero; estaba leyendo también toda la tradición de los poetas beat que llegaron a México. Soy una persona que lee muchos libros al mismo tiempo: unos los tengo en el baño, otros los tengo en la oficina, otros en la mochila para dar clase, otros en la agenda cuando voy al banco. Soy dispersísimo. En poesía estoy leyendo: Me amarás cuando esté muerto de Panero, Incurable de David Huerta; a Javier Sicilia, de quien siempre me interesó esa línea porque tengo una preferencia por los poetas creyentes. Por eso empecé a tener cierta relación literaria epistolar con Gabriel Zaid. Me interesó mucho leer a Thomas Merton, Paul Claudel, entre todos estos poetas que han seguido la tradición creyente, desde una óptica de una izquierda cristiana.

Marco Ornelas. Invitación. Presentación de Libro: “Variaciones de la voz alcanzando el tono”

2011-08-31T08:53:00.000-07:00

Presentación de libro:

“Variaciones de la voz alcanzando el tono”
Poesía

Marco Ornelas

Jueves, 01 de septiembre de 11
19:00 p.m.
Biblioteca central, Forum Cultural
León, Gto.

Entrada Gratuita.

¡NO FALTES!

Degollado sol

2011-08-27T10:02:00.000-07:00

(Aquí les dejo este poema inspirado en Tiresias.

Éste poema será incluido en mi

nuevo libro de poesía: Variaciones de la voz alcanzando el tono

editado por La Rana (Gto 2011) que lo presentaré muy pronto).

Degollado sol que para cumplir con tu destino,
haz hecho trizas la luz.
Antes de la madrugada has llegado,
eres el libro que contiene los oráculos,
la conjura de la sangre,
el verso que dice: vayas a donde vayas, nunca escaparás de ti mismo.

Medio pan y un libro. Discurso de Federico García Lorca

2011-08-19T17:15:00.000-07:00

Cuando alguien va al teatro, a un concierto o a una fiesta de cualquier índole que sea, si la fiesta es de su agrado, recuerda inmediatamente y lamenta que las personas que él quiere no se encuentren allí. «Lo que le gustaría esto a mi hermana, a mi padre», piensa, y no goza ya del espectáculo sino a través de una leve melancolía. Ésta es la melancolía que yo siento, no por la gente de mi casa, que sería pequeño y ruin, sino por todas las criaturas que por falta de medios y por desgracia suya no gozan del supremo bien de la belleza que es vida y es bondad y es serenidad y es pasión.

Por eso no tengo nunca un libro, porque regalo cuantos compro, que son infinitos, y por eso estoy aquí honrado y contento de inaugurar esta biblioteca del pueblo, la primera seguramente en toda la provincia de Granada.

No sólo de pan vive el hombre. Yo, si tuviera hambre y estuviera desvalido en la calle no pediría un pan; sino que pediría medio pan y un libro. Y yo ataco desde aquí violentamente a los que solamente hablan de reivindicaciones económicas sin nombrar jamás las reivindicaciones culturales que es lo que los pueblos piden a gritos. Bien está que todos los hombres coman, pero que todos los hombres sepan. Que gocen todos los frutos del espíritu humano porque lo contrario es convertirlos en máquinas al servicio de Estado, es convertirlos en esclavos de una terrible organización social.
Yo tengo mucha más lástima de un hombre que quiere saber y no puede, que de un hambriento. Porque un hambriento puede calmar su hambre fácilmente con un pedazo de pan o con unas frutas, pero un hombre que tiene ansia de saber y no tiene medios, sufre una terrible agonía porque son libros, libros, muchos libros los que necesita y ¿dónde están esos libros?

¡Libros! ¡Libros! Hace aquí una palabra mágica que equivale a decir: «amor, amor», y que debían los pueblos pedir como piden pan o como anhelan la lluvia para sus sementeras. Cuando el insigne escritor ruso Fedor Dostoyevsky, padre de la revolución rusa mucho más que Lenin, estaba prisionera en la Siberia, alejado del mundo, entre cuatro paredes y cercado por desoladas llanuras de nieve infinita; y pedía socorro en carta a su lejana familia, sólo decía: «¡Enviadme libros, libros, muchos libros para que mi alma no muera!». Tenía frío y no pedía fuego, tenía terrible sed y no pedía agua: pedía libros, es decir, horizontes, es decir, escaleras para subir la cumbre del espíritu y del corazón. Porque la agonía física, biológica, natural, de un cuerpo por hambre, sed o frío, dura poco, muy poco, pero la agonía del alma insatisfecha dura toda la vida.

Ya ha dicho el gran Menéndez Pidal, uno de los sabios más verdaderos de Europa, que el lema de la República debe ser: «Cultura». Cultura porque sólo a través de ella se pueden resolver los problemas en que hoy se debate el pueblo lleno de fe, pero falto de luz.

¿De verdad estamos tan solos?

2011-08-13T11:25:00.000-07:00

La madrugada de hoy, jueves, la PFP irrumpió en la casa del poeta Efraín Bartolomé, ubicada al sur de la Ciudad de México, y tanto él como su esposa fueron "interrogados" por los supuestos federales cubiertos con pasamontañas que buscaban "armas". Al respecto, el poeta Efraín Bartolomé fue entrevistado horas más tarde por la periodista Carmen Aristegui en su programa de radio. Líneas abajo está el texto que escribió el poeta Efraín Bartolomé en el que narra los hechos.

Son las 4:43 de la mañana del día 11 de agosto de 2011.
Hace aproximadamente dos horas un grupo de hombres armados irrumpieron en mi casa
ubicada en Conkal 266 (esq. Becal), Col. Torres de Padierna, 14200, México, D. F.
Comenzamos a escuchar golpes violentos como contra una puerta metálica
y me extrañó porque se escuchaba demasiado cerca y no hay ninguna puerta así en la casa.
Prendí la luz.
Los golpes arreciaban ahora como contra nuestras puertas de madera.
Quité la tranca que protege la puerta de nuestra recámara y me asomé al pasillo:
hacia el comedor veía luces (¿verdosas? ¿azulosas? ¿intermitentes?)
acompañando los golpes violentos contra el cristal que da al sur.
Mi mujer me gritó que me metiera.
Así lo hice apresuradamente y alcancé a poner la tranca de nuevo.
Oí cristales rompiéndose y pasos violentos hacia nuestra recámara: rápidos y fuertes.
“¡Abran la puerta!” era el grito que se repetía antes de que empezaran
a golpear con violencia mayor nuestra puerta con tranca.
Nos encerramos en el baño y busqué a tientas un silbato
que cuelga de un muro sin repellar: comencé a soplarlo con desesperación, unas diez veces, quizá.
Mi mujer está llamando a la policía.
Les dice que están entrando a la casa, que vengan pronto por favor, que nos auxilien.
Yo sigo soplando el silbato con desesperación.
En la oscuridad, mi mujer se ubicó tras de mí mientras
oíamos que la tranca de la puerta se quebraba y los hombres entraban.
¿Tres, cuatro, cinco?
Quise cerrar la puerta del baño pero ya no alcancé a hacerlo.
Empujé unas cajas hacia dicha puerta y en algo estorbó los empujones.
“¡Abran la puerta! ¡Abran la puerta, hijos de la chingada...!”
gritaban mientras empujaban y metían sus rifles negros hacia el interior.
Quise detener la puerta con mis manos pero no tenía sentido: vencieron mi mínima resistencia y entraron.
Policías vestidos de negro, con pasamontañas y lo que supongo que serían “rifles de alto poder”.
“¡Al suelo! ¡Al suelo! ¡Al suelo, hijos de la chingada! ¡Al suelo y no se muevan!”
Uno de los hombres me da un manazo en la cabeza y me tira los lentes.
Alcanzo a pescarlos antes de que toquen el suelo.
Me quita el silbato.
−¡No golpee a mi esposo! –grita mi mujer.
−¡El teléfono! ¡Déme el teléfono! –le responde y pregunta si no tenemos otro teléfono o un celular.
Ella y yo nos arrodillamos primero y después nos medio sentamos en el suelo de cemento de este baño sin terminar.
Policías jorobados y nocturnos, como en el romance de García Lorca.
Quién lo diría: aquí, en nuestra amada casa donde cultivamos y enseñamos la armonía.
Aquí...
Justo aquí estos hombres de negro, con pasamontañas, con guantes, con rifles de asalto,
con chalecos o chamaras que tienen inscritas las siglas blancas PFP, nos apuntan con sus armas a la cabeza.
Uno de ellos, siempre amenazante, nos interroga.
Dos más permanecen en la puerta.
− ¡Las armas! ¡Dónde están las armas!
− Aquí no hay armas, señor, somos gente de trabajo.
− ¡A qué se dedica!”
−Soy psicoterapeuta y escribo libros.
−¿Desde cuándo vive aquí?
− Desde hace treinta años...
−Cómo se llama.
−Efraín Bartolomé.
−Cuántos años tiene.
−60.
−A qué se dedica.
−Ya se lo dije, señor, soy psicólogo y escribo libros.
−Usted cómo se llama... –se dirige a mi mujer.
−Guadalupe Belmontes de Bartolomé.
−A qué se dedica.
−Soy arqueóloga y ama de casa.
−Cuántos años tiene.
−54.
−Tranquilos. Respiren profundo... Voy a verificar los datos.
El hombre sale.
Oigo ruidos en toda la casa.
Están vaciando cajones, abriendo puertas, pisando fuerte sobre la duela de madera.
Oigo ruidos afuera, en el cuarto de huéspedes, en la torre, en el estudio de abajo.
Nos cambiamos de posición.
Mi mujer pone algo sobre el frío piso de cemento.
Cinco o siete minutos después regresa el hombre y repite su interrogatorio.
Si recibimos gente en la casa, con qué frecuencia, cada cuánto salimos de viaje, quién cuida entonces.
Respondemos a todo brevemente.
Dice nuevamente que va a verificar los datos y que volverá a decirnos porqué están aquí.
El tiempo pasa.
Oímos que abren nuestro carro en el garage.
Voces ininteligibles en el patio del norte.
Más tiempo.
Varios minutos después se oyen motores que se prenden y carros que arrancan.
Mi mujer y yo seguimos en la oscuridad.
Comenzamos a movernos.
Sólo silencio.
Nos incorporamos con cierto temor.
Salimos del baño hacia la recámara iluminada.
Desorden.
Cajones abiertos.
Cosas volcadas en el buró.
La chapa de la puerta en el suelo.
Restos de la tranca destrozada.
La puerta de tambor machacada y rota, pandeada en su parte media.
Salimos al pasillo: un cuadro en el suelo y abiertas las puertas de lo que fueron las recámaras de mis hijos.
Desorden en el interior: maletas y cajas abiertas, cajones vaciados.
Vamos hacia el comedor: uno de los vidrios roto en su ángulo inferior izquierdo, muchos cristales en el piso.
La puerta de la sala está rota de la misma forma en que rompieron la de nuestra recámara:
la chapa en el suelo y fragmentos de duela en el piso.
Está abierta la puerta de la torre y prendidas las luces del cuarto de huéspedes.
Salimos por la puerta de la sala y nos asomamos con cierto temor.
Nada.
Mi mujer llama por segunda vez a la policía.
Es en vano: piden los datos una vez más.
Dicen que ya enviaron una unidad.
Llego a la barda y me asomo: no hay carros.
El portón del garage está intacto.
Bajamos las escaleras hasta la puerta de acceso: rota igual que las de adentro.
El estudio de abajo está con las luces prendidas.
De por sí desordenado, ahora lo está más.
Vamos hacia la torre y entramos al cuarto de huéspedes: cajones volcados, revistas en el suelo,
cosas sobre la mesa, puertas del clóset colgando, zafadas de su riel inferior.
Subo al tercer piso: una esculturita de alambre volcada pero no se nota demasiado desorden.
Subo a los pisos superiores: no hay daño en la salita de arte.
En el último piso dejaron abierta la puerta a la terraza.
Volvemos al interior: queremos tomar fotos pero no está la cámara de mi mujer que estaba sobre el buró.
“¡Tampoco está la memoria de mi computadora!”, grita.
También se la llevaron
Quiero ver la hora y voy al buró por mi reloj: ha desaparecido mi querido Omega Speedmaster Professional
que me acompañó por casi cuarenta años.
Tiene mi nombre grabado en la parte posterior: Efraín Bartolomé.
Oímos que un auto se estaciona y nos asomamos.
Mi mujer llama una vez más a la policía: lo mismo.
Ya tienen los datos pero nunca enviaron apoyo.
Indefensión.
Del auto blanco baja un joven y avanza hacia la esquina.
Se asoma y regresa.
Lo saludo y responde.
Le preguntamos qué pasa y responde que viene en atención a una llamada de su amiga
que vive a la vuelta y a cuya casa también se metieron.
Mi mujer pregunta de qué familia se trata, cómo se apellida.
Magaña, responde el joven.
¡Es Paty!, dice mi mujer.
Salimos a la calle y voy hacia allá.
Encontramos a Patricia Magaña, bióloga, investigadora universitaria, acompañada de su papá, en la calle.
Entraron a ambas casas la de ella y la de sus padres, con la misma violencia que a la nuestra.
Patricia y su hija estaban solas.
Sus padres octogenarios también estaban solos.
Volvemos a nuestra casa vejada y con la puerta rota.
Atranco la destruida puerta de la calle.
Con todo, mantenemos una sorprendente calma.
“Pudieron habernos matado”, dice mi mujer.
Yo imagino por unos segundos nuestros cuerpos ensangrentados en el baño en desorden.
¿Sabe el presidente Calderón esto que pasa en las casas de la ciudad?
¿Lo sabe Marcelo Ebrard?
¿Lo sabe el procurador Mancera?
¿Ordenan Maricela Morales o Genaro García Luna estos operativos?
¿Sabrán quién fue el encargado de este acto en contra de inocentes?
Antenoche volvimos a casa levitando, en la felicidad más plena, tras la amorosa
y conmovedora recepción del público ante nuestro libro presentado en Bellas Artes.
Un día después, en la atroz madrugada, la PFP irrumpe violentamente en nuestra casa,
quiebra nuestras puertas, destruye los cristales, hurga sin respeto en nuestra más íntima propiedad,
nos amenaza con armas poderosas a mi bella mujer y a mí, a la edad que tenemos...
Y pensar que también son humanos los que hacen esto contra su prójimo.
Subo al estudio a escribir esto.
Allá, abajo, la ciudad parece embellecida por la calma.
Arriba la impasible Luna de agosto, casi llena.
Son ya las 6:35 de la mañana.
La luz de oriente comienza a colorear y a inflamar el horizonte.
La policía nunca llegó.
¿De verdad estamos tan solos?

Preguntas a la luz (Un poema de Edmon Jabes)

2011-08-05T08:28:00.000-07:00

Preguntas a la luz

Exterior es el límite. Interior, lo ilimitado.

Para preparar mejor al hombre a morir del hombre, ¿creó Dios el tiempo?
Para dejar a Dios el tiempo de morir de Dios, ¿concibió la eternidad el hombre?

El instante muerde en la duración, nunca sobre la eternidad, que es duración incontrolable.

¿Y si el ayer –oh noche clavada, todo mi pasado- se rehusara a abdicar?
No hay palabra que no esté, desde ya, envuelta de porvenir.
El dolor, la desgracia, acceden, ellos también, a la mañana.

Uno se pregunta en la noche; pero movida por una comprensible necesidad de mirar y, para nosotros, de mirarnos en ella, la pregunta está siempre vuelta hacia la luz.

La luz de la pregunta nunca es sino la pregunta a la luz.

Hay que haber llorado mucho para apreciar una sonrisa: arco-labios. Arco-iris.

-No puedo conocer a otro sino a través de mí. ¿Pero quién soy?
-¿El fuego conoce el fuego?
-¿El bosque conoce el bosque?
Es a la madera que consume que el fuego le debe el ser fuego; como el bosque, al fuego que lo reduce a las cenizas, le debe el haber dejado de ser un bosque.

Un gran lector

2011-07-29T11:17:00.000-07:00

Hay que estar alerta porque en casa de Jorge Herralde (Barcelona, 1935) los libros y los manuscritos se agazapan. La sobriedad blanca de paredes y sofás y el parqué claro ayudan al camuflaje. Así, uno se despista, si deja caer el brazo pone la mano sobre unos de una mesilla baja pegada al sofá; o casi los pisa si sube las escaleras pegado a la pared. Esos huyen de los pisos de arriba. Quizá de la segunda planta, donde el editor conserva un ejemplar de buena parte de los 3.000 títulos de su Anagrama, amarillos y grises, ordenados. Una caja de cartón fracasa en retener catálogos de editoriales infinitas y revistas atrasadas. "Debo estar suscrito a una veintena, sobre todo extranjeras", se sorprende, como si lo cuantificara por vez primera. En su despacho del primer piso, las estanterías rebosan hasta el techo. "Hay zonas ordenadas y zonas selváticas", avisa. Entre las primeras, nutridos anaqueles sobre la beat generation; otros dos sobre la Internacional Situacionista ("me gusta su radicalidad y la escritura de Guy Debord, cortante como los grandes moralistas") y "un área profesional", cargada de biografías y memorias de colegas: Gallimard, Schiffrin... El área literaria, en principio ordenada alfabéticamente, está salpicada de fotos históricas y primeras ediciones de la Biblioteca Breve de Seix Barral, "compradas cuando se publicaron", aclara. Libros en inglés, francés, italiano, castellano y catalán, los Homenots de Josep Pla bajo el sello de Selecta ("los releo a menudo")... Empieza la selva. "Se los ordeno, pero no los devuelve nunca a su sitio", constata su esposa y exlibrera, Lali Gubern, con tono de causa perdida. No hay ordenador. Y, en realidad, ahí tampoco lee. Lo hace en el salón-comedor de abajo. En un rincón del tresillo o estirado en el dos plazas. En ese escenario devora el 90% de los manuscritos, mayormente los fines de semana, de un tirón: no se detiene ni para comer, "solo un poco de fruta, como si fuera un atleta". Si es un libro, una pequeña doblez en las puntas marca una página interesante; una línea de lápiz imperceptible en el lateral, un párrafo necesario; un post-it amarillo, algo vital. No hay más códigos; tampoco papeles o fotos en los interiores. Ni un libro de bibliófilo: "Me gustan como objeto, no como fetiche; solo me faltaría eso". El acuerdo con Feltrinelli no ha cambiado nada; "Aún leo más porque desde septiembre contraté un gerente", dice quien aún recuerda sus gustos omnívoros de juventud, del DDT a Kafka y Faulkner, pasión que ni fútbol, ni tenis, ni montar a caballo pudieron suplantar. En el sillón junto a la puerta, otro manuscrito con plumas de post-it. "Este ya está en la pista de despegue hacia la editorial". Así lee Anagrama.

Chantal Maillard (entrevista)

2011-07-23T10:45:00.000-07:00

Con frecuencia el proceso creativo resulta dramático para el artista-creador; me encantaría conocer acerca de su proceso creativo, ¿Cómo sucede la escritura de su poesía? Me refiero a si sigue algún ritual creativo cuando se pone ante el papel en blanco para escribir?

SI RESULTA DRAMÁTICO ES QUE HAY ESFUERZO, EN CUYO CASO NO ES POEMÁTICO SINO ENSAYÍSTICO. La filosofía es esforzada, el poema no ha de serlo. Es preciso des-obturar los conductos, atender, para que advenga.

La filosofía y la poesia son como rios que viajan hacia horizontes opuestos e irreconciliables. A menos que se trate solo como un asunto de generos. En tu experiencia y conocimiento ¿Cuáles serían sus puntos de encuentro y sus solapamientos?

Ésta parece que es una cuestión que interesa a muchos, porque siempre me preguntan por ello. Ciertamente son dos actitudes contrapuestas. Una es esforzada: tratar de hallar una conclusión a partir de unas premisas y una argumentación; la otra es receptiva. El consejo que daría: no mezclar, en efecto. Hacer filosofía cuando se quiera hacer, y no-hacer poemas (la poíesis es posterior, es un limado y un limpiado) cuando se quiera hacerlos.

La crisis sistémica actual a la que se están incorporando, Japón, China, India, cunas de estas culturas, no quedan derrotadas definitivamente ante el materialismo imperante?

China hace tiempo que se "materializó", y Japón hace tiempo también que se occidentalizó. India era un baluarte de tradición, pero la están convirtiendo igualmente en floklore a marcha forzada, lleva años en ello. Yo no veo la cuestión en términos de materialismo-espiritualismo, sino de pérdidas. Es una pérdida que se opte por vestir vaqueros en vez de sari, o se relegue el sari a los muesos etnográficos. Así, todo.

¿Considera que la poesía está íntimamente vinculada a procesos neuróticos o se puede hacer poesía sin esas tensiones internas que se lindan con cierta locura?

¿No forma parte la neurosis de la condición humana? ¿No se acrecienta la neurosis en las sociedades que hemos desarrollados ajenas al orden natural?

Porque los que hemos leído a Julio Flórez, a Neruda, a Lorca, a Meira del Mar y muchos otros mas, no encontramos sensibilidad en las letras de la poesía actual? Será que no rompemos Paradigmas? O seguiremos siendo muy románticos¡.

No se trata de romper nada, sólo de no adherirse a palabras que sólo se significan a sí mismas. El romanticismo forma parte de la evolución de la historia y supongo que también de las personas.

¿Qué opina sobre los culpables de la crisis, del nefasto sistema económico caduco y que piensa de los jóvenes y no jóvenes del Movimiento 15 M?

Importante, el movimiento. Necesario. Ojalá no se quede en agua de borrajas o en lo que parece que quieren que parezca: unos campamentos de verano para ociosos. Ojalá nos diésemos cuenta de que la política es cosa de los "polités": los ciudadanos. ¡Ojalá podamos decir alguna vez sin ruborizarnos que tenemos lo que nos merecemos!

Czeslaw Milosz el poeta polaco

2011-07-16T09:31:00.000-07:00

Czeslaw Milosz (Szetejnie, Lituania, 1911-Cracovia, 2004), premio Nobel en 1980, destaca no sólo como uno de los más grandes poetas de ese siglo en el que la historia de su vida y la historia de su tiempo caminaron juntas, sino como una de sus conciencias morales y estéticas más claras:

"Un recolector de formas visibles en este amargo / Siglo sin armonía".

Su escritura se mece en el filo de la imaginación y la realidad padecida, en esa frontera "entre fuera y dentro, la luz y el abismo", allí "donde termina el yo y el no yo". Obligado por la historia a vivir lo invisible en su forma más literal y obsesiva, entre el gentío de los muertos y de las cosas perdidas, es un superviviente que a veces murmura versos sobrios y terribles: "Y el corazón no muere cuando parece que debería morir". Una voz inconfundible, como un salmodiar seco sobre el hilo del canto que incide como un punzón sobre una tablilla: "Un dialecto rural en algún lugar lejano de las montañas". Y ese dialecto lo encontró en el polaco, lengua en la que siempre escribió a pesar de su exilio en París y Estados Unidos, y aunque su obra fuera prohibida durante años en su país natal. Traducción, selección y prólogo Milosz sabía que la poesía es esencial para toda comunidad que desee sobrevivir, que es la única capaz de condensar la experiencia de esa comunidad haciéndola comprensible por todos. Y sólo en ese territorio suspendido donde habita la imaginación es posible el sueño de encontrar un lugar en el que las cosas puedan ser nombradas: "En el sueño desaparece la diferencia entre lo subjetivo y lo objetivo. / Somos a la vez sujeto y objeto, / Es decir, nos miramos a nosotros mismos volar". Es en el poema ¿Ars poética? donde, en un espléndido oxímoron, viene a afirmar negando que "Ésta es la utilidad de la poesía, que nos recuerda / cuán difícil es seguir siendo la misma persona, / pues nuestra casa está abierta, sin llaves en la puerta, / e invisibles huéspedes entran y salen". Pero la verdad se esconde, "pasa a ser una ficción que otros pueden leer", sombras mentirosas en el contorno real del mundo, y sólo en la escritura es donde "Podría finalmente surgir la verdad definitiva". Una escritura que está marcada por una tendencia a la objetivación de la emoción, plena de alusiones e insinuaciones, donde la pasión, la ironía y el sarcasmo quieren transmitir un mensaje moral. Una poesía que, en sus últimos libros, se hace cada vez más concisa y disciplinada, creando no una poesía nueva, sino una nueva dicción que "recorre el mundo / eternamente clara". Cada página es una esquirla, pues "las cosas perduran en sus fragmentos". Un lenguaje sencillo que penetra en la realidad del misterio a través de una poesía nutrida de una profunda y atenta benevolencia, de una grandiosa compasión y una insobornable esperanza: "Para esto he sido llamado: / Para loar las cosas por el hecho de que existen". La grandeza de Milosz ha sido no ceder a la cultura de la queja, situándose en medio de los escombros del mundo para dar cuenta del bien cuando todo parecía hundido en el horror y la brutalidad: "Lengua mía fiel, / quizás sea yo quien tiene que salvarte. / Así, te seguiré poniendo delante cajitas de colores / claros y puros, si es posible, / porque en la desgracia es necesario algún orden o belleza". A pesar de las contradicciones y las dudas existenciales, de los abusos y atropellos del poder, siempre entendió que los versos eran, como el título de uno de sus poemas, un "regalo" que le visitó casi como un demonio benigno. Esos momentos de salvación y de esperanza que le fueron concedidos, lo son también para un lector capaz de escuchar ese hilo de voz que, al borde del precipicio, llama a las cosas por su nombre: "Dejó los símbolos para los orgullosos, ocupados en sus cosas. / Quería extraer con la mirada el nombre auténtico de la cosa". Buena parte de su mejor obra ensayística y narrativa ha sido editada en España, pero hasta ahora su obra poética era escasamente conocida y sólo a través de Poesía, una breve muestra temática que Barbara Stawicka publicó en Tusquets en 1984. Coincidiendo con el año de su centenario, la publicación de Tierra inalcanzable, la selección más amplia publicada hasta la fecha en español, está llamada a ser uno de los acontecimientos del año, una magnífica y generosa antología, cuyas ausencias se justifican cabalmente, y en una devota traducción capaz, a pesar de las dificultades propias de la lengua polaca, de hacer sentir la sensibilidad y la fuerza verbal de este enorme poeta que hace grande lo pequeño y abarcable lo inmenso, "afirmadas la humanidad y la ternura".

Asesinan a Facundo Cabral

2011-07-10T12:07:00.000-07:00

El cantautor argentino de 74 años fue asesinado a tiros en la capital de Guatemala, donde había ofrecido unos recitales la última semana.

El cantautor argentino Facundo Cabral murió el sábado a los 74 años tras ser blanco de un atentado a tiros cuando se trasladaba hacia el aeropuerto internacional La Aurora para abandonar Guatemala, en donde había ofrecido varios conciertos la última semana.

El vicepresidente Rafael Espada declaró a la radio Emisoras Unidas "estamos bien preocupados, es una situación muy seria", refiriéndose al asesinato del artista.

"Las instituciones de inteligencia y seguridad ya están trabajando" en busca de esclarecer el atentado, dijo Espada.

El vocero de la policía, Donald González, declaró que se encontró uno vehículo abandonado en una salida de la carretera a El Salvador que aparentemente participó en el ataque porque mostraba varios disparos en su carrocería y dentro había casquillos de municiones de fusil.

Indicó que fueron designados tres equipos de investigadores, que se están registrando vehículos en retenes en toda la ciudad y viendo las grabaciones de varias cámaras colocadas cerca del lugar en donde ocurrió el atentado.

El noticiero Notisiete mostró imágenes del cuerpo de Cabral en el vehículo en que se transportaba, una camioneta agrícola blanca que intentó resguardarse de los atacantes dentro de una estación de bomberos. El vehículo con el cantante iba además resguardado por otro en el que viajaban guardaespaldas. El músico estaba en el asiento del copiloto, vestía pantalones vaqueros, una chaqueta de piel y una pequeña maleta en sus manos.

El vocero de los bomberos municipales, José Rodríguez, declaró que el músico argentino recibió al menos ocho disparos en el cuerpo.

También el empresario Henry Fariña, quien contrató al artista, resultó herido y fue trasladado a un hospital en estado delicado, dijo Rodríguez.

El ataque se produjo en un sector conocido como El Trébol.

El llanto de dos poetas.

2011-07-04T16:07:00.000-07:00

Ayer sin buscarla me encontré con esta hermosa foto. Estaba yo en medio del atardecer, buscando en la red, un fragmento del poema Incurable de David Huerta. De pronto sin considerarlo me tope con esta joya visual. Está imagen es poética y no precisamente porque sean los protagonistas dos poetas (David Huerta y Javier Sicilia) sino por todo lo que expresa.

El poemario "El concierto Reconciliatorio" de Marco Ornelas, ahora en todas las librerias El Sotano del país

2011-06-22T16:06:00.000-07:00

Por información de la editorial San Roque y Los otros libros."El concierto reconciliatorio" se puede adquirir ya en lo que concierne a la ciudad de León en: Librería Papiros y El Sótano. Por lo que respecta a toda la república mexicana en cualquier librería de El Sótano.

La música de las palabras (Reseña del libro de poesía "El concierto reconciliatorio de Marco Ornelas por Víctor Sosa) En la revista REPLICANTE

2011-06-16T09:28:00.000-07:00

El concierto reconciliatorio

de Marco Ornelas

Por Víctor Sosa

(Aquí el link: http://revistareplicante.com/?s=marco+ornelas)

La poesía es el arte de hacer cantar a las palabras. Íntimamente ligada en sus orígenes a la música, a la danza, al ritual, la poesía —aunque hoy desligada del rito— sigue manteniendo el vínculo con lo musical, lo rítmico y la homofonía de las formas verbales que el lenguaje construye a manera de partitura. Cantar y contar, ha dicho Machado, son las dos funciones de la poesía y el poeta es aquel que sabe, ante todo, escuchar la música de las palabras.

El poeta Marco Ornelas, en El concierto reconciliatorio [Guanajuato: San Roque, 2011], nos propone unas partituras de paisajes que son, también, pasajes y puentes, vínculos de reconciliación con el objeto amado.

Estamos ante un poeta que tiene muy presente la relación entre palabra y música, entre sonido y sentido, entre tiempo musical y espacio escritural.

Su libro se divide en partes que remiten a los tiempos o movimientos de un concierto: Preludio, Clásico, Jazz y blues, Pop, Epílogo, pero también a géneros, preferencias, nostalgias y referentes subjetivos que vinculan la música con el concilio del amor. Leemos en una de sus partituras-poema:

Reducir-la-sinfonía-del-amor
a sonata
implica
mutilación.

Para el poeta el amor es una sinfonía, es decir, una multiplicidad de instrumentos, combinaciones sonoras, timbres, voces, en suma: un universo, un cosmos. Imposible reducir esa complejidad a otra forma que no sea ella misma.

Pero además del tema amoroso como hilo conductor de este poemario Marco Ornelas toma muy en cuenta los elementos visuales del lenguaje, y entonces juega con la tipografía, diseña sobre el blanco de la página, enfatiza los caracteres con las cursivas, el doble espacio o los versos que se precipitan en vertical cascada. En ese sentido, es coherente con la idea del lenguaje como objeto poético, no sólo sonoro, musical, rítmico, también visual: un cuerpo que toma forma en ese vacío espaciotemporal de la creación.

Por último: la brevedad, la limpieza en la escritura que avanza con fluidez, son algunos de los atributos de esta concisa muestra tan concertante como reconciliatoria. ®

Defensa de la poesía

2011-06-04T10:44:00.000-07:00

El momento de la Historia que nos ha tocado vivir está marcado por la incertidumbre en todos los sentidos. Cuando pensábamos que el siglo XX agonizaba y con él los grandes temores y catástrofes capaces de minar la fe en la humanidad, no han surgido los puentes que destruyan nuestros precipicios. Al contrario, resulta más difícil intuirlos, imaginarlos. La incertidumbre parece abarcarlo todo: la política, la moral, la economía, las nuevas formas de comunicación que paradójicamente han provocado una mayor incomunicación... También las viejas utopías que parecieron realizables y llenaron de ilusión a millones de ciudadanos se han desmoronado mostrando sus miserias cuando han sido suplantadas por los hombres, añadiendo aún más incertidumbre a todo lo que nos rodea.

Nuestra generación está marcada por esta incertidumbre y creemos que es necesario hacer un alto en el camino, reflexionar, mirarnos a los ojos, establecer una cercanía menos artificial, más humana. La poesía puede arrojar algo de luz para alcanzar algunas certidumbres necesarias. Los buenos poemas son un modo de ajustar cuentas con la realidad porque son capaces de provocar emoción, de conmover, de hacer pensar, de llenar un vacío que nos acompaña.

La emoción no puede estar de moda. La emoción es universal e intemporal. Y la poesía tiene que emocionar. Ante tanta incertidumbre, para nuestra sorpresa, una gran parte de los nuevos poetas en español se han adscrito a una tendencia tan experimental como oscura. Si en la segunda mitad del siglo XX los mejores poetas de nuestra lengua abandonaron las liras y las torres de marfil; la poesía última, en busca de un nuevo camino, de una nueva actualidad literaria, se ha subido a un pedestal. En esta tarea se han visto legitimados por algunos poetas cuyos proyectos literarios fracasaron de manera estrepitosa precisamente por abrazar el barroquismo gratuito y la frivolidad de la moda literaria. Ahora buscan una segunda oportunidad elogiando lo que precisamente les condujo al callejón sin salida de las palabras huecas.

Queremos mostrar nuestra desolación ante esta dinámica que nos parece destructiva para la poesía porque conduce, de manera inevitable, a su deshumanización. Los discursos fragmentarios, el irracionalismo como dogma y el abuso del artificio han supuesto la ruina de la poesía en muy diferentes etapas de la historia de la literatura. Han hecho tanto daño, que hoy la poesía está considerada como un género difícil que sólo leen los poetas, porque sólo parecen entenderse entre ellos como los habitantes de unas ínsulas extrañas. Prueba de ello es la marginación que sufren los libros de poesía en cualquier espacio, ya sea una librería, un suplemento cultural, un periódico, una biblioteca...

Cuando un poema no se entiende, el lector suele culparse a sí mismo, inducido por la idea generalizada de que el poeta es un ser con una sensibilidad diferente, superior. Una idea tan falsa como interesada. Si un poema no se entiende el único responsable es quien ha tratado de establecer la comunicación. O bien no ha sido capaz por sus limitaciones, o bien no lo ha conseguido porque no era su propósito, porque sólo buscaba la erudición y el artificio, algo que está bien visto, que tiene buena prensa y que provoca una palmadita en la espalda de la crítica, sumida en gran parte en la misma torpeza.

Seguimos creyendo que una de las misiones de la poesía es enfrentarse al poder. Y el poder de hoy no hace más que invitarnos al silencio, al fragmento, a las subjetividades ensimismadas y a la pérdida de diálogo entre las conciencias. Queremos decirle adiós a todo eso.

Jorge Galán (El Salvador), Fernando Valverde (España), Daniel Rodríguez Moya (España),
Andrea Cote (Colombia), Alí Calderón (México), Raquel Lanseros (España),
Francisco Ruiz Udiel (Nicaragua) y Ana Wajszczuk (Argentina),
autores del libro Poesía ante la incertidumbre (Visor, 2011).

Superwoobinda, de Aldo Nove (ficciones experimentales)

2011-05-28T10:29:00.000-07:00

El libro está formado por 48 relatos divididos en 9 “lotes” (sic), y en la parte final se han añadido otras 4 historias un poco más extensas que el resto, pero de igual temática y estilo. El conjunto resultante la verdad es que es capaz de sorprender hasta al más reticente, si bien es cierto que el gran número de historias, siendo tan breves además, hace que al final nos quede un poco la sensación de estar ante un libro de chistes, pero la verdad es que tiene gracia y originalidad. Tampoco es que sea un libro de una gran profundidad, pero siempre hay tiempo para hacer alguna crítica social, sobretodo relacionada con la televisión y con la forma que tiene ésta de frivolizar algunos temas, también habla sobre el consumismo y sobre algunos (detestables) comportamientos humanos. Quizá hay algún momento en el que, pasado el efecto sorpresa, parece que el libro no nos lleva hacia ningún lado, pero lo cierto es que cuando sucede eso siempre hay algún momento en el que nos vuelve a sorprender con alguna historia absolutamente delirante o cualquier barbaridad que se le ocurra al autor, que no son pocas. Y es que las ocurrencias que desfilan a lo largo de las páginas a veces son antológicas.

Otra pequeña pega es que el libro es muy “italiano”. Ante nuestros ojos desfilan un montón de personajes de la televisión y el cine italianos, escritores, cantantes, políticos y productos italianos, todo ambientado en la década de los 90. Pero por suerte la editorial se ha encargado de insertar comentarios a pie de página para que los que no estamos muy puestos en la sociedad y la farándula italiana.

Esta incestuosa orgía sanguinaria, violenta y caótica que es este libro es una propuesta bastante innovadora, no sólo en el fondo, sino también en la forma. En varias ocasiones se terminan los relatos a mitad de frase o se deja sin terminar una palabra, o en otras ocasiones se prescinde de signos de puntuación expresamente, lo que hace incómoda la lectura. Imaginamos que el autor ha querido también ser rompedor en este sentido, pero no siempre es un hecho muy productivo, es más, en determinados casos es muy molesto. Pero estos no son sino pequeños baches que no nos impedirán disfrutar de esta montaña rusa llamada Superwoobinda.

Los otros libros inaugura la colección con: El Concierto Reconciliatorio de Marco Ornelas

2011-05-24T09:02:00.000-07:00

El Observatorio Cultural de Guanajuato, en colaboración con Editorial San Roque, pone a disposición de la comunidad literaria una nueva colección denominada "Los otros libros", dirigida a ser una plataforma para recoger y difundir el quehacer literario de autores guanajuatenses. Los invitamos a conocer y enviar sus textos para acrecentar el acervo local.

EL ESCRITOR MARCO ORNELAS Y LA FERIA DEL LIBRO LEÓN LE INVITAN A LA PRESENTACIÓN DE SU LIBRO. 21 de mayo a las 20:00 hrs. FENAL

2011-05-20T17:08:00.000-07:00

La FENAL (Feria nacional del libro León 2011)

El escritor Marco Ornelas

Tienen el honor de invitarlos a la presentación del libro:
“El Concierto Reconciliatorio”
De la Editorial San Roque
(Que obtuvo mención honorífica en el premio de Literatura de León 2009).

Sábado 21 de Mayo a las 20:00 p.m (Sala 2) Dentro de la Feria del libro
http://www.fenal.mx/actividades/progliterario/sab_21.htm

Serendipia

2011-05-14T11:34:00.000-07:00

Serendipia es un descubrimiento o un hallazgo afortunado e inesperado. Se puede denominar así también a la casualidad, coincidencia o accidente. En la historia de la ciencia son frecuentes las serendipias. Por ejemplo, Albert Einstein reconoce esta cualidad en algunos de sus hallazgos. También existen casos de serendipias en obras literarias, cuando un autor escribe sobre algo que ha imaginado y que no se conoce en su época, y se demuestra posteriormente que eso existe tal como lo definió el escritor, con los mismos detalles. No se debe confundir con la anticipación o la ciencia-ficción, donde se adelantan inventos mucho más genéricos que casi todo el mundo cree que probablemente existirán algún día.
Etimología e historia
El término serendipia deriva del inglés serendipity, neologismo acuñado por Horace Walpole en 1754 a partir de un cuento tradicional persa llamado “Los tres príncipes de Serendip”, en el que los protagonistas, unos príncipes de la isla Serendip (que era el nombre árabe de la isla de Ceilán, la actual Sri Lanka), solucionaban sus problemas a través de increíbles casualidades. Las versiones inglesas del relato provienen del libro Peregrinaggio di tre giovani figluoli del re di Serendippo publicado en Venecia en 1557 por Michele Tramezzino, según traducción de Christoforo Armeno. El cuento se recoge en el libro de poemas de 1302 Hasht Bihist ("Ocho paraísos") de Amir Kushrau.
La palabra serendipia se usó mucho en sus orígenes, pero fue cayendo en desuso. Ha sido rescatada recientemente gracias al renovado interés en este tipo de asuntos y a otros motivos culturales (hay una película del año 2001 dirigida por Peter Chelsom y protagonizada por John Cusack y Kate Beckinsale). El término chiripa, mucho más utilizado en lenguaje coloquial, podría considerarse también como un sinónimo de serendipia, si bien se tiene como un modismo de uso no general en el mundo hispanoparlante, se usa con una connotación más bien festiva y se refiere comúnmente a casualidades o eventos fortuitos en la vida cotidiana, incluso a hechos intrascendentes. También se habla a veces de las pseudoserendipias, en las cuales el investigador, tras haber investigado mucho sobre algo sin obtener resultados, consigue finalmente su objetivo, pero a causa de un accidente fortuito o una revelación. Esto suele suceder en los episodios de la serie de televisión House M.D., donde Gregory House acaba resolviendo muchos de los casos por una revelación después de mucho investigar. También se aprecia en la película Back to the Future donde el Doctor Emmett Brown obtiene la idea de cómo construir el condensador de flujo al despertarse después de golpearse en la cabeza con el lavabo al resbalar cuando trataba de colgar un reloj de pared en el baño subido en el retrete.

El Haiku y la literatura japonesa

2011-05-07T17:33:00.000-07:00

El haiku, derivado del haikai, consiste en un poema breve de tres versos de cinco, siete y cinco sílabas respectivamente. Es una de las formas de poesía tradicional japonesa más extendidas. Su temática está relacionada con la naturaleza.
Orígenes
Cuando la escritura china llegó a Japón, aproximadamente en el siglo VIII de nuestra era, en pleno esplendor de la dinastía Tang, ya tenía más de 20 siglos de historia. En ese momento Japón salió de la prehistoria y comenzó la producción de su rica literatura. La poesía china clásica tuvo una gran influencia en la literatura japonesa y el estilo de los poetas chinos fue muy imitado. Los orígenes directos del haikú están en el haikai. El haikai es una forma poética marcada, ya que generalmente su contenido se basa en lo cómico y lo divertido. Al pasar el tiempo, el haikai se asoció a otro estilo de composición poético llamado Renga, formándose así una derivación del Renga, el Haikai-no-Renga. El Haikai-no-Renga era una sucesión de poemas Haikai, manteniendo su estilo. El primer poema que iniciaba esta sucesión se denominaba Hokku. Matsuo Bashō, poeta muy afamado en el arte del haikai, separó el primer poema del Haikai-no-Renga (el Hokku) y por ende lo independizó del Renga, dándole al Haikai o Hokku una personalización estética y expresiva. Pero Basho también llamaba Haiku al Hokku . Esto hizo que en los inicios, el Hokku fuera lo mismo que el Haiku.
Pero con el paso del tiempo, poetas como Masaoka Shiki separaron sustancialmente el haiku del Hokku, conservando este último la vis "cómica", mientras el haiku adquiría un carácter espiritual.
Características
El haikai o haiku tradicional consta de 17 moras (unidad lingüística de menor rango que la sílaba) dispuestas en tres versos de 5, 7 y 5 moras, sin rima. Suele contener tanto una palabra clave denominada kigo cuarto idioma), que indica la estación del año a la que se refiere, como una cesura, o pausa verbal, conocida como kire, que separa a un haiku en dos imágenes contrastantes. Tradicionalmente el haiku, así como otras composiciones poéticas, buscaba describir los fenómenos naturales, el cambio de las estaciones, o la vida cotidiana de la gente. Muy influido por la filosofía y la estética del zen, su estilo se caracteriza por la naturalidad, la sencillez (no el simplismo), la sutileza, la austeridad, la aparente asimetría que sugiere la libertad y con ésta la eternidad.
Haiga
Con el fin de acompañar el haiku, muchos poetas realizan una pintura, generalmente sin demasiada perfección. Matsuo Basho fue el primer poeta en adoptar esta forma del haiku, que hoy domina en las grandes esferas de este género.
Haijin
Es el nombre que se da al autor de un haikai o haiku. Los Haijin más importantes de la historia de Japón son Matsuo Bashō, Yosa Buson, Kobayashi Issa, Usuda Arô, Masaoka Shiki, Uejima Onitsura, Ritsurin Issekiro, Arakida Morikate, Yamasaki Sokan, Ihara Saikaku (también llamado Ibara Saikaku), entre otros.
Mujer en el haiku
Muchas poetisas surgieron por todo el país, entre las que destacan algunos nombres como Den Sute-jo, Sonome, Shushiki y sobre todo Chiyo considerada la mejor creadora de haiku.

El haiku en la literatura occidental
El haiku fue muy utilizado por el budismo zen para transmitir sus preceptos, pero su influencia llegó al mundo occidental y marcó a famosos poetas del siglo XX, particularmente a través de Eiji Yoshikawa, marcando una vía de influencia de la literatura japonesa en Occidente. Así, hoy en día es, por ejemplo, reconocida la curiosa destreza del Presidente europeo, Herman Van Rompuy, escribiendo haikus, por los que cultiva de hace tiempo su afición. En la novela "Sólo se vive dos veces", de Ian Fleming, el mítico James Bond escribe un haiku a pedido de su amigo "Tiger" Tanaka. Un framento de lo que Bond escribió, que en rigor no es en absoluto un haiku, le dará nombre a la novela.
El haiku en la literatura en español
En México destaca la obra de José Juan Tablada (Al sol y bajo la luna, 1918), Efrén Rebolledo, Rafael Lozano, José Rubén Romero, Francisco Monterde y José María González de Mendoza. Para la divulgación del género fue esencial la labor de Octavio Paz, que en 1956, en colaboración con Eikichi Hayashiya, publicó una traducción de uno de los clásicos del género, Oku no Hosomichi de Matsuo Bashō. En la Argentina cultivaron ocasionalmente el haiku, entre otros, Jorge Luis Borges y Álvaro Yunque.Otros autores argentinos más recientes, como Rafael Roldán Auzqui, mantienen el interés en el género (Haikus a flor de voz, 1997). El uruguayo Mario Benedetti publicó una obra dedicada al género, Rincón de Haikus, en 1999. En el Perú, el país de mayor población de inmigrantes japoneses de habla hispana, el haiku tiene una presencia importante. El más renombrado haijin peruano es José Watanabe Varas, que aprendió esta disciplina de su progenitor, Harumi Watanabe. Sus poemarios más célebres son Álbum de familia (1971), Historia Natural (1994) y Banderas detrás de la niebla (2006). En el campo de la música, destaca la composición Koi no uta: tres haikus para voz cantada y cordófono pulsado (2002) del colombiano Johann Hasler, basada en haikus japoneses del siglo X. El trompetista de jazz Don Ellis editó un disco titulado Haiku (MPS, 1973) y basado en diversos haikus tradicionales. En España, entre otros, cultivan el haikai o haiku los poetas Llorenç Vidal y Eulogio Díaz del Corral, tanto en castellano como en catalán.

Fallece Ernesto Sábato

2011-05-02T08:06:00.000-07:00

Sobre Sábato, leí obligatoriamente "El túnel", pero descubrí a un novelista muy interesenate. Dicha novela es como las novelas que me gustan leer, breve, profunda, perfectamente bien escrita (casi escrita matemáticamente) y muy apasionante. Después del descubrimiento de aquella obra, empece a leer más sobre él y me encontré con "Hombres y engranajes", extraordinario ensayo sobre el divino "dinero" y la maquinación que el hombre ha hecho sobre el hombre mismo.

Algo sobre Sábato:

Ernesto Sabato nació el 24 de junio de 1911 en Rojas, provincia de Buenos Aires.

Abandonó los estudios de física en 1930 y llegó a ser Secretario de la Juventud Comunista. Pero en 1934, la primera de las que él llamó "las tres crisis fundamentales de mi vida'', cuando en un viaje a Bruselas para asistir a un congreso contra el fascismo y la guerra, rompió con el comunismo.

De vuelta en Argentina, Sabato se casó con Matilde Kuminsky-Richter, la que sería su compañera de toda la vida. El matrimonio tuvo dos hijos, Jorge Federico que se dedicó a la política y murió en 1995, y Mario, director de cine documental.

Regresó a la universidad, se recibió de doctor en física en la Universidad de la Plata y obtuvo una beca para trabajar en radiaciones atómicas en el laboratorio Joliot-Curie en París. Allí sufrió su segunda y tercera crisis.

"En París, asistí a la ruptura del átomo de uranio, que se disputaban tres laboratorios: ganó la 'carrera' un alemán. Pensé que era el comienzo del Apocalipsis'', señaló el escritor desalentado de la física.

La tercera crisis, fruto de su amistad con artistas surrealistas como el chileno Roberto Matta, el cubano Wilfredo Lam y el fundador del movimiento, André Breton, lo llevó a abandonar en 1945 para siempre la ciencia y dedicarse a la literatura y el ensayo.

En 1945, publicó su primer libro, "Uno y el universo'', que recibió el primer premio de literatura de la Municipalidad de Buenos Aires.

Su novela breve "El túnel" (1948), una historia psicológico-policial del asesinato de la joven María Iribarne por el pintor Juan Pablo Castel, mereció el elogio de Albert Camus, quien dijo admirar su dureza e intensidad, e incluso ordenó su traducción al francés, y de Thomas Mann, quien la calificó de impresionante. En 1961, escribió su obra "Sobre héroes y tumbas".

En 1975, Sabato recibió el premio de Consagración Nacional de la Argentina, y un año después su novela "Abaddón el exterminador'' (1974) obtuvo el galardón al mejor libro extranjero del año por la industria editorial francesa.

Italia también lo homenajeó en 1977 con el premio Medici, España un año después con la Gran Cruz al mérito civil en España y en 1979 Francia lo distinguió como Comandante de la Legión de Honor.

No obstante, Sábato dejó a un lado la literatura para dedicarse a elaborar un completo informe de las atrocidades cometidas por los militares en el régimen de 1976 a 1983.

Al terminar la dictadura fue designado para presidir la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas (Conadep), cuya tarea fue investigar el destino de los miles de argentinos que desaparecieron durante ese período.

La Conadep recopiló 50 mil páginas de evidencias de secuestros, torturas, violaciones y asesinatos de integrantes de las guerrillas de izquierda, simpatizantes, familiares o militantes políticos.

Sus hallazgos sobre los crímenes de la dictadura y las recomendaciones sobre el castigo que deberían recibir los represores se publicaron en 1984 en un libro llamado "Nunca Más", el cual fue base del Juicio a las Juntas Militares en 1985, considerado el "Nuremberg argentino".

Sabato, premio Miguel de Cervantes en 1984, también pintaba, y sus obras fueron expuestas en el Centro Pompidou de París y en el Centro Cultural de la Villa de Madrid, entre otras salas.

En los últimos años de su vida salía raramente de su casa en Santos Lugares, en las afueras de Buenos Aires, pero se prestaba con frecuencia a reportajes periodísticos en los que opinaba sobre temas de actualidad.

"Antes del fin'', aparecido en 1998, el año que murió su esposa Matilde, es un testamento que escribió, dijo, para los adolescentes y jóvenes, pero también para los que, como él, se acercan a la muerte y se preguntan para qué y por qué han vivido.

El cumpleaños número 100 de Sabato, el 24 de junio, iba a ser festejado con múltiples actos en todo el país.

Eliminan video en contra de la "guerra" del narco de youtube

2011-04-25T10:29:00.000-07:00

Pese a que en la red pueden encontrarse cientos de videos que cuestionan tanto la legitimidad de la Presidencia de Felipe Calderón como su estrategia de combate a la delincuencia, desde los primeros minutos de este domingo circulaba un nuevo video en YouTube, “Calderón criminal de guerra”, y el cual ha sido atribuido al Movimiento de Regeneración Nacional (Morena).

En el video, que hasta cerca de las 11 de la mañana podía verse en http://www.youtube.com/watch?v=kjSagjdPOeU, se hacía un recuento de los muertos que ha dejado el combate al narcotráfico emprendido por Calderón desde el inicio de su gobierno, asimismo se le acusaba de servir a los intereses de Estados Unidos a costa de la seguridad de los mexicanos.

Hasta antes de ser removido el video tenía casi 300 vistas.

"Este video ha sido retirado debido a una infracción de la política de YouTube relacionada con contenido ofensivo y desagradable", se lee en la dirección www.youtube.com/watch?v=kjSagjdPOeU, donde se podía ver el material.

El área de Comunicación Social del político tabasqueño negó categóricamente que dicho material sea del Movimiento Regeneración Nacional (Morena), ya que los videos que se elaboran en el "Gobierno Legítimo" son difundidos por los canales oficiales, como su página en Internet y en las cuentas de Facebook y Twitter del ex Jefe de Gobierno capitalino.

2011-04-18T16:55:00.000-07:00

En estos momentos, el militar confidente de Wikileaks, Bradley Manning, está siendo sometido a torturas brutales en una prisión militar en los Estados Unidos. Mantenido en una situación de total aislamiento capaz de enloquecer a muchas personas, Manning es forzado a permanecer desnudo durante ciertos períodos del día, y expuesto a las burlas e insultos de otros presos. Manning está a la espera de juicio por haber revelado documentos militares secretos a Wikileaks - incluyendo el video que muestra a soldados norteamericanos masacrando a civiles iraquíes. Este trato cruel e inhumano parece ser parte de una campaña de intimidación dirigida a silenciar a posibles confidentes y continuar con la ofensiva contra Wikileaks. Este asunto ha generado posiciones enfrentadas dentro del gobierno de EE.UU., con algunos diplomáticos criticando abiertamente a los poderes militares por el trato que le están dando a Manning. Pero el presidente Obama se está manteniendo al margen hasta ahora.

Workahólico

2011-04-10T11:06:00.000-07:00

Workaholic es una persona a quien le gusta, ama y es adicta al trabajo. No hay una definición médica para tal condición, emparentada con el síndrome del “quemado” o “burn out” y el “karoshi”. Sin embargo algunas formas de estrés, y desórdenes de personalidad obsesivos-compulsivos pueden estar relacionados con el trabajo. Aunque el término workaholic generalmente tiene una connotación negativa, se usa a veces para personas que expresan fuerte motivación hacia una carrera u oficio. El “trabajo” en cuestión, usualmente asociado a un empleo pagado, puede también hacer referencia a actividades tales como deportes, música, artes, o adicción a Internet, a través del mantenimiento de una página o un espacio, personal u organizacional. El nombre como tal deriva del término alcohólico. El primer registro de su utilización data de 1968 en una imprenta, luego popularizado en 1971 por Wayne Oates, en su libro “Confesiones de un workaholic”. Pero el término no obtuvo mucha difusión, sino hasta la década de 1990, donde se expandió gracias a su relación con las teorías de auto ayuda, movimiento centrado en las adicciones, formando analogías entre las conductas dañinas socialmente como la adicción al trabajo y drogadicción, incluyendo la adicción al alcohol. Aunque el término workaholic no es una acepción admitida dentro de la terminología psicológica, se ha extendido para referirse a aquellas personas quienes pierden su tiempo en el trabajo, o problemas relacionados al mismo, quienes llevan una vida muy ajetreada y que va en detrimento con su salud y funciones fisiológicas, vidas sociales, familiares y personales o sencillamente contra su tiempo libre.

Carta abierta a los políticos y a los criminales, por el poeta Javier Sicilia

2011-04-03T19:10:00.000-07:00

Carta abierta a los políticos y a los criminales que escribió Javier Sicilia en la revista Proceso. Estamos hasta la madre… (Carta abierta a los políticos y a los criminales) PROCESO / ABRIL 2011

El brutal asesinato de mi hijo Juan Francisco, de Julio César Romero Jaime, de Luis Antonio Romero Jaime y de Gabriel Anejo Escalera, se suma a los de tantos otros muchachos y muchachas que han sido igualmente asesinados a lo largo y ancho del país a causa no sólo de la guerra desatada por el gobierno de Calderón contra el crimen organizado, sino del pudrimiento del corazón que se ha apoderado de la mal llamada clase política y de la clase criminal, que ha roto sus códigos de honor. No quiero, en esta carta, hablarles de las virtudes de mi hijo, que eran inmensas, ni de las de los otros muchachos que vi florecer a su lado, estudiando, jugando, amando, creciendo, para servir, como tantos otros muchachos, a este país que ustedes han desgarrado. Hablar de ello no serviría más que para conmover lo que ya de por sí conmueve el corazón de la ciudadanía hasta la indignación. No quiero tampoco hablar del dolor de mi familia y de la familia de cada uno de los muchachos destruidos. Para ese dolor no hay palabras –sólo la poesía puede acercarse un poco a él, y ustedes no saben de poesía–. Lo que hoy quiero decirles desde esas vidas mutiladas, desde ese dolor que carece de nombre porque es fruto de lo que no pertenece a la naturaleza –la muerte de un hijo es siempre antinatural y por ello carece de nombre: entonces no se es huérfano ni viudo, se es simple y dolorosamente nada–, desde esas vidas mutiladas, repito, desde ese sufrimiento, desde la indignación que esas muertes han provocado, es simplemente que estamos hasta la madre. Estamos hasta la madre de ustedes, políticos –y cuando digo políticos no me refiero a ninguno en particular, sino a una buena parte de ustedes, incluyendo a quienes componen los partidos–, porque en sus luchas por el poder han desgarrado el tejido de la nación, porque en medio de esta guerra mal planteada, mal hecha, mal dirigida, de esta guerra que ha puesto al país en estado de emergencia, han sido incapaces –a causa de sus mezquindades, de sus pugnas, de su miserable grilla, de su lucha por el poder– de crear los consensos que la nación necesita para encontrar la unidad sin la cual este país no tendrá salida; estamos hasta la madre, porque la corrupción de las instituciones judiciales genera la complicidad con el crimen y la impunidad para cometerlo; porque, en medio de esa corrupción que muestra el fracaso del Estado, cada ciudadano de este país ha sido reducido a lo que el filósofo Giorgio Agamben llamó, con palabra griega, zoe: la vida no protegida, la vida de un animal, de un ser que puede ser violentado, secuestrado, vejado y asesinado impunemente; estamos hasta la madre porque sólo tienen imaginación para la violencia, para las armas, para el insulto y, con ello, un profundo desprecio por la educación, la cultura y las oportunidades de trabajo honrado y bueno, que es lo que hace a las buenas naciones; estamos hasta la madre porque esa corta imaginación está permitiendo que nuestros muchachos, nuestros hijos, no sólo sean asesinados sino, después, criminalizados, vueltos falsamente culpables para satisfacer el ánimo de esa imaginación; estamos hasta la madre porque otra parte de nuestros muchachos, a causa de la ausencia de un buen plan de gobierno, no tienen oportunidades para educarse, para encontrar un trabajo digno y, arrojados a las periferias, son posibles reclutas para el crimen organizado y la violencia; estamos hasta la madre porque a causa de todo ello la ciudadanía ha perdido confianza en sus gobernantes, en sus policías, en su Ejército, y tiene miedo y dolor; estamos hasta la madre porque lo único que les importa, además de un poder impotente que sólo sirve para administrar la desgracia, es el dinero, el fomento de la competencia, de su pinche “competitividad” y del consumo desmesurado, que son otros nombres de la violencia. De ustedes, criminales, estamos hasta la madre, de su violencia, de su pérdida de honorabilidad, de su crueldad, de su sinsentido. Antiguamente ustedes tenían códigos de honor. No eran tan crueles en sus ajustes de cuentas y no tocaban ni a los ciudadanos ni a sus familias. Ahora ya no distinguen. Su violencia ya no puede ser nombrada porque ni siquiera, como el dolor y el sufrimiento que provocan, tiene un nombre y un sentido. Han perdido incluso la dignidad para matar. Se han vuelto cobardes como los miserablesSonderkommandos nazis que asesinaban sin ningún sentido de lo humano a niños, muchachos, muchachas, mujeres, hombres y ancianos, es decir, inocentes. Estamos hasta la madre porque su violencia se ha vuelto infrahumana, no animal –los animales no hacen lo que ustedes hacen–, sino subhumana, demoniaca, imbécil. Estamos hasta la madre porque en su afán de poder y de enriquecimiento humillan a nuestros hijos y los destrozan y producen miedo y espanto. Ustedes, “señores” políticos, y ustedes, “señores” criminales –lo entrecomillo porque ese epíteto se otorga sólo a la gente honorable–, están con sus omisiones, sus pleitos y sus actos envileciendo a la nación. La muerte de mi hijo Juan Francisco ha levantado la solidaridad y el grito de indignación –que mi familia y yo agradecemos desde el fondo de nuestros corazones– de la ciudadanía y de los medios. Esa indignación vuelve de nuevo a poner ante nuestros oídos esa acertadísima frase que Martí dirigió a los gobernantes: “Si no pueden, renuncien”. Al volverla a poner ante nuestros oídos –después de los miles de cadáveres anónimos y no anónimos que llevamos a nuestras espaldas, es decir, de tantos inocentes asesinados y envilecidos–, esa frase debe ir acompañada de grandes movilizaciones ciudadanas que los obliguen, en estos momentos de emergencia nacional, a unirse para crear una agenda que unifique a la nación y cree un estado de gobernabilidad real. Las redes ciudadanas de Morelos están convocando a una marcha nacional el miércoles 6 de abril que saldrá a las 5:00 PM del monumento de la Paloma de la Paz para llegar hasta el Palacio de Gobierno, exigiendo justicia y paz. Si los ciudadanos no nos unimos a ella y la reproducimos constantemente en todas las ciudades, en todos los municipios o delegaciones del país, si no somos capaces de eso para obligarlos a ustedes, “señores” políticos, a gobernar con justicia y dignidad, y a ustedes, “señores” criminales, a retornar a sus códigos de honor y a limitar su salvajismo, la espiral de violencia que han generado nos llevará a un camino de horror sin retorno. Si ustedes, “señores” políticos, no gobiernan bien y no toman en serio que vivimos un estado de emergencia nacional que requiere su unidad, y ustedes, “señores” criminales, no limitan sus acciones, terminarán por triunfar y tener el poder, pero gobernarán o reinarán sobre un montón de osarios y de seres amedrentados y destruidos en su alma. Un sueño que ninguno de nosotros les envidia. No hay vida, escribía Albert Camus, sin persuasión y sin paz, y la historia del México de hoy sólo conoce la intimidación, el sufrimiento, la desconfianza y el temor de que un día otro hijo o hija de alguna otra familia sea envilecido y masacrado, sólo conoce que lo que ustedes nos piden es que la muerte, como ya está sucediendo hoy, se convierta en un asunto de estadística y de administración al que todos debemos acostumbrarnos. Porque no queremos eso, el próximo miércoles saldremos a la calle; porque no queremos un muchacho más, un hijo nuestro, asesinado, las redes ciudadanas de Morelos están convocando a una unidad nacional ciudadana que debemos mantener viva para romper el miedo y el aislamiento que la incapacidad de ustedes, “señores” políticos, y la crueldad de ustedes, “señores” criminales, nos quieren meter en el cuerpo y en el alma. Recuerdo, en este sentido, unos versos de Bertolt Brecht cuando el horror del nazismo, es decir, el horror de la instalación del crimen en la vida cotidiana de una nación, se anunciaba: “Un día vinieron por los negros y no dije nada; otro día vinieron por los judíos y no dije nada; un día llegaron por mí (o por un hijo mío) y no tuve nada que decir”. Hoy, después de tantos crímenes soportados, cuando el cuerpo destrozado de mi hijo y de sus amigos ha hecho movilizarse de nuevo a la ciudadanía y a los medios, debemos hablar con nuestros cuerpos, con nuestro caminar, con nuestro grito de indignación para que los versos de Brecht no se hagan una realidad en nuestro país. Además opino que hay que devolverle la dignidad a esta nación.

Asesinan al hijo del poeta Javier Sicilia

2011-03-30T13:12:00.000-07:00

Autoridades de Morelos encontraron siete cadáveres amordazados en el interior de una camioneta. Uno de los cadáveres identificados es el de Juan Francisco Sicilia Ortega, de 24 años, hijo del escritor y periodista Javier Sicilia. El procurador de justicia de Morelos, Pedro Luis Benítez Vélez, informó en un comunicado de prensa que los cadáveres –seis masculinos y uno femenino- fueron encontrados con cinta canela enrollada en el cráneo, cara, muñecas y tobillos, en el fraccionamiento Las Brisas, en Cuernavaca. Además, en el interior de la camioneta donde encontraron los cuerpos, una Honda, las autoridades encontraron un mensaje. Hasta el momento, se han identificado seis de los siete cadáveres.

70 años de literatura en lengua española

2011-03-26T20:43:00.000-07:00

Abecedario de los últimos 70 años de la literatura en España. Ese es el periodo que cubre el nuevo volumen del proyecto Historia de la literatura española. Derrota y restitución de la modernidad: 1939-2010

AGENTES LITERARIOS Figuras poco o nada presentes en sistemas literarios vecinos como el francés, en España se han convertido hoy en imprescindibles, más desde la concentración e industrialización del sector, donde ahora ejercen funciones de editores al estilo anglosajón ante los originales de sus representados. Su génesis está en 1959, cuando Carmen Balcells, tras cinco años en la agencia Acer, del también escritor rumano Vintila Horia, creó su empresa en Barcelona. Luis Goytisolo fue el primer autor español al que representó. Estipular límites a los contratos que firmaban los autores, rescatar derechos cautivos y mejorar su tratamiento fiscal fueron sus grandes aportaciones al ecosistema libresco. Ella es también la causa de la instalación de autores del Boom latinoamericano (Vargas Llosa, García Márquez...) en Barcelona. Tras su estela han surgido nombres tan notables como los de Antonia Kerrigan, Mercedes Casanovas, Raquel de la Concha, Silvia Bastos, Mónica Martín, Anna Soler-Pont ..., sin las cuales tampoco podría entenderse la mayor exportación de autores españoles y la plasmación en los medios audiovisuales de sus obras. En 2006 se creó la asociación de agentes literarios (ADAL), con una treintena de afiliados.Carles Geli BENET, JUAN Su obra puso patas arriba la literatura española de su época. Vino a decir que no importaba tanto la anécdota ni el compromiso de transformar el mundo, tampoco la habilidad o el ingenio para armar una trama o la verosimilitud de los personajes. Todo eso podía servir, claro, pero el desafío era otro. Así que construyó un estilo, hecho de una sobria elegancia, y desplegó un territorio, el de Región, para dejar que su voz penetrara en los secretos de los paisajes, en las entrañas de los hombres y mujeres que pueblan sus libros y, en muchos casos, en la Guerra Civil. No hizo ninguna concesión: "Si el escritor para escribir tiene que matar al público, que lo mate", dijo alguna vez. Recogió las técnicas más sofisticadas de algunos de los mejores de fuera (Conrad, Faulkner, Joyce) y eso le sirvió para alejar a la literatura española de su provincianismo. José Andrés Rojo BOOM Fue una gran luz en las sombras del franquismo, que habría de irradiar e insuflar más vida a la literatura. A finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta, América Latina ofrecía una gran vitalidad literaria y editorial, y algunos de los libros que no se editaban en España se hacían en Argentina o México, y luego llegaban al país. A su vez, jóvenes autores latinoamericanos exploraban nuevas formas literarias y daban un salto estético que habría de cambiar a los escritores y a los lectores. Varios de estos autores habían emigrado a Europa por diferentes motivos (trabajos, huyendo de sus propias dictaduras, estudios, etcétera). Introdujeron nuevos aires, redescubrieron las posibilidades del idioma e influyeron en la narrativa más contemporánea. Entre ellos, títulos como Los premios y Rayuela, del argentino Julio Cortázar. La ciudad y los perros, del peruano Mario Vargas Llosa, premio Biblioteca Breve en 1962, al que siguieron La casa verde y Conversación en La Catedral. Entremedias apareció Tres tristes tigres, del cubano Guillermo Cabrera Infante; El coronel no tiene quien le escriba y Cien años de soledad, del colombiano Gabriel García Márquez; La región más transparente o La muerte de Artemio Cruz, del mexicano Carlos Fuentes. Una literatura que rompió moldes y enseñó a perder el miedo a la innovación. Winston Manrique Sabogal CENSURA La censura fue el instrumento más coactivo de vigilancia ideológica sobre la libertad de creación. Las bibliotecas fueron depuradas, en algunos casos, mediante la salvaje quema de libros para impedir la "exposición de ideas disolventes, conceptos inmorales, propaganda de ideas marxistas, y todo lo que signifique falta de respeto a la dignidad de nuestro glorioso Ejército, atentado a la unidad de la patria, menosprecio de la religión católica y de todo cuanto se oponga al significado y fines de nuestra gran cruzada nacional", según una orden del 16 de septiembre 1937 del bando sublevado. Un decreto dictado en Burgos en 1938 restringe de manera provisional la libertad de prensa, los libros pornográficos y la literatura "socialista, comunista, libertaria y, en general, disolvente". Esta provisionalidad duró hasta 1966, cuando se promulgó la Ley de Prensa de Fraga Iribarne. Y fue peor: ya no se requería depósito previo, pero se podían secuestrar tiradas enteras de libros. Los censores no fueron únicamente funcionarios. Escritores como Camilo José Cela, Leopoldo Panero, Darío Fernández Flórez estaban en la nómina. Curiosamente, Panero fue uno de los censores de La colmena, de Cela. Rosa Mora CERVANTES, PREMIO Es la mejor conexión con el buen momento literario que suspendió la Guerra Civil en 1936. La más alta distinción a los mejores escritores en lengua española. Otorgado desde 1976 por el Ministerio de Cultura, pero a propuesta de las Academias de la Lengua de los países de habla hispana, se ha convertido en el mejor y más decisivo sistema desde la democracia para promover y difundir el conocimiento de autores hispanohablantes de primer nivel, introduciendo además a los elegidos y sus obras en el circuito de un cierto conocimiento (por la exposición a los medios de comunicación) y consumo popular que, sin este premio, suelen estar en ámbitos más minoritarios. Desde Jorge Guillén (1976) a Ana María Matute (2010), pasando por narradores como Gonzalo Torrente Ballester, Francisco Ayala, Miguel Delibes o José Jiménez Lozano; y un buen número de poetas como Gerardo Diego, Rafael Alberti, José Hierro, Luis Rosales y Antonio Gamoneda. El galardón, que podría bautizarse como el Nobel de las letras castellanas, ha jugado con sutileza a la geoestrategia entre el mundo hispano, concediendo casi tantos galardones a autores españoles (19) como al resto de escritores de los otros países (17), entre los que figuran Alejo Carpentier (1977), Jorge Luis Borges (1979), Mario Vargas Llosa (1994), Álvaro Mutis (2005), Juan Gelman (2007) y José Emilio Pacheco (2009). Carles Geli DIOSAS BLANCAS El hecho de que haya solo dos escritoras españolas (María Zambrano y Ana María Matute) en el palmarés del Premio Cervantes da una idea de cómo están las cosas. O de cómo han estado. Igual que hay muchas mujeres en el mundo laboral pero pocas en la dirección de las empresas, hay muchas autoras en las librerías pero menos en la historia de la literatura. Fruto del progreso, su número crece a medida que nos acercamos al presente. Ahí está, en pie de igualdad, la obra de las dos citadas y la de Carmen Laforet, Carmen Martín Gaite, Gloria Fuertes, María Victoria Atencia, Julia Uceda, Clara Janés, Esther Tusquets, Ana María Moix, Olvido García Valdés, Blanca Andreu, Cristina Fernández Cubas, Soledad Puértolas, Rosa Montero, Almudena Grandes, Elvira Lindo o Belén Gopegui. En 1985, Ramón Buenaventura publicó en Hiperión una antología de poesía escrita por mujeres que fue un pequeño hito. Se titulaba, con ecos de Robert Graves, Las diosas blancas. Javier Rodríguez Marcosi EXILIO 1939, la guerra ha terminado. Y al exilio salieron muchos de los mejores. Antonio Machado y Manuel Azaña, ese hombre de letras que presidió la República, murieron enseguida. Otros sobrevivieron y fueron encontrando acomodo en distintos lugares: Luis Cernuda, Juan Ramón Jiménez, Max Aub, Francisco Ayala, José Gaos y tantos y tantos más. A la dictadura franquista no le gustaban ni el espíritu crítico ni la independencia, y la originalidad le producía urticaria: así que combatió todo eso. A los que estuvieron fuera les tocó conservar esa manera de ver el mundo que combatieron la Iglesia y los militares: abierta, sin ataduras, curiosa, emprendedora. Los exiliados fueron perdiendo el hilo con su país, porque el régimen les volvió la espalda, así que se hicieron suyos los países adonde llegaron y dejaron allí lo mejor de sí mismos. España rescató a algunos al llegar la democracia; a otros, los perdió definitivamente. J. A. Rojo FALANGE La escritura de Falange fue literariamente pobre y no surgió ningún gran escritor, aunque sí trayectorias intelectuales y algunos libros estimables. Autores como Giménez Caballero (Genio de España) o Sánchez Mazas (La nueva vida de Pedrito Andía) ya eran fascistas antes de la guerra. Los adscritos al falangismo, como Laín Entralgo, Torrente Ballester, Dionisio Ridruejo, Rafael García Serrano o Álvaro Cunqueiro, entre otros, pudieron tener actividad pública en aquel sombrío periodo. Pero pronto vieron la pobreza de un sistema que dejó de ser estimulante incluso para ellos mismos. Agustín de Foxá se hizo popular con Madrid, de corte a checa y Ernesto Giménez Caballero no recuperó después de la guerra la brillantez ni la imaginación que lo habían convertido en el ideólogo perfecto. La Falange juvenil, retadora y chulesca, de culto al héroe, encontró a su mejor portavoz en Rafael García Serrano (Eugenio o la proclamación de la primavera o La fiel infantería). R. Mora GENERACIONES A nadie le convence la teoría de las generaciones pero todo el mundo la usa. "Para entendernos". Consagradísima la del 27, la otra gran generación clásica del siglo XX es la del 50, la de los niños de la guerra -de Marsé a Gil de Biedma, para entendernos-. El problema no es qué fechas usar como límite generacional sino qué nombres poner en juego sin ser injustos. Contra el riesgo de que la moda descubra una generación cada otoño-invierno y de que la desmemoria piense que solo cuentan los jóvenes, basta recordar que a la altura de, pongamos, 1987, Rafael Alberti (nacido en 1902) convivía con Cela, Matute, Carlos Bousoño, José Hierro, Eduardo Mendoza, Luis García Montero o Luisa Castro (nacida en 1966). J. Rodríguez Marcos GUERRA CIVIL El primer rastro literario de la contienda es duro: Agustín de Foxá y su Madrid, de corte a checa, y Rafael García Serrano, con La fiel infantería, son las tristemente mejores (desde lo estético) reacciones de primera hora de los vencedores, obras cargadas de descripciones ofensivas contra la República, panfletos justificativos del alzamiento, desafiantes, violentas, de ideales mesiánicos. Un paso adelante será el que representarán Miguel Delibes (Cinco horas con Mario, 1966) y Camilo José Cela (San Camilo, 1936, 1969), primera recapitulación de la victoria y donde los propios vencedores empiezan a purgar las culpas de su actitud. Un paso más: El tragaluz (1967), de Antonio Buero Vallejo, o Volverás a Región (1967), de Juan Benet, o Si te dicen que caí (1973), de Juan Marsé, muestran una posguerra que es aún estar en guerra. Habrá que esperar hasta Javier Marías (Tu rostro mañana, 2002-2007) y a Javier Cercas (Soldados de Salamina, 2004) para hallar una narrativa que no sea novela de propaganda de defensa del vencido: ya se sabe que ganaron los que perdieron, ahora se medita desde la voluntad del nieto: comprender por qué hizo lo que hizo quien en realidad no ganó. Lo había prefigurado ya, desde 1986, Antonio Muñoz Molina con su Beatus Ille y lo ha mantenido hasta hoy, con La noche de los tiempos (2009): la sublevación moral contra el abuso de la historia de la Guerra Civil como contaron los vencedores. Por ahí, por el rescate del olvido que hacen los nietos, va también Almudena Grandes en esta especie de Episodios Nacionales en seis entregas sobre la guerra que ha empezado con Inés y la alegría (2010).C. Geli HETERODOXOS La literatura española está llena de tipos que se apartaron de las normas. Ramón Gómez de la Serna se inventó las greguerías y estuvo lleno de rarezas. La heterodoxia viene desde el Siglo de Oro, donde muchos se apartaron de lo establecido para conquistar su verdad. Bien visto, los mayores heterodoxos del siglo XX fueron los autores de la generación del 50: fueron libres, brillantes, talentosos y consiguieron disfrutar de los placeres de la vida en la España gris de la dictadura, que consagró el miedo como norma y la mediocridad como modelo. El cuento, pues, es largo: ahí están los experimentos de Aliocha Coll o Julián Ríos, o Enrique Vila-Matas, que se apartó con sus prosas de lo previsible, o los poetas Carlos Edmundo de Ory, Eduardo Scala y Eduardo Cirlot, inclasificables siempre, o Pedro Casariego Córdoba, que exploró las formas más diversas para decir, por ejemplo, que la vida puede ser una lata. J. A. Rojo INTÉRPRETES Al teatro le ha tocado siempre llevarse los conflictos del presente a un escenario para propiciar una respuesta del público: la crítica al mundo, la identificación con los personajes y sus problemas, la emoción lírica, la risa que hace añicos la realidad, el escapismo. Antonio Buero Vallejo se ocupó de los grises avatares de la dictadura y Alfonso Sastre quiso desenmascarar críticamente al régimen. Otros, como Miguel Mihura o Enrique Jardiel Poncela, procuraron sortear la tristeza de una época mediante el humor. Fernando Arrabal irrumpió para trastocar las reglas de juego y forzar los límites, y Francisco Nieva inventó figuras extremas y distorsionadas para reflejar una época concreta. Miguel Romero Esteo o Luis Riaza ensayaron la mezcla de vanguardia y compromiso. Y luego vinieron José Luis Alonso de Santos, José Sánchez Sinisterra o Fermín Cabal para dar cuenta de una España que cambiaba. Hasta hoy, donde las propuestas se abren en múltiples direcciones. J. A. Rojo JUAN RAMÓN JIMÉNEZ Murió en el exilio en 1958, dos años después de obtener el Premio Nobel. Fue el único maestro de la poesía española moderna que vivió la posguerra (Unamuno murió en 1936 y Antonio Machado, en 1939). Del modernismo a la metafísica pasando por el simbolismo, la poesía pura, JRJ fue, él solo, toda una literatura. Influyó en la generación más influyente -la del 27- y su sombra atraviesa todo el siglo XX. La poesía social prefirió mirarse en el espejo de Machado durante el franquismo, pero hoy el autor de La estación total vuelve a ser una referencia y su poema 'Espacio', una composición que muchos sitúan a la altura de La tierra baldía, de T. S. Eliot. J. Rodríguez Marcos KAFKA ¿Qué hace Kafka en un glosario de literatura española? Certificar que las letras universales también forman parte de un panorama cultural y editorial que en un 30% se nutre de las traducciones. En el último medio siglo, además, se han revisado las viejas versiones de los clásicos (de Shakespeare a Thomas Mann) y se ha normalizado la traducción directa de lenguas como el ruso o el chino, tradicionalmente puenteadas por la vía del francés o el inglés. A todo ello habría que añadir la labor como traductores de novelistas y poetas como José María Valverde, Carmen Martín Gaite, Ángel Crespo, Antonio Colinas, Clara Janés, Javier Marías o Justo Navarro. J. Rodríguez Marcos LITERATURA En un poema contra Franco, León Felipe daba por sentado que los exiliados se habían llevado la canción. En parte fue así. Y nada se diga de las literaturas en lengua no castellana, que no tuvieron cauce normalizado hasta el fin de la longa noite de pedra (Ferreiro). En el erial franquista comenzaron a emerger algunos islotes existenciales, en versión espasmódica (Dámaso Alonso) o apagada (Laforet). El agonismo de los cuarenta, que hablaba directamente con Dios o con la Nada, bajó un día de las nubes a la calle. Se inauguraba así el socialrealismo, que a menudo supeditó el arte a su función testimonial. Pero no siempre: en ese tiempo de silencio Martín Santos mostró la inconsecuencia de subvertir el orden con el lenguaje del orden. La literatura del tardofranquismo se sacude el costumbrismo y su dependencia excesiva de la tradición española. Muerto Franco y abolida la censura, no salieron en tropel del armario obras geniales de autores amordazados, como se había supuesto. Viejos o jóvenes, los escritores hubieron de relacionarse con un lector ya no por fuerza cómplice. Al apuntar el tercer milenio, con el lector había cambiado también el entorno de la escritura, y solo parecía quedar en pie aquella pregunta de Sartre: ¿qué es la literatura? Ángel L. Prieto de Paula MERCADO La actividad editorial no se detuvo durante la guerra ni en la posguerra. En 1939 llegó a Barcelona con las tropas nacionales un capitán de la Legión, José Manuel Lara, que fundaría con el tiempo el imperio Planeta. En 1944 regresó del exilio el gran editor José Janés y ese mismo año, la editorial Destino, fundada por catalanes de Burgos, creó el Premio Nadal. La editorial se convirtió en la más importante de la posguerra y su premio fue fundamental para dar a conocer autores: Delibes, Sánchez Ferlosio, Matute, Martín Gaite... Bruguera fue refundada y los quioscos se llenaron de colecciones del Oeste (Marcial Lafuente Estefanía o Silver Kane). En los años cincuenta y sesenta surgió un estimulante mercado negro del libro impulsado por las editoriales españolas de América Latina (Losada o Sudamericana). José Ortega Spottorno, el hijo del filósofo José Ortega, se puso al frente de la editorial Revista de Occidente en 1940 y fundó años más tarde Alianza Editorial. En ella Javier Pradera y Jaime Salinas, que había sido el factótum de Seix Barral, lanzaron la colección El Libro de Bolsillo, que tuvo un éxito arrollador y que se mantiene. Como Austral, de Espasa Calpe, que llegó a vender un millón de ejemplares de la edición en bolsillo del Quijote. Taurus, que habría de ser una de las editoriales más importantes de pensamiento, fue creada en 1955. Ese año, Víctor Seix y Carlos Barral crearon Seix Barral. Una década después llegaron Lumen, Alfaguara (la de las tapas azules) y un poco después Anagrama y Tusquets, todas ellas imprescindibles para la modernización de la España literaria. Los años ochenta fueron los de la concentración. El paradigma es el Grupo Planeta, que hoy es propietario, entre otras editoriales, de Seix Barral, Destino, Crítica, Espasa, Ariel, Minotauro, Temas de Hoy, Backlist, el grupo francés Editis, las cadenas de librerías Casa del Libro y Bertrand, y un largo etcétera. Random House Mondadori agrupa, entre otros sellos, Mondadori, Lumen Grijalbo y Plaza & Janés. El Grupo Santillana posee Alfaguara, Taurus, Aguilar, Suma, Ediciones Generales, Educación y los brasileños Editora Moderna, Editora Objetiva, Editora Fontaner y Uno Educaçao, entre otros. Una de las últimas grandes operaciones es el acuerdo entre Planeta y Enciclopèdia Catalana para quedarse con la veterana Edicions 62. La primera década del siglo XXI está marcada por el contraste entre grandes grupos, editoriales pequeñas-medianas (Pre-Textos, Renacimiento, Quaderns Crema/Acantilado, Páginas de Espuma o DVD) y el florecimiento de pequeñas y combativas editoriales (Minúscula, Periférica, Menoscuarto o Libros del Asteroide, Barril y Barral o Funambulista). España es un país de premios, de premios a obras inéditas y con una calculada estrategia comercial, inaugurada con el Premio Nadal y el Planeta, luego. Ha habido premios fundamentales, como el Biblioteca Breve (Seix Barral) en su primera etapa; y otros más como el Herralde de Novela o el Alfaguara, ahora en su segunda etapa. El Anagrama de Ensayo canalizó el nuevo pensamiento español. En el apartado de memorias y biografías destaca el Premio Comillas, de la editorial Tusquets. En poesía están el Adonais, durante toda la posguerra, y más recientemente el Hiperión y el Loewe. Entre los premios institucionales están los nacionales, los de la Crítica. El debate actual gira en torno al libro electrónico y las futuras formas de lectura. R. Mora NOBEL Contraste lacerante entre el momento de amargura en que Juan Ramón Jiménez recibió el Nobel, en 1956, y el jaleado (en España) galardón a Camilo José Cela, en 1989. El poeta de La estación total, En el otro costado o Dios deseante y deseado estaba en el exilio y poco se celebró en España. Su mujer, Zenobia Camprubí, estaba gravemente enferma y murió cuatro días después de que le fuera comunicado el premio. Juan Ramón no le iba a sobrevivir mucho más de un año. Cela, al que muchos aún le recordaban como censor y cuya literatura producía ya un cierto cansancio, lo recibió en olor de multitud. El Nobel le pareció poco y en 1994 ganó el suculento Premio Planeta con La cruz de San Andrés, escrita con ciertas prisas y que fue acusada de plagio. También lo recibió en este periodo el poeta Vicente Aleixandre (1977), que se sumaría a los ya otorgados a José de Echegaray (1904) y Jacinto Benavente (1922). R. Mora NOVÍSIMOS Nueve novísimos poetas españoles (1970), de Josep Maria Castellet, nació, como alguna otra antología suya, con cierto aire de provocación. Hecha con el concurso de Pere Gimferrer, incluyó a poetas y memorialistas como Antonio Martínez Sarrión y José María Álvarez; a escritores como Félix de Azúa, Vicente Molina Foix y Ana María Moix, que progresivamente dejaron la poesía; a poetas como Guillermo Carnero y Leopoldo María Panero, y a autores de varios registros, como Manuel Vázquez Montalbán y el propio Gimferrer. El libro es estupendo y da tristeza que algunos autores no continúen escribiendo poesía. Como era de prever, hubo polémica: ¿por qué no estaban José-Miguel Ullán, Clara Janés o Antonio Colinas, Luis Antonio de Villena, por ejemplo? La crítica más articulada llegó del grupo Claraboya (Luis Mateo Díez, Agustín Delgado o José María Merino). De todos modos la generación del setenta -que tuvo su versión narrativa en los primeros libros de José María Guelbenzu, Julián Ríos, Germán Sánchez Espeso, Mariano Antolín Rato- no fue toda tan experimental, ahí están nombres como Eloy Sánchez Rosillo, Miguel D'Ors o Juan Luis Panero. R. Mora Ñ DE ESPAÑOL Ha sido la reconquista dentro del universo literario. Un idioma de mil años cuya presencia e importancia han crecido paralelas a su número de hablantes y a la calidad de su producción literaria. Si en los años sesenta los autores latinoamericanos pusieron en el mapa internacional la literatura en castellano del siglo XX, desde los ochenta esa presencia se ha reafirmado con los nombres surgidos a partir de la llegada de la democracia española a mediados de los setenta. Tras el paréntesis de la dictadura franquista, España empezó a recuperar el gran espíritu y momento creativo que vivió antes de la Guerra Civil, al pasar de las sombras del franquismo a la restitución de la modernidad. La diversidad y pluralidad de la creación literaria en el extranjero, tanto en América Latina como en traducciones, es un reclamo en aumento con nombres como Javier Marías, Antonio Muñoz Molina, Enrique Vila-Matas o Arturo Pérez-Reverte. Dentro del valor literario, también está el comercial y popular que lo ha llevado a entrar en el mercado de los superventas internacionales con escritores como Carlos Ruiz Zafón. W. Manrique Sabogal OBSERVATORIO Descifrar el mundo, hacerle las preguntas correctas, expresar de manera adecuada sus derroteros. La distancia de otros tiempos, ese observatorio distante e impoluto, ya casi queda como una referencia inalcanzable: el pensador de nuestro tiempo ha tenido que afanarse con sus ideas en medio de las contradicciones y batirse con las sombras. Algunos han explorado en la tradición filosófica (Emilio Lledó), otros se han mezclado con el arte o la literatura (Rafael Argullol, Félix de Azúa), han sufrido la tentación de la política (Xavier Rubert de Ventós), de las letras o la filología (Claudio Guillén, Francisco Rico) o incluso han pensado a partir de los Beatles (José Luis Pardo). Hay quienes han sido más sistemáticos, como Eugenio Trías, que ha centrado su filosofía en la idea de límite, y quienes han disparado a distintas dianas, como Miguel Morey o José María Ridao. Caminos muy distintos para una riqueza inagotable. J. A. Rojo POESÍA P de poesía y también de péndulo. Pintada con brocha gorda, la lírica de la posguerra -"un arma cargada de futuro"- vio cómo, junto al clasicismo oficialista, triunfaba el compromiso social. Sus representantes no siempre estuvieron a la altura de Blas de Otero y Gabriel Celaya y la generación del 50 -Ángel González, José A. Goytisolo- elevó el listón y trufó la ética de estética para dar dignidad al tono conversacional. Alrededor de 1968, los novísimos cambiaron conversación por experimentación hasta que la poesía figurativa de los ochenta -Luis García Montero, Felipe Benítez Reyes- volvió a poner los pies en la tierra de lo cotidiano. Los poetas de hoy no quieren matar al padre sino comer en la mesa del hermano mayor. Con todo, el péndulo, de vez en cuando, se da un paseo por el ya centenario repertorio de las vanguardias. La actualidad siempre ha sido ecléctica. J. Rodríguez Marcos POSGUERRA La posguerra duró 20 años, con dos etapas diferenciadas. La primera se vivió bajo la asfixiante coacción del fascismo nacional católico, una idea dogmática de la hispanidad y un férreo control ideológico, del que ni siquiera pudieron escapar algunos de los vencedores. El objetivo básico fue erradicar las ideas de la Institución Libre de Enseñanza, el laicismo y restituir el pensamiento de Menéndez Pelayo. La universidad fue descabezada. Como diría tardíamente Pedro Laín Entralgo, se produjo un "atroz desmoche". El proceso de modernización se inició en los años cincuenta. Referentes como Unamuno, Ortega, Baroja, Juan Ramón Jiménez o Antonio Machado se sentían próximos. Carmen Laforet ganó el primer Premio Nadal en 1944 con Nada, y en 1948 Miguel Delibes con La sombra del ciprés es alargada. Escritores como Matute, Sánchez Ferlosio, Fernández Santos, Martín Gaite o Valente hablan con un lenguaje nuevo. Josep Maria Castellet publica Notas sobre la literatura española contemporánea en 1955. La larga posguerra tiene muy buenos relatores. Prácticamente toda la obra de Juan Marsé narra la Barcelona derrotada. Si te dicen que caí, Un día volveré, Ronda del Guinardó, El embrujo de Shanghai, Rabos de lagartija y la reciente Caligrafía de los sueños son algunos de sus títulos sobre esos tiempos oscuros. Antonio Rabinad, que mereció un mayor reconocimiento, nos legó dos buenas historias de Barcelona de la posguerra: Los contactos furtivos y Memento mori. Juan Eduardo Zúñiga centra su espléndida trilogía sobre los desastres de la guerra (Largo noviembre en Madrid, La tierra será un paraíso y Capital de la gloria) en el Madrid republicano de la Guerra Civil, pero también trata la posguerra, tema que aborda en El coral y las aguas, una novela simbólica, de episodios casi independientes. Luis Mateo Díez cuenta la vida en una ciudad de provincias en los años cincuenta en La fuente de la edad. R. Mora QUIJOTE El ingenioso hidalgo don Quijote de La Mancha no solo es la obra más importante del español y uno de los libros esenciales de la literatura universal, sino una de las obras con la que permanentemente dialogan los escritores. Acaso por ser una de las cunas de la novela moderna y contener muchas de las claves de la narrativa actual. En estos setenta años su categoría de clásico se ha desempolvado y acercado más a la gente. La reivindicación de la obra de Miguel de Cervantes Saavedra y su influencia en la segunda mitad del siglo XX es notoria y los escritores reconocen que pertenecen, como dijera Carlos Fuentes, a ese territorio de La Mancha. W. Manrique Sabogal REVISTAS De la extensa pero a veces efímera hemeroteca literaria, Escorial (1940-1947/ 1949-1950) merece el primer recuerdo, por su esfuerzo en recuperar el espíritu de Revista de Occidente o de Cruz y Raya de antes de la guerra: cierto liberalismo intelectual de alto vuelo. Ella y Destino (1937-1980), con un longevo tono más informativo, disimularon el erial de posguerra. Por contra, seis números bastaron a Revista Española (1953-1955) para afrontar las nuevas realidades de los cincuenta, por eso fue la primera que sintieron como propia la generación de Ignacio Aldecoa, Fernández Santos y Sánchez Ferlosio. Para sus colegas poetas la cabecera decisiva sería durante décadas Ínsula. Labor notable también entonces la de Papeles de Son Armadans (1956-1979) que dirigió Cela, primer gran puente entre la vanguardia del interior y el exilio. Por su parte, el vínculo entre las letras españolas y latinoamericanas sería Cuadernos Hispanoamericanos. Ya en el tardofranquismo, Camp de l'Arpa (1972-1981), editada por José Batllo (creador de El Bardo) y con Vázquez Montalbán de director, abrió desde Cataluña mensualmente una ventana que permitió el canon del momento. También desde la periferia (Asturias) llegaría la posmodernidad del crisol temático en los 59 números de Los Cuadernos del Norte (1981-1990) que dirigió Juan Cueto. Quimera, Revista de Libros, Clarín, Turia y Letras Libres toman, de algún modo, el relevo hoy. Creada ya en 1980, Quimera es la primera revista literaria para jóvenes de la democracia, de una cultura democrática que ya no es antifranquista. La segunda, de matriz mexicana, abrió redacción en España en 1999 y, ya centenaria en números, es un ensayo de revista cultural de formato claramente combativo en lo político e intelectual. Con vocación más popular surgió a finales de los noventa la revista Qué Leer. C. Geli SANCHÉZ FERLOSIO, RAFAEL Empezó por una novela de la que luego renegó, El Jarama, pero que lo colocó entre los maestros de la palabra. Después se entretuvo con las andanzas de Alfanhuí, y atrapó el aire de los mitos y las viejas narraciones. Más adelante fue abducido por otros intereses que acaso resumen bien el narrador de El testamento de Yarfoz: "Dio primero en volver a sus veleidades de gramático y pseudo-filósofo y después en meterse a periodista". Se enfrascó en cosas del lenguaje y empezó a transitar por los asuntos relacionados con la actualidad: la guerra, las razones de Estado, los medios de comunicación, el deporte, la moda... Todo lo tocó con una escritura compleja y rigurosa, atenta a cada argumento, y con la fiereza de un pensamiento radical, que va al fondo: a mover las aguas turbias sobre las que se sostiene la pulcra apariencia de la realidad. J. A. Rojo SAVATER, FERNANDO Tener los sentidos enchufados al ruido del mundo y la artillería de las palabras dispuesta para intervenir han sido dos de las marcas con que Fernando Savater ha estado al lado de los lectores desde que publicó su primer libro. Filósofo, por servirse de ideas y conceptos para desentrañar los hechos y los embrollos de las gentes en su lucha con la muerte; ciudadano ilustrado, por servirse de argumentos para intervenir en los asuntos de la polis; novelista, por el gusto de contar, y hombre de teatro (amén de otras cosas), por el afán de que sus palabras toquen al público desde un escenario, Savater ha hecho de la alegría un emblema y de la inteligencia, su arma más eficaz para agitar las conciencias, y se ha servido del entusiasmo para contagiar su pasión por sus lecturas y sus maestros, una de sus mayores y más gratificantes habilidades. J. A. Rojo TRANSICIÓN Empieza a restituirse la modernidad. El 23 de abril de 1975, pocos meses antes de la muerte de Franco (el 20 de noviembre), se publicó La verdad sobre el caso Savolta, primera novela de Eduardo Mendoza. Parecía el pistoletazo de salida de una nueva narrativa española. Pero, en lo literario, la transición había empezado antes. Con el precedente de Tiempo de silencio (1962), de Luis Martín-Santos, tres novelas muy significativas se publicaron en la segunda mitad de los años sesenta: Señas de identidad (1966), de Juan Goytisolo; Últimas tardes con Teresa (1966), de Juan Marsé, y Volverás a Región (1967), de Juan Benet. En la Transición los lectores españoles empezaron a leer cada vez con mayor interés a autores españoles. Se recuperó el paréntesis de la guerra, había nacido la Nueva narrativa española. Javier Marías, Álvaro Pombo, Soledad Puértolas, Antonio Muñoz Molina, Julio Llamazares, Luis Mateo Díez, Juan José Millás, José María Merino, Jesús Ferrero, Alejandro Gándara, Ignacio Martínez de Pisón, Almudena Grandes, Rafael Chirbes, Luis Landero y un largo etcétera conquistaron al público. Paulatinamente fue disminuyendo el gusto por los textos políticos, que tanto habían interesado en los años setenta. Jorge Herralde, fundador de Anagrama en 1969, fue el primero en advertirlo y dio un giro importante a su editorial. R. Mora URGENCIA De Azorín a Ortega, las letras españolas no serían las mismas sin los periódicos. Por un lado, porque hay periodistas como Manuel Chaves Nogales, Josep Pla o Julio Camba que merecen su propio capítulo en los manuales. Por otro, por los cientos de páginas que han publicado en la prensa autores como Miguel Delibes, Francisco Umbral, Juan Goytisolo, Manuel Vázquez Montalbán, Rosa Montero o Juan José Millás.J. Rodríguez Marcos VANGUARDIA La literatura española ha contado en cada decenio con nombres que abrieron brecha, una especie de vanguardias, nunca numerosas ni pronunciadas. Entre los años cuarenta y cincuenta el neorrealismo que permitirá una interpretación de la guerra y sus crudas consecuencias desde una cierta ética e independencia vendrá facilitado por Rafael Sánchez Ferlosio y su reconocida (premio Nadal 1956) El Jarama. El otro gran nombre será Carmen Martín Gaite, quien, por ejemplo en Entre visillos (1957), mira las cenizas de la guerra muy distinto. La punta de lanza, ya en los sesenta, de la reinstauración de la modernidad literaria europea en España será para Luis Martín-Santos. En Tiempo de silencio hay retazos de Kafka, Proust, Faulkner..., pero sobre todo del Joyce triturador de Ulises. Junto a él, Juan Benet aunará complejidad, sutileza y estilo que cederá generoso a la nueva novela española. Esta será ya absolutamente homologable con la tercera oleada, cercanos los ochenta. Tres conquistadores: Álvaro Pombo, Javier Marías y Javier Cercas.C. Geli WHISKY A medida que pasa el tiempo, el whisky, el tinto y la ginebra van quedando recluidos en el anecdotario de la generación de los años cincuenta. Niños durante la guerra y, a la altura del medio siglo, bebedores y vividores -"partidarios de la felicidad"-, los miembros de esa galaxia policéntrica forman el gran grupo clásico de la posguerra española, los maestros de hoy. Como narradores (los Aldecoa, García Hortelano, Juan Benet, Luis Martín-Santos, Jesús Fernández Santos, Carmen Martín Gaite, Juan Marsé, Ana María Matute, Juan Goytisolo); como poetas (Claudio Rodríguez, Jaime Gil de Biedma, José Ángel Valente, Francisco Brines, María Victoria Atencia, Antonio Gamoneda) o como dramaturgos (Alfonso Sastre, Lauro Olmo). O como narradores y ensayistas (Ferlosio) o poetas y narradores (José Manuel Caballero Bonald). La distancia, además, permite comprobar que la amistad que unió a muchos de ellos no impidió que cada uno explotara su singularidad: del socialrealismo al hermetismo y de la ironía a la metafísica. J. Rodríguez Marcos X, GENERACIÓN La eterna incógnita. El triunfo de la sociedad de consumo abrió paso con la democracia a la primera generación que estaba en primaria cuando murió Franco. Ya lo habían hecho los autores del 68, pero ellos radicalizaron sin complejos la promiscuidad entre alta y baja cultura, biblioteca y discoteca. Además, autores como Ray Loriga demostraron en los noventa que de aquella mezcla podía salir buena literatura (y un ejército de epígonos). Una década después, el pop se convirtió en afterpop cuando Agustín Fernández Mallo publicó su trilogía Nocilla, demostrando que toda cultura -incluida la de masas- es susceptible de generar su propio culturalismo. J. Rodríguez Marcos YO Aunque España no gozaba de una gran tradición de libros de memorias, diarios o autobiografías en el último medio siglo no han faltado escritores que han cultivado este género. Una de las mejores autobiografías españolas es Automoribundia (1948), de Ramón Gómez de la Serna, mientras La arboleda perdida, de Rafael Alberti, recorre todo el siglo XX, relatado también a su modo por compañeros suyos de generación como Francisco Ayala, Rosa Chacel y Max Aub. Con el tiempo, los escritores se han ido uniendo a la corriente literaria de la autoficción (Jorge Semprún, Carlos Barral, Juan y Luis Goytisolo, José Manuel Caballero Bonald, Antonio Gamoneda y Antonio Martínez Sarrión). La reelaboración y potenciación de la primera persona tiene importantes registros en Carmen Martín Gaite, Esther Tusquets, Enrique Vila-Matas y Juan José Millás. En cuanto a diarios contemporáneos destaca Andrés Trapiello con su proyecto Salón de pasos perdidos. Y a su lado la obra de José Jiménez Lozano, Miguel Sánchez Ostiz y José Luis García Martín. Una vuelta de tuerca es la mezcla de géneros narrativos y ensayísticos como en Visión desde el fondo del mar, de Rafael Argullol. W. Manrique Sabogal ZAMBRANO, MARÍA Fue antes que nada pensadora, porque venía de la tradición de los filósofos, pero tuvo siempre una pata metida en la poesía, así que su obra está llena de resonancias. Se sirvió de la imaginación y de la metáfora para proponer un conocimiento que, más allá de los sistemas, supiera atrapar las minúsculas y sutiles transformaciones de las cosas. J. A. Rojo

Jean Genet un glorioso bastardo

2011-03-19T13:18:00.000-07:00

La soledad del traidor le impidió a Jean Genet ser un apóstol. Hay sin embargo pocos escritores del siglo XX, y quiero decir auténticos escritores, no voceros en prosa y verso, tan militantes en defensa del lumpen de los marginados, cambiante para el autor francés desde la adolescencia hasta la muerte, con 75 años, en 1986. Conviene, por otro lado, limpiar de fanfarronadas el alma traicionera, de puto, de ladrón, de falsificador, que Genet mostró sin recato en sus libros. El hijo ilegítimo nacido de una prostituta y adoptado por una familia de menestrales, el soldado de fortuna, el desertor, el interno constante en reformatorios y cárceles, no fue un amargado -ni un arrepentido- de sus culpas sociales; las encara como percances de un destino que a otros les condujo al asesinato o al patíbulo y a él, por sucesivos milagros, le puso en el panteón de una gloria literaria incomparable entre los novelistas y dramaturgos franceses de los últimos cincuenta años. De su producción inicial, que empezó a salir a la luz estando aún encarcelado, se publican ahora en buenas traducciones Milagro de la rosa y Diario del ladrón, junto a Nuestra señora de las flores, Querelle de Brest' y Pompas fúnebres, el núcleo capital de su obra narrativa. Los dos títulos tienen algo de complementario, como en buena medida lo tienen la mayoría de los escritos en prosa novelesca y ensayística de Genet; hay que ir a su teatro, parte fundamental (y, en mi opinión, la mejor) de su obra, para descubrir al artista de hondura y alcance, al revelador de las convulsiones del orden imperante, al creador de ricos mundos ajenos a la colonia penal.

Y ningún otro escritor de su rango ha elaborado la obsesión sexual con tanta incandescencia y tan cruda inocencia. A veces, el pormenor de sus fijaciones con los hombres a los que desea puede producir en el lector, sobre todo si no comparte esos gustos amatorios, la hartura que producen las listas del placer ajeno. Pero Genet no es un catalogador de impudicias, y menos un desaforado especulador de lo prohibido, como lo fue Sade en algunos de sus relatos de prisión. "Me empeciné en el mal" por el erotismo, confiesa en el arranque de Diario del ladrón, añadiendo que su delincuencia no fue por rebeldía ni por resentimiento: "El crimen me enceló". Gran parte de Diario del ladrón transcurre en Barcelona, convertida, antes de que el turista menos aventurado acudiera a la ciudad para hacerse cruces ante sus gaudís, en el espacio mítico de un subterráneo gay que, con el tiempo, se iría desplazando por cárceles y puertos y ciudades de otros continentes, sin dejar nunca el escritor de sentirse atraído por "esa región de mí mismo que he llamado España".

Genet insiste en que su empeño es "rehabilitar a los seres, los objetos, los sentimientos con reputación de viles", y para alcanzarlo no le importa caer en la truculencia o la porquería, tratada en alguna ocasión con humor, como en los capítulos protagonizados por los piojos de Diario del ladrón. Pero la empresa narrativa de Genet adquiere grandeza por un heroísmo de la palabra, que hizo de él uno de los más influyentes escritores de su lengua. La suntuosidad carnal de su prosa y el rescate de una sonoridad que apela a la "belleza de las épocas muertas o moribundas" (Racine y Baudelaire resuenan en todo momento) se advierten de modo notorio en Milagro de la rosa, para mí la más lograda de sus novelas biográficas. En ella destacan, dentro de la galería de los ídolos masculinos genetianos, la recurrente figura del atrabiliario Harcamone, la boda gay (antes de que el concepto entrara en las legislaturas) de los cabezas rapadas, y un episodio de deslumbrante poder lírico, el milagro del título, que, a partir de la página 357, describe la entrada en el cuerpo del amado y el viaje físico y soñado por su interior, con una cadencia de fuertes imágenes sensuales que el autor condensa cuando, a punto de acabar el libro, afirma que "el beso es la forma de la primitiva ansia de morder, e incluso de devorar".

NASA recibe señal que creía de extraterrestres

2011-03-12T10:31:00.000-08:00

Aprincipios de febrero, el gigantesco radiotelescopio de 305 metros de diámetro instalado en Arecibo Puerto Rico, realizaba su cotidiana labor de búsqueda de señales de radio de origen extraterrestre (Proyecto SETI), cuando se topó con una señal de intensidad inusual que la NASA consideró como un probable señal proveniente de alguna civilización extraterrestre, según dio a conocer la agencia espacial.

"Nadie conoce la causa de esta señal. Existe la posibilidad de que se haya originado en una inteligencia extraterrestre", señala un comunicado publicado en internet, que muestra una fotografía con la gráfica de la señal detectada.

Los colores brillantes sobre el azul de fondo de esta, indican que una señal anómala fue recibida en la Tierra por un radiotelescopio involucrado en el programa de Búsqueda de Inteligencia Extraterrestre (Search for Extraterrestrial Intelligence, SETI).

De acuerdo con la NASA, distintos grupos realizan la investigación de estas señales, incluyendo a miembros voluntarios de la Liga SETI, agrupación de entusiastas en la búsqueda de inteleigencia extraterrestre.

Resultados del Concurso de crítica de Letras Libres

2011-03-06T12:32:00.000-08:00

Resultados del Concurso de crítica
Conforme a la convocatoria del Concurso de crítica de Letras Libres, publicamos a continuación la lista de diez seleccionados que pasan a la segunda etapa.

La revista está muy complacida por la entusiasta respuesta a la convocatoria y la calidad de los trabajos recibidos en la primera etapa. Se recibieron reseñas de autores originarios de varios países de América Latina y de España. De entre ellos, la redacción de Letras Libres seleccionó una decena. Les recordamos que estos diez críticos habrán de leer el mismo libro, Decencia, de Álvaro Enrigue (Anagrama, 2011) y entregar una reseña del mismo con una extensión de entre 1,000 y 2,000 palabras a más tardar el 31 de marzo. Un jurado compuesto por Fabienne Bradu, Ricardo Cayuela Gally, Christopher Domínguez Michael, Fernando García Ramírez y Rafael Lemus escogerá a uno de entre los diez participantes de esta segunda etapa, que será premiado con 50 mil pesos mexicanos y la publicación de su reseña en el número de mayo de la revista.

La redacción

Seleccionados para participar en la segunda etapa:

1. Ernesto Bottini
2. Alejandro García Abreu
3. Eduardo de la Garma
4. Manuel Guedán
5. Diajanida Hernández
6. José Eduardo Huchín
7. Omar Montero
8. Eduardo Rabasa
9. Karina Sainz Borgo
10. Cristian Vázquez

El poeta Sergio Mondragón es reconocido con el Premio Xavier Villaurrutia

2011-03-03T17:56:00.000-08:00

El mito de proteo felicita al poeta, escritor, editor, periodista, traductor y promotor cultural mexicano Sergio Mondragón por ser distinguido con el Premio Xavier Villaurrutia de Escritores para Escritores. El premio, el de mayor tradición que se entrega en México, será otorgado a Sergio Mondragón (1935) por su libro "Hojarasca". En el acta del jurado se señala que se concede el galardón porque se trata de un “poemario de diáfana imaginación y lucidez profunda”. Sergio Mondragón fue fundador y coeditor de la revista El Corno Emplumado, una publicación bilingüe de poesía en la que estuvieron presentes escritores mexicanos, latinoamericanos y estadounidenses.En los años ochenta Sergio Mondragón dirigió las actividades literarias del Instituto de Seguridad y Servicios Sociales de los Trabajadores del Estado, ISSSTE, desde donde llevó a cabo varias obras destacadas como la antología de poesía República de poetas que agrupa a 36 autores, en su mayoría mexicanos, y editó las revistas culturales Memoranda y Coatlicue. Sergio Mondragón es autor de los libros El aprendiz de brujo, Yo soy el otro, Pasión por el oxigeno y la Luna, El ocre de los lodos y Hojarasca. En 2002 se publicó la segunda edición de Las eras imaginarias, el cual contiene cuatro de los libros del poeta.
Realizó la traducción y antologación, junto con Atsuko Tanabe, de Un rebaño bajo el Sol. Antología de poesía japonesa moderna. El Premio Xavier Villaurrutia fue instituido en 1955, y se entregó por primera vez en 1956. Actualmente lo otorgan el Conaculta y el INBA. Lo han recibido autores como el Premio Nobel de Literatura mexicano Octavio Paz, Juan Rulfo, Carlos Fuentes, José Emilio Pacheco, Carlos Monsiváis.

Sergio Mondragón recibirá el galardón el próximo 27 de marzo en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

Seis mil pesos mensuales bastan para casa, coche y escuela privada: Cordero.

2011-03-02T06:45:00.000-08:00

¿Qué opinan?

Habría que preguntarle a este enfermo mental con cuánto dinero al mes vive él

Un sujeto fuera de la realidad, que vive en su propia locura, o cinismo, que para el caso resulta igual de brutal, para nosotros, ya que por alguna razón que quisiéramos entender razonablemente, ocupa un puesto público, declaró lo siguiente:

"Hay familias mexicanas que con ingresos de seis mil pesos al mes tienen crédito para una vivienda, tienen crédito para un coche, se dan tiempo de mandar a sus hijos a una escuela privada y están pagando las colegiaturas', de ahí que expresó la necesidad de mantener la estabilidad de precios en el país."

Luego agregó que "en la actual administración federal más de cuatro millones de familias en el país recibieron algún tipo de crédito." Lo cual, ciertamente no es un logro del gobierno, sino la consecuencia de las facilidades que otorgan las instituciones de crédito para obtener un crédito.

Además de decir que: 'Siempre, por alguna razón, los mexicanos somos más exigentes con respecto a lo que nos gustaría y eso hace que siempre tengamos una perspectiva más negativa de lo que los datos duros muestran'. Ya en este punto, está clara la apuesta: hay que entrar a la locura, y entonces, ser más positivos, y congruentes con los datos duros. Los mexicanos, es decir, los mismos que con 6 mil pesos pueden tener una vida cómoda y sin complicaciones, tienen una perspectiva negativa. Para nuestra desgracia, sólo Cordero los conoce.
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Revelan documento sobre secuestros de "alto impacto" en México.

2011-02-26T15:47:00.000-08:00

Reporte Índigo presenta en exclusiva el documento secreto de los secuestros de alto impacto cometidos en México. Contiene nombres y fotos de decenas de víctimas de secuestros ocurridos en los últimos 22 años, el modus operandi y las millonarias cifras exigidas como rescate. Todos los casos son imputados a esos grupos guerrilleros.

Presuntamente, el secuestro de Diego Fernández de Cevallos habría sido el plagio 22.

En las dos últimas décadas, se han llevado a cabo por lo menos 22 secuestros de alto impacto que han estremecido a la sociedad mexicana. Son historias sorprendentes por su logística, por el monto de los rescates y por la impunidad de los responsables.

Reporte Índigo da a conocer el documento secreto que relaciona 22 años de secuestros de alto impacto en México con grupos ligados al EPR, lo cual consta en un documento que tiene las siglas de la Secretaría de Gobernación, el Centro de Investigación y Seguridad Nacional (Cisen) y la Secretaría de la Defensa Nacional (Sedena).

Entre las 21 víctimas señaladas en el documento, se encuentran Jorge Sekiguchi, plagiado en 1988, así como Alfredo Harp Helú y Ángel Lozada Moreno, secuestrados en 1994.

También aparecen el empresario Ron Lavender, el presidente de la revista Mundo Ejecutivo, Walter Coratela —ambos plagiados en 2001—, Nelly Catalina Esper Sulaiman, secuestrada en 2006, Eduardo García Valseca y el empresario poblano Francisco Zorrilla Alanís, quienes fueron privados de su libertad en 2007.

El documento menciona a Alberto Romano Hadid, dueño de varios restaurantes de la cadena Sushi-Itto, secuestrado en octubre de 2001; Paola Gallo Delgado, secuestrada en 2000, y Javier García Navarro, hijo de Roberto García Maldonado, presidente de Grupo Canel’s, plagiado en junio de 2004.
En el documento fechado en julio de 2007, se incluye el plagio de García Valseca como “vigente”.

Horas antes de que Reporte Índigo publicara este documento, la organización armada TDR emitió un comunicado para puntualizar que García Luna engañó a García Valseca con su dicho y con “el reporte de un supuesto modus operandi similar al que desplegamos”.

El grupo armado acusa a Genaro García Luna y a integrantes de su equipo de proteger a secuestradores sanguinarios. Mencionan el caso de la comandante Lorena González Hernández, ex subdirectora del Área de Secuestros de la Policía Federal, quien fue acusada de participar en el plagio del menor Fernando Martí en 2008.

“Sonados casos, como el de Florence Cassez y otros como los que costaron la vida al joven Fernando Martí y a la hija del Sr. Nelson Vargas, prueban el involucramiento de los cuerpos policiacos en la actividad que debieran combatir y, especialmente, la descomposición existente en sus mandos, los que contra toda lógica, evidencia y denuncia ciudadana siguen protegidos, ni más ni menos, por el ejecutivo federal”, señala el comunicado emitido el 16 de febrero por TDR en el portal de Internet de grupos armados www.cedema.org [1].

La información inédita y las entrevistas exclusivas revelan un nuevo capítulo de la industria del secuestro de alto impacto en México y la impunidad que impera.

¿Cuál es el origen de las acusaciones mutuas que se hacen la SSP y el grupo guerrillero? ¿Se disputan la justicia o el negocio del secuestro?

¿Por qué si los 21 secuestros que se reseñan en el documento fueron perpetrados por los grupos armados, la SSP ahora niega a las víctimas la existencia del informe que hoy da a conocer Reporte Indigo?

¿Por qué, pese a que la Policía Federal afirma conocer el origen de los secuestros, la autoridad no ha avanzado en las investigaciones, lo cual abrió la puerta para que se cometiera otro plagio de alto impacto, el de Diego Fernández de Cevallos

Hasta 60% de mujeres sufren violencia durante relación de pareja

2011-02-20T10:22:00.000-08:00

Cerca del 60% de las mujeres que tienen una relación en México sufren violencia física y psicológica. La violencia puede ser desde cachetadas, mordidas, quemaduras de cigarro y también malos tratos psicológicos.

Ver nota: http://mx.news.yahoo.com/s/20022011/7/mexico-60-mujeres-sufren-violencia-relaci.html

He pasado la imagen...

2011-02-14T16:25:00.000-08:00

He pasado la imagen de los jardines ecuatoriales a la partitura.

Cuando regrese del viaje, mujer,

reconóceme por la melodía.

No fui a conquistar tierras lejanas,

fui por un obsequio,

a traerte aquel paisaje en esta canción de amor.

Villoro y el poder

2011-02-06T09:11:00.000-08:00

Les dejo este link que habla de Juan Villoro y el poder: www. impreso.milenio.com

Encuesta Nacional de Hábitos, Prácticas y Consumo Culturales 2010.

2011-01-30T20:19:00.000-08:00

Encuesta de lectura 2010. Interesante chéquenla.

La civilización del espectáculo. M. Vargas Llosa

2011-01-23T12:59:00.000-08:00

Espíritu, ideales, placer, amor, solidaridad, alma. El Nobel Mario Vargas Llosa se pregunta si estas palabras significan algo todavía. Con este texto inédito, el prólogo de su próximo libro- responde al papel de la cultura hoy, define lo que ha bautizado como la "civilización del espectáculo" y desarrolla su Alegato de defensa de los valores eternos

"Las horas han perdido su reloj"
Vicente Huidobro

Este ensayo fue naciendo en los últimos años sin que yo me diera cuenta, a raíz de la incómoda sensación que solía asaltarme a veces visitando exposiciones, asistiendo a algunos espectáculos, viendo ciertas películas, obras de teatro o programas de televisión, o leyendo ciertos libros, revistas y periódicos, de que me estaban tomando el pelo y que no tenía cómo defenderme ante una arrolladora y sutil conspiración para hacerme sentir un inculto o un estúpido.
Este libro es mi alegato de defensa. Cuando comencé a escribirlo descubrí que llevaba tiempo tocando algunos de sus temas de manera fragmentaria en artículos y polémicas, y eso explica que cada capítulo tenga como colofón unos "antecedentes" que reproducen aquellos textos tal como fueron publicados (con la ocasional corrección de una errata o una falta de puntuación). Pero he utilizado también, en algunos capítulos, partes, a veces muy amplias, de ensayos y charlas, introduciendo en estos textos, allí sí, enmiendas importantes. Pese a todos esos collages creo que el libro es un ensayo orgánico que fui elaborando a lo largo de años aguijoneado por un tema inquietante y fascinante: cómo la cultura dentro de la que nos movemos se ha ido frivolizando y banalizando hasta convertirse en algunos casos en un pálido remedo de lo que nuestros padres y abuelos entendían por esa palabra. Me parece que tal transformación significa un deterioro que nos sume en una creciente confusión de la que podría resultar, a la corta o a la larga, un mundo sin valores estéticos, en el que las artes y las letras -las humanidades- habrían pasado a ser poco más que formas secundarias del entretenimiento, a la zaga del que proveen al gran público los grandes medios audiovisuales, y sin mayor influencia en la vida social. Ésta, resueltamente orientada por consideraciones pragmáticas, transcurriría entonces bajo la dirección absoluta de los especialistas y los técnicos, abocada esencialmente a la satisfacción de las necesidades materiales y animada por el espíritu de lucro, motor de la economía, valor supremo de la sociedad, medida exclusiva del fracaso y del éxito, y, por lo mismo, razón de ser de los destinos individuales.
Ésta no es una pesadilla orwelliana sino una realidad perfectamente posible a la que, insensiblemente, se han ido acercando las naciones más avanzadas y libres del planeta, las del Occidente democrático y liberal, a medida que los fundamentos de la cultura tradicional entraban en bancarrota, se iban desintegrando, y los iban sustituyendo unos embelecos que han ido alejando cada vez más del gran público las creaciones artísticas y literarias, las ideas filosóficas, los ideales cívicos, los valores y, en suma, toda aquella dimensión espiritual llamada antiguamente la cultura, que, aunque confinada principalmente en una elite, desbordaba en el pasado hacia el conjunto de la sociedad e influía en ella dándole un sentido a la vida y una razón de ser a la existencia que trascendía el mero bienestar material del ciudadano. Nunca hemos vivido como ahora en una época tan rica en conocimientos científicos y hallazgos tecnológicos ni mejor equipada para derrotar la enfermedad, la ignorancia y la pobreza y, sin embargo, acaso nunca hayamos estado tan desconcertados y extraviados respecto a ciertas cuestiones básicas como qué hacemos aquí en este astro sin luz propia que nos tocó, si la mera supervivencia es el único norte que justifica la vida, si palabras como espíritu, ideales, placer, amor, solidaridad, arte, creación, alma, trascendencia, significan algo todavía, y, si la respuesta es positiva, qué es exactamente lo que hay en ellas y qué no. Antes, la razón de ser de la cultura era dar una respuesta a este género de preguntas, pero lo que hoy entendemos por cultura está exonerada por completo de semejante responsabilidad, ya que hemos ido haciendo de ella algo mucho más superficial y voluble, o una forma de diversión ligera para el gran público o un juego retórico, esotérico y oscurantista para grupúsculos vanidosos y de espaldas al conjunto de la sociedad.
La idea de progreso es engañosa. Quién, que no fuera un ciego o un fanático, podría negar que una época en la que los seres humanos pueden viajar a las estrellas, comunicarse al instante salvando todas las distancias gracias al Internet, clonar a los animales y a los humanos, fabricar armas capaces de volatilizar el planeta e ir destruyendo con nuestras prodigiosas invenciones industriales el aire que respiramos, el agua que bebemos y la tierra que nos alimenta, ha alcanzado un desarrollo sin precedentes en la historia de la humanidad. Al mismo tiempo, nunca ha estado menos segura la supervivencia de la especie por los riesgos de una confrontación atómica, la locura sanguinaria de los fanatismos religiosos y la erosión del medio ambiente, y acaso nunca haya habido, junto a las extraordinarias oportunidades y condiciones de vida de que gozan los privilegiados, el contraste de la pavorosa miseria y las atroces condiciones de vida que todavía padecen, en este mundo tan próspero, centenares de millones de seres humanos, y no sólo en el llamado Tercer Mundo, también en enclaves de horror y vergüenza en el seno mismo de las ciudades más opulentas del planeta.
En el pasado, la cultura tuvo siempre que ver con esos temas y fue a menudo el mejor llamado de atención ante semejantes problemas, una conciencia que impedía a las personas cultas dar la espalda a la realidad cruda y ruda de su tiempo. Ahora, más bien, lo que llamamos cultura es un mecanismo que permite ignorar los asuntos problemáticos, distraernos de lo que es serio, sumergirnos en un momentáneo "paraíso artificial", poco menos que el sucedáneo de una calada de marihuana o un jalón de coca, es decir, una pequeña vacación de irrealidad.
Todos estos son temas profundos y complejos que no caben en las pretensiones, mucho más limitadas, de este libro. Éste sólo quiere ser un testimonio personal, en el que aquellas cuestiones se refractan en la experiencia de alguien que, desde que descubrió, a través de los libros, la aventura espiritual, tuvo siempre por un modelo a aquellas personas cultas, que se movían con desenvoltura en el mundo de las ideas y que tenían más o menos claros unos valores estéticos que les permitían opinar con seguridad sobre lo que era bueno y malo, original o epígono, revolucionario o rutinario, en la literatura, las artes plásticas, la filosofía, la música. Muy consciente de las deficiencias de mi formación escolar y universitaria, durante toda mi vida he procurado suplir esos vacíos, estudiando, leyendo, visitando museos y galerías, yendo a bibliotecas, conferencias y conciertos. No había en ello sacrificio alguno. Más bien, el inmenso placer de ir, poco a poco, descubriendo que se ensanchaba mi horizonte intelectual, que entender a Nietzsche o a Popper, leer a Homero, descifrar el Ulises de Joyce, gustar la poesía de Góngora, de Baudelaire, de T. S. Eliot, explorar el universo de Goya, de Rembrandt, de Picasso, de Mozart, de Mahler, de Bartók, de Chéjov, de O'Neil, de Ibsen, de Brecht, enriquecía extraordinariamente mi fantasía, mis apetitos y mi sensibilidad.
Hasta que, de pronto, empecé a sentir que muchos artistas, pensadores y escritores contemporáneos me estaban tomando el pelo. Y que no era un hecho aislado, casual y transitivo, sino un verdadero proceso del que parecían cómplices, además de ciertos creadores, sus críticos, editores, galeristas, productores, y un público de papanatas inconscientes a los que aquellos manipulaban a su gusto, haciéndoles tragar gato por liebre, por razones crematísticas a veces y a veces por pura frivolidad.
Quiero dejar sentada mi protesta, por lo que pueda valer, que, lo sé, no será mucho. Hay demasiados intereses de por medio, helás. Probablemente, el fenómeno que este ensayo describe en unos cuantos apuntes no tenga remedio, porque forma ya parte de una manera de ser, de vivir, de fantasear y de creer de nuestra época, y que lo que este libro añora sea polvo y ceniza sin resurrección posible. Pero podría ser, también, ya que nada se está quieto en el mundo en que vivimos, que ese fenómeno, la civilización del espectáculo, perezca sin pena ni gloria, por obra de su propia inanidad y nadería, y que otro lo reemplace, acaso mejor, acaso peor, en la sociedad del porvenir. Confieso que tengo poca curiosidad por el futuro, en el que, tal como van las cosas, tiendo a descreer. En cambio, me interesa mucho el pasado, y muchísimo el presente, que sería incomprensible sin aquél. En este presente hay innumerables cosas mejores que las que vieron nuestros ancestros, desde luego: menos dictaduras, más democracias, una libertad que alcanza a más países y personas que nunca antes, una prosperidad y una educación que llegan a muchas más gentes que antaño y unas oportunidades para un gran número de seres humanos que jamás existieron antes, salvo para ínfimas minorías.
Pero, en un campo específico, aunque de fronteras volátiles, el de la cultura, creo que hemos retrocedido, sin advertirlo ni quererlo, por culpa fundamentalmente de los países más cultos, los de la vanguardia del desarrollo, los que marcan las pautas y las metas que poco a poco van contagiando a los que vienen detrás. Y asimismo creo que una de las consecuencias que podría tener la corrupción de la vida cultural por obra de la frivolidad, podría ser que aquellos gigantes, a la larga, revelaran tener unos pies de barro y perdieran su protagonismo y poder, por haber derrochado con tanta ligereza el arma secreta que hizo de ellos lo que han llegado a ser, esa delicada materia que da sentido, contenido y un orden a lo que llamamos civilización.
Juan Dolio, diciembre de 2010.

LA BELLEZA QUE SALVA

2011-01-16T09:06:00.000-08:00

A desprecio de algunos contemporáneos en el siglo veintiuno, creo en la obra artística como redención para el hombre. Creo en la Belleza que salva. El arte por el arte no me motiva. La creación artística suma algo más que habilidades y técnicas.
La obra de arte nos revela imagen de Dios, la creación del artista es la laguna diáfana donde se refleja el hombre creador. El arte nos desnuda en igualdad con el Artista supremo. El hombre en el instante creativo, en esos momentos de gracia, se enrola en Dios, se hace co-creador en él. “El poeta es un pequeño Dios”, profiere Vicente Huidobro, en su Arte poética.
Para la elaboración del arte, el creador transforma la realidad, no la copia, le da vida, espiritualiza el objeto artístico. Así, el sol emergiendo de las playas de Tulum, no es arte sino belleza. Todo arte implica el toque humano. Así como el Artista supremo da el ser, así la obra de arte, proyección del artista, se objetiviza. Hay que transformar, inventar, no copiar, pretender dar el ser. Ex nihilo sui et subiecti (“el que crea da el ser mismo, saca alguna cosa de la nada” y esto, en sentido estricto, es el modo de proceder exclusivo del Omnipotente, mientras que el hombre, es co-creador en él)[1]. Siguiendo esta línea de pensamiento, no se puede dejar a la elaboración artística en mero cosmético, ése sería el papel de la artesanía, el ornamento, pero no el de la obra maestra. El extranjero de Albert Camus, no es puro entretenimiento, el Guernica de Picasso, expresa más que cualquier cuadro que adorna una mesa de comedor; Black, de Pearl Jam, es mucho más que una tonada melancólica.
Creo en el arte, decía, como redención. En la obra artística el creador patenta su individualidad. Con el ser del arte revelamos nuestra persona única e irrepetible. Nos desprendemos de la masa para ser un Yo que se relaciona con un Tú, existir es coexistir, pero como personas, no como seres sin rostro. Los lienzos de Boticelli no se equiparan a los de Picasso. Así como el rock de Carlos Santana no se escucha igual a Fade to black de Metallica. El arte es expresión, y la expresión individualiza. En el arte hay técnica, seguro, pero hay también imaginación. Dice R. G. Collinwood: “el arte es la expresión imaginativa de la emoción”. Pienso en el arte como salvación, y rememoro algunos puñetazos de éste, que han sido nocauts en la integridad de mi ser, verbigracia: el drama teatral de Sartre, Huis Clos, y su frase “El infierno son los otros”. Algunos versos del poema de Verlaine Frente a Cristo::

“¡Oh Dios, de mi amor mi corazón heristeis,
y la herida, de amor está sangrando!
¡Oh Dios, de mi amor mi corazón heristeis!”.

Recuerdo también la obra Huapango de José Pablo Moncayo. Los versos de Piedra de sol de Octavio Paz que dicen: “(...) voy por tu cuerpo como por el mundo, / tu vientre es una plaza soleada (...)”. Una de mis canciones entrañables y que muy a menudo escucho: Alive de Pearl Jam. El arte en mi vida ha sido motivo para escudriñarme, para cambiar, para dar sentido a muchas cosas, para reflexionar. El arte con su belleza me ha salvado.
Fernando Botero, en entrevista con Silvia Lemus, asentía que si a los niños guerrilleros de Bogotá, les cambiaban el fusil por un violín, después, jamás se atreverían a matar a ningún hombre. En la intimidad del artista, con su creación, se va pariendo la belleza, y así deja de ser abstracción para plasmarse objetivamente; el creador es el primer contemplador de belleza, más que un rapto, como lo veía Kant, lo siento como una invitación a la consagración del instante, como lo entrevió Paz; en esa invitación al viaje de consagrar, el artista vislumbra un destello de eternidad. Bien lo intuyó Blake, al poetizar:

“Para ver el mundo en un grano de arena,
y el cielo en una flor silvestre,
abarca el infinito en la palma de tu mano y la eternidad en una hora.
Aquél que se liga a una alegría hace esfumar el fluir de la vida;
aquél quien besa la joya cuando ésta cruza su camino, vive en el amanecer
[de la eternidad”.

[1] S.S. Juan Pablo II, Carta a los artistas, “El artista, imagen de Dios Creador”, en http://www.multimedios.org/bec/etexts/artis13.htm.–

UN CONSEJO DE PESSOA

2011-01-12T11:46:00.000-08:00

Nada en su vida es sorprendente
nada, excepto sus poemas
Octavio Paz

El poeta es un fingidor ¿Y qué fue lo que realizó Pessoa con sus versos? Fingir; ser otro, otros. En sus heterónimos descubrimos poetas reales, poetas coherentes, voces propias y seres independientes. Sus poemas extraordinarios los salvaron del anonimato. La poesía salvo a Fernando Pessoa de su vida gris y mediocre. Muchos conocen los poemas pessosianos desdoblados por: Alberto Caerio, Álvaro de Campos y Ricardo Reis. Sólo algunos conocen la biografía y filosofía de cada heterónimo; pero solamente pocos conocen el estilo literario de sus personajes. Para José Saramago; Reis fue el alter ego de Pessoa, o por lo menos así nos lo mostró en su novela: El año de la muerte de Ricardo Reis.
¿Pero quién fue el poeta heterónimo Ricardo Reis? Según el baúl de manuscritos de Pessoa, Ricardo nació en Oporto el 19 de septiembre de 1887 a las 4:05 de la tarde (aunque su fecha correcta es inexacta porque el mismo Fernando mencionaba varias). De piel morena mate, con 1.70 metros de estatura y médico de profesión. Según su creador, Reis fue educado con los jesuitas, aunque termino aborreciendo el cristianismo. A Cristo lo veía como: uno más en el Panteón y en el culto. Creyó en el poder de la monarquía y tuvo principios conservadores, motivo por el cual tuvo que exiliarse en Brasil.
Consideraba que nadie es dueño de la verdad absoluta y para él, todo era relativo. Pudiera decirse que sus ideas coqueteaban con el epicureismo y el estoicismo. Muchos de sus breves poemas están cargados del carpe diem horaciano: dum loquimur, fugerit invida aetas: carpe diem, quam minimum credula postero.
Poeta pagano, defensor de la disciplina literaria y la forma. Sin duda influido por los poetas latinos, neoclásico.
Misántropo, prefirió los géneros clásicos altamente elaborados como el epigrama, la elegía y la oda, en suma: Ricardo Reis creyó en la forma. Reis es el heterónimo que más se aproximaba a su creador, tanto en el aspecto físico —fue moreno, de estatura media, caminaba algo curvado, era magro y tenía apariencia de judío portugués (Fernando Pessoa tenía ascendencia judía)— tanto en la manera de ser como en el pensamiento.
Según Federico Reis, la filosofía en la obra de su hermano se resume en un epicureismo triste. Reis a diferencia de sus hermanos heterónimos fue un ratón de biblioteca, conocedor de la mitología antigua, escribió en endecasílabos y heptasílabos.
Para muchos estudiosos de la obra pessosiana, Ricardo Reis es solamente un heterónimo más, para otros, una realidad tan tangible, tan exacta en genio y figura, como el Juan de Mairena de Machado.
Para Octavio Paz la poesía de Reis es como un dibujo lineal; precisa y simple. Y para comprobar lo anterior, analizaremos a continuación, un poema de Pessoa o mejor dicho un poema de Ricardo Reis su alter ego.

Para ser grande, sé entero: nada
tuyo exageres o excluyas.
Sé todo en cada cosa. Pon cuanto eres
en lo mínimo que hagas.
Así la luna entera en cada lago
brilla, porque alta vive.

Al vislumbrar este paisaje literario de Reis, encontramos un poema breve de seis versos, con una media silábica de decasílabos. Poema sin título. Rozando los linderos del aforismo. Aforismo que abandona sus territorios y se muta en poesía por la imagen de remate.

Para ser grande, pon cuanto eres
en lo mínimo que hagas. Sé entero.

Hasta aquí un aforismo impecable. No le sobra ni le falta ninguna frase. Redondo. Poema de formación. Por momentos esa sucinta lectura nos descubre la imagen de un gran maestro en el crepúsculo, a la orilla de un lago, con su discípulo, a quien el maestro predica:
Para ser grande, sé entero: nada
tuyo exageres o excluyas.
Sé todo en cada cosa. Pon cuanto eres
en lo mínimo que hagas.

Pero aquel maestro para rematar su consejo da un ejemplo señalando la luna y exclamando:

Así la luna entera en cada lago
brilla, porque alta vive.

Así tenemos al fin por la imagen, ni un aforismo ni consejo, sino un epigrama, es decir; un poema de Pessoa.

Advierten que uso de Blackberry puede causar adicción

2011-01-10T17:45:00.000-08:00

Al usar un Blackberry por largos periodos de tiempo se puede llegar a tener una adicción, la cual puede tener el mismo grado de peligro que el alcohol o cualquier otra sustancia adictiva, alertaron especialistas de la Universidad de Monterrey (UDEM)
La catedrática de Evaluación Clínica de la UDEM, Hermelinda Leal Treviño, dijo que la falta de seguridad en sí mismo, dependencia, incapacidad para relacionarse con otros, la ansiedad y estrés, son posibles características que puede desarrollar una persona adicta al Blackberry.
"Cuando se siente la necesidad de estar comunicado e interactuar con otros, el ser humano genera una inquietud que empieza a reaccionar a nivel orgánico, el cual afecta el sistema simpático que evita la tensión, generando estrés en la persona" expresó.
Este trabajo de investigación fue elaborado por colaboradores de la Agencia Informativa UDEM, en base a una recopilación de opiniones de expertos en psicología conductual de los jóvenes.
La especialista en adicciones de la institución privada, Minerva Cazares Escalera, señaló que "cuando no tienes señal, se acaba la pila, o por alguna razón se pierde el Blackberry, empieza un síndrome de abstinencia con cierta ansiedad y las personas pueden llegar a desesperarse".
"Así como cualquier sustancia adictiva, el Blackberry crea una dependencia ya que resulta atractivo y causa un placer a quién hace uso de este", añadió.
A su vez, el médico familiar de la UDEM, Anuar Canavati Assaf, advirtió que "el exceso de uso de esta tecnología, además del costo económico, puede ocasionar dolor de cabeza, problemas de visión, artritis, déficit de atención y hasta trastornos de sueño".
El teclado de un Blackberry mide aproximadamente seis por tres centímetros, con 35 botones, por lo que requiere mayor concentración de la vista, sentido que se ve afectado por lo diminuto del tamaño en el que está distribuido cada caracter.
"El adicto siente la necesidad de tener el Blackberry a la mano, observarlo constantemente para revisar los mensajes y estar pendiente de los sonidos que emite el aparato", agregó Canavati Assaf.
Comentó que alguien ve la pantalla del dispositivo para darse cuenta que, hace dos minutos no ha llegado ningún mensaje y si por algún motivo, no lo encuentra, empieza a generar estrés y ansiedad.
El consultor de aplicación de datos de Nextel, Juan Vivanco González, comentó, por su parte, que "la tendencia está muy enfocada a los jóvenes dentro de un rango de 18 a 28 años ya que les atrae el Blackberry Messenger, utilizando también el Internet y otras redes sociales".
De 10 mil aplicaciones que tiene el smartphone, la más utilizada por los jóvenes, en un 77 por ciento es el Blackberry Messenger, siendo la razón de su popularidad, de acuerdo a una encuesta realizada, con un margen de error del cinco por ciento, a 100 estudiantes de la UDEM.
La encuesta que fue aplicada del 15 al 19 de noviembre del 2010, obtuvo como resultado que el 64 por ciento utiliza su teléfono todo el tiempo y únicamente un 21 por ciento podría pasar más de una día sin tenerlo a la mano.
Una persona tiene 53 amigos en los contactos, sólo habla con 26 y, como lo muestra la encuesta, los usuarios del teléfono inteligente suelen conversar con la mitad o menos de sus amigos, resaltando aún más el mal uso que se le da al celular creado como herramienta empresarial.
Es así como la familia Blackberry se posicionó de manera adictiva en los usuarios de teléfonos celulares, para convertirse en el favorito de los jóvenes y adultos, señala la investigación de la Agencia Informativa UDEM.

Un cortometraje leonés. Martes 11 de enero de 2011 a las 18:00 h.

2011-01-09T09:24:00.000-08:00

PremierePantalla IMAX, Parque Explora18:00 horas / Entrada gratuita con boletoTRAILER

En una vieja casona de la calle Pedro Moreno en la ciudad de León, Guanajuato, una niña no ha dejado de causar miedo con sus extrañas apariciones. Este es el argumento sobre el que se desarrolla la película-cortometraje titulada La niña, producida por Richard Sheffield y dirigida por Moisés Casasola. La historia arranca con la observación que hace un forense sobre acontecimientos misteriosos que ocurren tras rentar un departamento en una zona antigua de la ciudad, hechos que lo llevan a investigar la presencia de una pequeña niña, así como de un vecino siniestro.

Con una duración aproximada de 35 minutos, esta cinta es una producción cien por ciento leonesa ya que el staff lo integran estudiantes y maestros de la Universidad Iberoamericana, Universidad Tecnológica de León, el Colegio Británico y el Centro Cultural San Gabriel. Obtén tus boletos gratis en: Av. Panorama 1104, Valle del Campestre; Av. Circunvalación 1154, Jardines del Moral y Blvd. Adolfo López Mateos 2301, Jardines del Moral. Mayores informes en http://voletin.com/sistema/link.php?M=136751&N=1197&L=251&F=H.

Los mejores libros del año 2010 ¿Será? Denme su opinión.

2011-01-02T09:49:00.000-08:00

Los autores de Los mejores libros de 2010 de Babelia, según 55 críticos y periodistas de la revista literaria y cultural de EL PAÍS son: Coetzee, Yeats, Piglia, Vargas Llosa, Guelbenzu, Talese, Judt, Vila-Matas, Pacheco, Zambrano, Giralt y Lahiri.
Las memorias y autobiografías noveladas son la gran revelación del año. El ensayo y la poesía vuelven a eclipsar el dominio de la novela. Los encuestados citaron más de 250 títulos y entre los veinte primeros la mitad son autores en español.
Claves de la encuesta
Las puntuaciones de los críticos
Los 20 mejores libros elpais.com

1 DE 12

1 J. M. Coetzee
Verano (por Colm Tóibín)
La tercera parte de las memorias del Nobel sudafricano es un excelente ejercicio literario en el cual da un paso más allá en la manera de contar la propia vida y sincronizar géneros. El foco son unos hechos clave que determinaron su destino.

CRÍTICA - Vídeo - CAPÍTULO

Por géneros

Novelas en español
Ricardo Piglia ‘Blanco nocturno’ (Anagrama).
Mario Vargas Llosa ‘El sueño del celta’ (Alfaguara).
José María Guelbenzu ‘El amor verdadero’ (Siruela).
Enrique Vila-Matas ‘Dublinesca’ (Seix Barral).
Almudena Grandes ‘Inés y la alegría’ (Tusquets).

Novelas traducidas
Jean Echenoz ‘Correr ’ (Anagrama).
Herta Müller ‘Todo lo que tengo lo llevo conmigo’ (Siruela).
Vasili Aksiónov ‘Una saga moscovita’ (La otra orilla).
Hans Keilson ‘La muerte del adversario’ (Minúscula).
Pierre Michon ‘Los once’ (Anagrama)

Cuentos
Jhumpa Lahiri ‘Tierra desacostumbrada’ (Salamandra).
Juan Eduardo Zúñiga ‘Brillan monedas oxidadas’ (Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores).
Julio Ramón Ribeyro ‘La palabra del mudo’ (Seix Barral).
Alice Munro ‘Demasiada felicidad’ (Lumen).
Kazuo Ishiguro ‘Nocturnos’ (Anagrama).

Poesía
W. B. Yeats ‘Poesía reunida’ (Pre-Textos).
Jose Emilio Pacheco ‘Tarde o temprano’ (Poemas 1958-2009) (Tusquets).
Blas de Otero ‘Hojas de Madrid. Con la Galerna (1968-1977)’ (Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores)
Juan Antonio González Iglesias ‘Del lado del amor’ (Visor).
Ted Huhges ‘El azor en el páramo’ (Bartleby).

Ensayo
Tony Judt ‘Algo va mal’ (Taurus).
Jacobo Siruela ‘El mundo bajo los párpados’ (Atalanta).
María Zambrano ‘Esencia y hermosura. Antología’ (Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores).
José Luis Pardo ‘Nunca fue tan hermosa la basura’ (Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores).
Santos Juliá ‘Hoy no es ayer. Ensayos sobre la España del siglo XX’ (RBA).

Memorias y autobiografías noveladas
J. M. Coetzee ‘Verano’ (Mondadori).
Marcos Giralt torrente ‘Tiempo de vida’ (Anagrama).
Rafael Argullol ‘Visión desde el fondo del mar’ (Acantilado).
Félix de Azúa ‘Autobiografía sin vida’ (Mondadori).
Miklós Bánffy ‘El reino dividido’ (Libros del Asteroide).

Otras perspectivas
Joe Sacco ‘Notas al pie de Gaza’ (Mondadori)
José-Carlos Mainer ‘Historia de la literatura española. Modernidad y nacionalismo (1900-1939) Vol. 6’ (Crítica).
Martin y Borja de Riquer ‘Reportajes de la historia’ (Acantilado).
Geoffrey Parker ‘Felipe II’ (Planeta).
Anna Caballé ‘Carmen Laforet. Una mujer en fuga’ (RBA).

Autores a descubrir
Miguel Syjuco ‘Ilustrado’ (Tusquets).
Marek Bienczyk ‘Tworki (El manicomio)’ (Acantilado).
Wells Tower ‘Todo arrasado, todo quemado’ (Seix Barral).
György Dragoman ‘El Rey blanco’ (RBA).
Sibylle Lewitscharoff ‘Apostoloff’ (Adriana Hidalgo).

"Cisne Negro" la nueva película de Darren Aronofsky

2010-12-30T11:00:00.001-08:00

“Cisne negro” narra la historia de Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.

2010-12-27T15:50:00.000-08:00

Convocan a las letras de la ciudad

El Patronato de la Feria Estatal y el Instituto Cultural de León (ICL), convocan a los escritores, literatos, historiadores, profesores, investigadores, estudiantes y al público guanajuatense en general o residentes en el estado a participar en los Premios de Literatura León 2011.

Los interesados podrán participar en las categorías de Ensayo Histórico sobre Guanajuato, Cuento Corto y Poesía Libre. En caso de resultar ganadores recibirán como premio único la cantidad de 12 mil pesos por cada modalidad.

Con la premisa de aceptar sólo un trabajo por autor para cada uno de los géneros, los trabajos deberán ser originales e inéditos, escritos en español con un máximo de 30 y un mínimo de 20 cuartillas para Ensayo Histórico sobre Guanajuato; de 10 a 20 para Poesía Libre y de tres a cinco para Cuento Corto.

Es importante destacar que para la categoría de Ensayo Histórico sobre Guanajuato, los trabajos deberán contemplar sucesos ocurridos en la ciudad de León o alguna otra ciudad del estado.

La fecha límite para entregar o enviar los manuscritos a las oficinas del Instituto Cultural de León, el cual se encuentra ubicado en la calle Justo Sierra 202, del Centro Histórico, será el miércoles 12 de enero de 2011.

El fallo, se emitirá el 21 de enero por un jurado calificador integrado por tres reconocidos especialistas, quienes tendrán la facultad de declarar desierto alguno o todos los géneros.

Posteriormente, el martes 25, los nombres de los ganadores serán publicados en el sitio en internet del ICL. Los trabajos podrán ser utilizados por el Patronato de la Feria Estatal de León para los fines que a éste convengan, otorgando debida acreditación al autor.

La premiación se efectuará el domingo 30 de enero de 2011, en el marco de las tradicionales festividades de la ciudad de León.

Para mayor información te invitamos a consultar las bases:

http://www.institutoculturaldeleon.com/images/stories/difusion/cartel%20poesia.pdf

2010-12-18T17:51:00.000-08:00

La amante de Mussolini
Por Carlos Bonfil

Tomada de la Jornada, con fines de difusión clutural

(Aquí les dejo esta esplendida reseña crítica del filme)

Milán, 1914. Ante el estallido de la primera guerra mundial, el joven militante de izquierda y provocador ateo Benito Mussolini (Filippo Timi) declara púbicamente su fe nacionalista, apoyando sin reservas el involucramiento de Italia en el conflicto bélico. Indignados por este sorpresivo rechazo al pacifismo, sus correligionarios de partido deciden expulsarlo de sus filas, lo que lanza al impetuoso militante a publicar su propio periódico de propaganda fascista. Se inicia así la irresistible carrera que en poco tiempo lo vuelve líder político de toda Italia. Entre las personas subyugadas por la arrebatada oratoria del nuevo dirigente, destaca su amante Ida Dalser (Giovanna Mezzogiorno), una vehemente figura romántica que lo apoya financieramente y secunda con lealtad sus posturas ideológicas. Cuando descubre que Mussolini tiene una esposa y un hijo, acepta su condición de amante clandestina, pero persiste en desplazar a su rival hasta lograr que el futuro Duce la despose también a ella y acepte tener un hijo suyo.
En La amante de Mussolini (Vincere), el realizador Marco Bellocchio, cuya implacable disección de la familia y la religión católica en Italia arranca desde su notable cinta Con los puños en los bolsillos (I pugni in tasca, 1965), presenta en la historia de Ida Dalser la metáfora de la fascinación del pueblo italiano por un dictador y la penosa retribución de este hombre a una entrega semejante. El título original, Vencer, alude a un himno fascista. Mussolini desconoce cualquier tipo de reciprocidad con el pueblo, o con la mujer, que lo venera; el culto que rinde a su propia persona es delirante, como también su manía de compararse ventajosamente con figuras de culto público como Napoleón o Cristo. La cinta narra el itinerario de una doble enajenación, la del dictador ebrio de poder y megalomanía, y la de su esposa clandestina, quien a todo precio busca la legitimación social, a pesar de estar recluida en un manicomio y condenada a ser un paria absoluto en la nueva nación fascista. Amante y esposa incómoda, Ida Dalser es privada de todo reconocimiento por la decisión de Mussolini de no incomodar a una jerarquía católica a la que acaba de reconocer y que lo consagra entusiasta, pero que condenaría su condición de hombre bígamo.
Para obtener una mejor recreación histórica y una inmediatez narrativa, Bellocchio recurre con habilidad a material de archivo y a no pocos extractos de películas populares que ilustran convenientemente la trama. Luego de un arranque en el que se yuxtaponen caprichosamente las cronologías, retrocediendo de 1914 al año 1907, en que el joven Mussolini seduce a Ida Dalser, la cinta prosigue hasta 1945 su crónica sentimental, a la vez trágica y patética. Destaca la formidable caracterización de Giovanna Mezzogiorno y la revelación de Fabrizio Costelli como Benito Albino, el hijo bastardo que paulatinamente compartirá los delirios de sus padres. El drama pronto rebasará el terreno estrictamente sentimental para volverse un comentario muy ácido sobre la sumisión voluntaria de todo un pueblo a una ideología populista anclada en el totalitarismo y la intolerancia religiosa. Pocos directores conservan hoy, al abordar estos temas, la capacidad de indignación y el acerado filo crítico de este viejo enfant terrible del cine italiano. Hay algo, sin embargo, que sorprende todavía más: el realizador acompaña, mejor que nunca, el discurso político incisivo con imágenes de un lirismo intenso. El hijo del dictador parodiando en una escena desgarradora las grotescas gesticulaciones de su padre, tiene como inesperado complemento estilístico la calma melancolía y el vano combate de Ida Dalser, quien desde los barrotes de su celda contempla la caída nocturna de la nieve.
La cinta es a la vez el relato de una derrota personal y colectiva: la engañada amante de Mussolini resume e ilustra los años de plomo que la dictadura fascista impone a un pueblo mistificado. No hay un despertar realmente liberador a la caída del dictador y tampoco en la Italia actual que una vez más asiste complaciente a los desvaríos de sus nuevos líderes. Tal parece ser en definitiva el señalamiento mayor del veterano Bellocchio, ese infatigable fustigador de la venalidad política.
carlos.bonfil@gmail.com

Teólogo Leonardo Boff asegura que Iglesia católica vive "la peor crisis"

2010-12-14T07:24:00.000-08:00

El teólogo brasileño Leonardo Boff aseguró hoy en Ciudad de México que la Iglesia católica vive "la peor crisis" por los casos de pedofilia que involucran a sacerdotes y por "la acumulación de poder de clérigos y la Santa Sede".
Boff, uno de los más destacados representantes de la teología de la liberación, consideró que esta crisis ha provocado que cada vez "haya más fieles que emigran hacia otros cultos".
"Esta profunda crisis que enfrenta la Iglesia católica es peor que la de la Reforma", insistió al responsabilizar a los "obispos, cardenales y presbíteros" de esta situación y no a los fieles.
Boff impartió hoy la conferencia magistral "Iglesia y Nuevos Retos" en Casa Lamm, en Ciudad de México, invitado por organizaciones como el Centro Nacional de Comunicación Social (Cencos).
El filósofo y escritor brasileño cuestionó el liderazgo del Papa Benedicto XVI al aseverar que aunque es "un gran profesor de teología (...) no tiene la altura de un pastor para encabezar a más de mil millones de personas".
Con respecto al fenómeno de la pedofilia, y que en los últimos años ha puesto en jaque a la Iglesia católica, Boff consideró que esta situación se agudizó con el apoyo que en su momento brindó Juan Pablo II al sacerdote mexicano Marcial Maciel, fundador de los Legionarios de Cristo, involucrado en pedofilia.
"Es una de las peores vergüenzas para El Vaticano (...), Maciel era un pecador público, un criminal, un ladrón, un pedófilo que incluso agredió a sus propios hijos", dijo.
El sacerdote mexicano Marcial Maciel (1920-2008), fundador de la congregación Legionarios de Cristo, fue enviado a retiro en 2006 por Benedicto XVI por los abusos que cometió durante décadas.
El pasado 1 de mayo el Vaticano confirmó los "gravísimos y objetivamente inmorales" comportamientos de Maciel.
Para Boff, "la Santa Sede, con todo el poder que posee, ha intentado aliviar la gravedad de la situación, primero diciendo que eran calumnias, envidias y un complot que al final de cuentas tuvo que aceptar pero no tratando los abusos como crímenes sino como pecados".

'El Ponchis' tenía desde chico tendencia a la maldad

2010-12-12T17:43:00.000-08:00

Fernando Botero, en entrevista con Silvia Lemus,

asentía que si a los niños guerrilleros de Bogotá,

les cambiaban el fusil por un violín, después,

jamás se atreverían a matar a ningún hombre.

Cuando apenas era un bebé, su padre lo llevó de San Diego, en Estados Unidos, a Juitepec, Morelos, para que viviera con su abuela paterna Carmen Solís Gil. Jamás imaginarían que el pequeño se convertiría en un sicario bajo las órdenes del Cártel del Pacífico Sur.
Documentos del condado de San Diego de 1999 empleados para adopciones señalaban entonces a la señora Solís Gil, nacida en 1926, como la madre de Edgar N y Lina Ericka, mientras que en el acta de nacimiento de Elizabeth la abuela paterna aparece también como la madre.
Estos son algunos de los detalles de la vida de "El Ponchis", quien fue detenido por el Ejército la noche del pasado jueves en el aeropuerto internacional de Morelos, Mariano Matamoros, cuando se disponía a abordar un avión que lo llevaría a la ciudad fronteriza de Tijuana, para luego trasladarse a San Diego, California.
"El niño la adoraba (a la abuela), y veíamos cómo la abrazaba como si ella fuera su madre", señala al diario San Diego Union Tribune un familiar que prefirió ser no identificado por temor a represalias.
Algunos de los vecinos de Edgar en Juitepec aseguraron que su padre se había vuelto a casar, por lo que él fue criado por Carmen Solís, quien falleció hace varios años.
Ya asentados en Morelos, el llamado "niño sicario" comenzó con su educación primaria, pero cuando tenía entre 7 y 8 años fue expulsado del colegio por golpear a una niña y enrolarse constantemente en peleas con otros menores, dice uno de sus profesores de Educación Física.
"Era un niño descuidado. El director (de la escuela) ponía mucha atención en él, lo consentía y le llamaba 'mi Ponchis' ", sobrenombre que le dio su familia a los cuatro años cuando era apenas un niñito regordete.
De aspecto casi siempre desaliñado, Edgar solía pasar el tiempo vagando con chicos mayores, hasta convertirse en una especia de mobiliario de las calles de la zona, algunas veces esperando a sus amigos afuera del colegio después de clases, agrega el maestro.
"Es difícil imaginar que ha sido tan cruel, que estuvo degollando y desmembrando personas", dice el catedrático, pero finaliza con un "sí, tenía una tendencia a la maldad".
Mientras esto ocurría en Jiutepec, su madre, Yolanda Jiménez Lugo, comenzaba una nueva vida en San Diego, específicamente en el barrio de Logan Heights, donde fue arrestada por la Patrulla Fronteriza y vive desde hace aproximadamente ocho años. Allí compartía un departamento con sus pequeñas y su padre, Gabriel Aguirre Manuel, con quien Jiménez se casó en 2008.
La madre de "El Ponchis" se dedicaba a vender cosméticos en el barrio, y según señalaron vecinos al diario local, frecuentemente tocaba las puertas de otros departamentos para invitar a la gente a la iglesia o para hablarles de Dios.
Incluso el propietario de los departamentos se mostró consternado con la noticia cuando fue contactado por el San Diego Union Tribune. "Estamos muy preocupados por ella. Nunca tuvimos ningún problema".
Ambas hijas de Yolanda, Lina Ericka y Elizabeth visitaron en años recientes a su madre en San Diego. En 2008, las jóvenes pasaron varios meses en Logan Heights y eventualmente recogían del colegio a sus medias hermanas.
Aunque en ocasiones mencionaba a sus hijas, personas cercanas a la familia señalan que Jiménez Lugo jamás les habló de su hijo Edgar.

Wikileaks. "Cada dossier elaborado por un servicio secreto, está compuesto por recortes de prensa." Umberto Eco.

2010-12-06T09:16:00.000-08:00

Umberto Eco afirma en una columna publicada en el diario francés Libération que WikiLeaks es un escándalo "aparente" porque "sólo resulta tal frente a la hipocresía que rige las relaciones entre los Estados, los ciudadanos y la prensa". Sin embargo cree que el caso anuncia "profundos cambios a nivel internacional".
"El informante es perezoso, escribe Eco, y perezoso es también el jefe de los servicios secretos". "Entonces, ¿por qué las revelaciones sobre esos informes hacen tanto ruido?", se pregunta. Según él, este escándalo confirma algo ya sabido: que "al menos desde el fin de la Segunda Guerra Mundial, y desde que los jefes de Estado pueden comunicarse por teléfono o tomar un avión para encontrarse a cenar, (las embajadas) han perdido su función diplomática y, excepción hecha de algunos pequeños ejercicios de representación, se han transformado en centros de espionaje".
Pero, dice Eco, "el hecho de repetirlo públicamente viola el deber de hipocresía y sirve para colocar bajo una mala luz a la diplomacia norteamericana".
En cuanto a lo que llama "la naturaleza profunda de lo sucedido", Eco dice que a diferencia del Big Brother (Gran Hermano) concebido por George Orwell en una profecía que considera cumplida - la del el ciudadano convertido en víctima total del ojo del poder-, "cuando se demuestra, como ahora, que ni las criptas de los secretos del poder pueden escapar al ojo de un hacker, la relación de control deja de ser unidireccional y se vuelve circular". Y explica: "El poder controla a cada ciudadano, pero cada ciudadano, o al menos el hacker, puede conocer todos los secretos del poder".
Formula entonces la pregunta ineludible: "¿Cómo puede sostenerse un poder que ya no tiene la posibilidad de conservar sus propios secretos?". Aun cuando considera que en verdad los secretos develados son "vacíos" por tratarse de datos de dominio público como el carácter de ciertos jefes de Estado, "revelar, dice, como lo hace WikiLeaks, que los secretos de Hillary Clinton eran secretos vacíos significa quitarle todo poder". Su conclusión es que "WikiLeaks no hizo ningún daño a Sarkozy o a Merkel, pero hizo uno muy grande a Clinton y a Obama".
A futuro, cree el escritor, "los Estados no podrán ya poner en línea ninguna información reservada porque ello implicaría publicarla en un afiche callejero". "¿Cómo podrán mantenerse en el futuro relaciones privadas y reservadas?", se pregunta. Su profecía es que habrá una regresión a los métodos de antaño e imagina "a los agentes del gobierno desplazándose discretamente en diligencias por itinerarios imposibles de controlar, llevando sólo mensajes aprendidos de memoria, o a lo sumo, escondiendo unas pocas informaciones escritas en el taco del zapato". Guardar informaciones en copia única en cajones cerrados con llave será más seguro que confiarlas a la red ya que, finalmente, "el intento de espionaje del Watergate tuvo menos éxito que WikiLeaks".

Julian Assange, el creador de Wikileaks. ¿El periodismo convenenciero habrá muerto?

2010-12-04T09:36:00.000-08:00

Julian Assange es el creador del portal de Internet Wikileaks, encargado de sacar a la luz pública documentos confidenciales relacionados con la inteligencia militar de Estados Unidos y de otros países armamentistas.

Tiene 39 años, es australiano, se llama Julian Assange y es el fundador de Wikileaks, un sitio de internet con el que tiene en jaque a Estados Unidos: allí están a la luz pública sus más valiosos secretos de las guerras de Irak y Afganistán. Además, el pasado domingo 28 de noviembre en su site se comenzaron a publicar los cables diplomáticos emitidos por la embajada de E.U. (más información aquí). Todos los medios del planeta hablan de Assange, pero, ¿quién es en realidad el ahora más influyente periodista del mundo?, ¿no le da susto semejante reto?, ¿dónde duerme?, ¿por qué lo hace?

El 12 de julio del 2007 durante una mañana soleada, un helicóptero norteamericano abrió fuego contra unas personas que caminaban tranquilas por una céntrica calle de Bagdad. El piloto se reía mientras relataba a través del radio su hazaña: “¡Vaya. Les di! Ja ja ja”. En ese ataque murieron 18 civiles, dos de ellos empleados de la agencia de noticias Reuters, y fueron gravemente heridos dos niños. Ciudadanos que trataron de auxiliar a los heridos también fueron acribillados con balas de 30 milímetros disparadas desde la nave. El alto mando estadounidense ocultó esta matanza hasta que Julian Assange la reveló en el sitio de internet Wikileaks.Assange es el activista de moda en el mundo. Sus hazañas son monumentales: volteó el curso de las elecciones en Kenia; desenmascaró la cienciología; cambió la legislación sobre libertad de prensa en Islandia; destapó la verdad de los presos políticos en Guantánamo y reveló las operaciones corruptas de la banca europea. Pero la proeza que le dio fama global fue la publicación de 90 mil documentos secretos sobre la guerra norteamericana en Afganistán, en julio de este año, más la revelación, hace unas semanas en Wikileaks de 400 mil documentos sobre la guerra en Irak. Con esto Assange agregó a su ya notable lista de enemigos, a Estados Unidos.

¿Quién es este hombre pálido y desgarbado, que sin empuñar jamás un arma puso en jaque a la superpotencia? ¿Por qué un joven de inteligencia sobresaliente y prometedor futuro en la academia o la industria informática, lo abandonó todo y emprendió una quijotesca campaña contra la maldad? Brillante estudiante de física y matemáticas, y destacado hacker, Julian Assange es un australiano de 39 años que desde su adolescencia escogió el camino que hoy sigue con una serenidad y fortaleza que asombran: un periodista activista, como él mismo se define, militante furibundo de la “transparencia radical”. Su obsesión es revelar las verdades ocultas, publicar documentos clasificados que esconden toda clase de infamias, y poner al desnudo las atrocidades de los poderosos y de los criminales. Assange asumió con mesianismo su paso por este mundo. Debido a las constantes amenazas de muerte que recibe y a la larga y pasmosa lista de enemigos –entre los que se destacan carteles de la mafia, las agencias de seguridad de varias naciones, entre ellas las estadounidenses y la banca internacional–, Assange lleva una vida errante y semiclandestina. Pocos conocen su paradero exacto, casi nadie sabe el lugar en donde dormirá esta noche y crece a diario el número de países que se niegan a recibirlo. Su madre cuenta desde Australia que su hijo está perdiendo el cabello debido a la vida azarosa que lleva, combatiendo a los imperios más poderosos de la Tierra. El hombre de las 37 escuelas. Sin embargo, no se trata de un estereotipado personaje de leyenda. No mira al infinito cuando habla, ni proclama ideas políticas complejas o revolucionarias. Y parece manejar muy bien el enorme peso que lleva a cuestas, pues se presenta puntual a las conferencias internacionales y aparece en televisión en un tono tranquilo y lúcido, que hace olvidar al público lo que le espera una vez salga del estudio y vuelva a la oscuridad de la vida subrepticia. “Los hombres generosos no crean víctimas, sino que cuidan de ellas”, responde cuando le preguntaron por qué hace lo que hace. “Vigilar a los criminales es una forma de proteger a las víctimas”.

Nació en Townsville, Australia, en 1971, y debido al trabajo de sus padres en la industria cinematográfica, llevó de niño una vida tan errabunda como ahora; él mismo afirma que pasó por 37 escuelas y vivió a los 9 años la aventura de fugarse junto con su madre y hermano, de una secta religiosa en la que habían caído prisioneros por culpa de su padrastro. Después vendría la adolescencia y con ella su faceta geek.

Julian se enamoró de la tecnología y con esfuerzo autodidacta dominó las complejidades de la programación. Fue el hacker más connotado de Australia y tuvo su bautizo de fuego con la penetración de los sistemas de una empresa telefónica, hazaña por la que pagó algunos días de cárcel, como todo hacker que se respete. “Desde que la mafia rusa se dedicó a saquear las cuentas bancarias de las abuelitas, la palabra hacker ya no suena agradable como en el pasado”, explica cuando pide que no lo califiquen con tal denominación. Como era de esperarse por sus ideas libertarias, Assange es un partidario declarado de Linux y del software libre y contribuyó a la comunidad de desarrolladores con varias piezas de software, entre las que se destaca Stoiber, el primer programa gratuito para escanear puertos, escrito en 1995. Dos años después ayudó a desarrollar un programa de criptografía para que los activistas de derechos humanos protejan su información con mayor seguridad.“Me gusta aplastar bastardos”.

Asombra en quienes le conocen la rara combinación del periodismo y la tecnología en una única pasión: revelar la verdad, según él mismo lo explica. Pasión que lo llevó a abandonar los estudios de física en la Universidad de Melbourne, para fundar en el 2006, el proyecto Wikileaks, para que cualquier ciudadano del planeta pudiera poner allí documentos secretos del tema que fuera. La idea original era que la gente publicara directamente (de allí el nombre wiki, como en wikipedia), pero hoy un equipo de casi 800 periodistas voluntarios revisa minuciosamente cada documento que es recibido, para verificar su autenticidad.

LA POBRE TAREA DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN

Como periodista, Julian Assange es objeto de polémica; para algunos, Wikileaks es una revolución en el periodismo mundial. Allí se han publicado en cuatro años más documentos secretos que en la historia del periodismo, lo cual –en palabras de Assange– indica la pobre tarea que los medios están haciendo. El rigor de Wikileaks es reconocido; la verificación de un documento se realiza enviando periodistas al país de origen para investigar los detalles y corroborar los datos, todo gracias al aporte financiero de varias fundaciones. Pero muchos editores de grandes medios en el mundo tildan a Assange de irresponsable porque al revelar nombres de personajes involucrados en documentos clasificados, pone en riesgo la vida de muchas personas. De hecho, tal fue la acusación de Estados Unidos en su contra, cuando publicó los secretos militares en Afganistán, en donde hay nombres e imágenes de personal militar de la potencia en la región de conflicto.Assange despierta amores y odios. Se dice que el Pentágono creó un grupo especial de 120 agentes de inteligencia que tendrían la misión de neutralizarlo. “Si Wikileaks no hace lo correcto por los medios legales, utilizaremos cualquier medio”, dijo el secretario de Defensa de Estados Unidos, Robert Gates, cuando exigió a Assange que devolviera los documentos militares en su poder. Nada de eso parece asustar a este hombre, obsesionado con liberar el acceso público a la información y traer a la luz las verdades escondidas. “Me gusta aplastar bastardos”, dice. Y, hasta ahora, no existe poder alguno que se lo impida.

El arco de la lectura

2010-11-28T17:29:00.000-08:00

Estudiantes de la Universidad de Guanajuato campus León promueven proyecto para estimular lectura
Con tal de tapizar el Arco de la Calzada con 18 mil libros, en su segundo día de actividades se registró la donación de 16 mil títulos, hasta el momento la respuesta de la gente según comentarios de los organizadores ha sido positiva, asimismo tendrán la oportunidad de donar libros hasta el 3 de diciembre, día que será colocado la última obra literaria.
Desde el pasado viernes durante la inauguración el encargado de colocar el primer libro fue el alcalde Ricardo Sheffield, con la "La Divina Comedia" de Dante Alighieri, el segundo lo colocó el rector de la Universidad de Guanajuato campus León, José Luis Lucio Martínez.
Esta incitativa se realiza por primera vez en la República Mexicana por los estudiantes de la Universidad de Guanajuato Campus León, siendo sede la ciudad zapatera con la propuesta de fomentar la lectura en la región. El proyecto fue organizando hace siete con la finalidad de emular el proyecto que se realiza desde el 2001 en la Puerta de Alcalá, en Madrid España.
El Arco de la Lectura, desde su apertura, ha sido visitado por escritores leoneses como René Avilés Fabila, Herminio Martínez y Juan Carlos Porras, entre otros.
Para esta edición del Arco de la Lectura pretende abrir 18 salas de Lectura en León y para el próximo año se pretende abrir 100 salas más. Por el momento, pretenden mantener cubierto el arco durante 10 días, con vigilancia las 24 horas por parte de Seguridad Pública, y después serán llevados

'Secreto 1910' (los entretelones de la Revolución mexicana).

2010-11-21T11:00:00.000-08:00

Secreto 1910 es una novela histórica que versa sobre la conspiración internacional para detonar la Revolución Mexicana, del autor, Leopoldo Mendívil López, editado por ALPE.

Secreto 1910 es una novela de investigación histórica sobre los trece días más cruciales de la Revolución Mexicana, los trece días que antecedieron al asesinato del presidente Francisco Madero. El libro constituye la revelación de las verdaderas causas y motivaciones internacionales que desencadenaron la Revolución Mexicana. El secreto que ha esperado 100 años... El gobierno lo sabe. Los historiadores lo saben. El 95% de la gente no lo sabe, La Revolución Mexicana no fue planeada en México. Léanlo es importante saber que todos los intereses políticos tienen un trasfondo económico mundial.

Teatro en León noviembre 2010

2010-11-13T07:40:00.000-08:00

Les dejo el link con la cartelera: http://www.institutoculturaldeleon.com/images/stories/difusion/9noencuentrodeteatro.pdf

Analiza UNAM a ‘ninis’

2010-11-06T14:49:00.000-07:00

El estudio realizado por el Instituto de Investigaciones Sociales de la UNAM sobre los denominados ‘ninis’, jóvenes que ni estudian ni trabajan, pronto llegará a Guanajuato para conocer la situación que prevalece en la entidad.
Alberto Diosdado, secretario de Educación del Estado, consideró que el trabajo que se debe realizar deberá ir encaminado a establecer la manera en que se puede dar algún tipo de ocupación a ninis.
“Para nosotros como sector educativo lo importante es darles una formación”, explicó el funcionario estatal, quien remarcó la importancia de esperar un estudio para de ahí atender a esta población.
Diosdado dijo que por medio del Instituto Estatal de la Juventud de Guanajuato (Inejug) se pretende evaluar las condiciones de estos jóvenes para tomar acciones concretas.
“Hemos hecho una solicitud a través del Instituto de la Juventud de que nos proporcionen la parte correspondiente a Guanajuato”, especificó Diosdado.

La narcomoda y los antivalores de México en el siglo XXI

2010-10-31T10:54:00.001-07:00

Mientras a diario México registra ejecutados, atentados y venganzas del crimen organizado, hay quienes hacen de eso un culto para jóvenes a través de la música y la moda.
Letras explícitas sobre descuartizados, consumo, tráfico de drogas e historias generadas por la guerra en las calles entre cárteles rivales dan vida a los “corridos enfermos”, parte del denominado Movimiento Alterado.
“Con cuerno de chivo y bazuca en la nuca, volando cabezas al que se atraviesa, somos sanguinarios, locos bien ondeados, nos gusta matar”, reza la estrofa con la que inicia el corrido Los Sanguinarios, que lo mismo canta “Komander”, los “Buknas” o “Los Buchones de Culiacán”.
Según José Alfredo Ríos, de “Komander”, ellos simplemente son reporteros de la realidad que vive México.
Su movimiento es seguido por jóvenes denominados buchones, un término que se acuñó en Sinaloa. Existen versiones de que gente de la sierra bajaba con dinero a la ciudad y en los bares no sabía pedir el whisky Buchanan’s.
El buchón viste playeras con grandes símbolos o letras de marca, como Ed Hardy y Dolce&Gabbana, rosarios de oro, relojes finos, varios teléfonos y una bolsa también de marca, en la que, se supone, lleva un arma y dinero.
Otra característica es que utilizan Internet para promocionar a los cantantes de “corridos enfermos”, ya que su estilo está vetado en la radio comercial, afirmó Omar Valenzuela, promotor de estos grupos musicales.
En Colima, Nayarit, Jalisco, Durango, Zacatecas, Sonora y Baja California esta moda se hace presente en bailes populares y antros exclusivos.
En Estados Unidos ha llegado a California, Texas, Arizona, Illinois y Ohio. Incluso, el pasado jueves el Movimiento Alterado presentó en Hollywood su más reciente disco y su película.
Para Rogelio Barba Álvarez, criminólogo de la Universidad de Guadalajara, este fenómeno puede ser catalogado como una subcultura criminal que implica un riesgo social porque cada día podría haber más jóvenes queriendo ser narcos.
Y las cifras lo demuestran. De los 22 mil muertos que ha dejado la guerra contra el narco en lo que va del sexenio, 11 mil son menores de 25 años.

Ensayo, el nuevo libro de Gabriel García Márquez

2010-10-25T09:30:00.000-07:00

Ante un auditorio, como el de esta página sobre su visión y compromiso con su continente
Contadora, Panamá, 28 de marzo de 1995

Gabriel García Márquez

Esperé hasta el último turno para hablar, porque ayer al desayuno no sabía nada de lo que aprendí en el resto del día. Soy un conversador empedernido y estos torneos son monólogos implacables en los que está vedado el placer de las interpelaciones y las réplicas. Uno toma notas, pide la palabra, espera, y cuando le llega el turno ya los otros han dicho lo que uno iba a decir. Mi compatriota Augusto Ramírez me había dicho en el avión que es fácil saber cuándo alguien se ha vuelto viejo porque todo lo que dice lo ilustra con una anécdota. Si es así, le dije, yo nací ya viejo, y todos mis libros son seniles. Una prueba de eso lo son estas notas.
La primera sorpresa nos la dio el presidente Lacalle con la revelación de que el nombre de América Latina no es francés. Siempre creí que sí lo era, pero por más que lo pienso no he logrado recordar de dónde lo aprendí y, en todo caso, no podría probarlo. Bolívar no lo usó. Él decía América, sin adjetivos, antes de que los norteamericanos se apoderaran del nombre para ellos solos. Pero, en cambio, comprimió Bolívar en cinco palabras el caos de nuestra identidad para definirnos en la Carta de Jamaica: somos un pequeño género humano. Es decir, incluyó todo lo que se queda por fuera en las otras definiciones: los orígenes múltiples, las lenguas indígenas nuestras y las lenguas indígenas europeas: el español, el portugués, el inglés, el francés, el holandés.
Por los años cuarenta se despertaron en Ámsterdam con la noticia disparatada de que Holanda estaba participando en un torneo mundial de béisbol -que es un deporte ajeno a los holandeses- y era que Curazao estaba a punto de ganar el campeonato mundial de Centroamérica y el Caribe. A propósito del Caribe, creo que su área está mal determinada, porque en realidad no debería ser geográfica sino cultural. Debería empezar en el sur de los Estados Unidos y extenderse hasta el norte de Brasil. La América Central, que suponemos del Pacífico, no tiene mucho de él y su cultura es del Caribe. Este reclamo legítimo tendría por lo menos la ventaja de que Faulkner y todos los grandes escritores del sur de los Estados Unidos entrarían a formar parte de la congregación del realismo mágico. También por los años cuarenta, Giovanni Papini declaró que América Latina no había aportado nada a la humanidad, ni siquiera un santo, como si le pareciera poca cosa. Se equivocó, pues ya teníamos a santa Rosa de Lima, pero no la contó, quizás por ser mujer. Su afirmación ilustraba muy bien la idea que siempre han tenido de nosotros los europeos: todo lo que no se parece a ellos les parece un error y hacen todo por corregirlo a su manera, como los Estados Unidos. Simón Bolívar, desesperado con tantos consejos e imposiciones, dijo: "Déjennos hacer tranquilos nuestra Edad Media".
Nadie padeció como él la presión de una Europa que ya era vieja en relación con el sistema que debía escoger, monarquía o república. Mucho se ha escrito sobre sus sueños de ceñir una corona. La verdad es que entonces, aun después de las revoluciones norteamericana y francesa, la monarquía no era algo tan anacrónico como nos parece a los republicanos de hoy. Bolívar lo entendió así y creía que el sistema no importaba si había de servir para el sueño de una América independiente y unida. Es decir, como él decía, el Estado más grande, rico y poderoso del mundo. Ya éramos víctimas de la guerra entre los dogmas que aún nos atormentan, como nos lo recordó ayer Sergio Ramírez: caen unos y surgen otros, aunque sólo sean una coartada, como las elecciones en las democracias.
Un buen ejemplo es Colombia. Basta con que haya elecciones puntuales para legitimar la democracia, pues lo que importa es el rito, sin preocuparse mucho de sus vicios: el clientelismo, la corrupción, el fraude, el comercio de votos. Jaime Bateman, el comandante del M-19, decía: "Un senador no se elige con sesenta mil votos sino con sesenta mil pesos. Hace poco, en Cartagena, me gritó en la calle una vendedora de frutas: "¡Me debes seis mil pesos!". La explicación es que había votado por equivocación por un candidato con un nombre que confundió con el mío, y luego se dio cuenta. ¿Qué podía hacer yo? Le pagué sus seis mil pesos".
El destino de la idea bolivariana de la integración parece cada vez más sembrado de dudas, salvo en las artes y las letras, que avanzan en la integración cultural por su cuenta y riesgo. Nuestro querido Federico Mayor hace bien en preocuparse por el silencio de los intelectuales, pero no por el silencio de los artistas, que al fin y al cabo no son intelectuales sino sentimentales. Se expresan a gritos desde el Río Bravo hasta la Patagonia, en nuestra música, en nuestra pintura, en el teatro y en los bailes, en las novelas y en las telenovelas. Félix B. Cagnet, el padre de las radionovelas, dijo: "Yo parto de la base de que la gente quiere llorar, lo único que hago es darles el pretexto". Son las formas de la expresión popular las más sencillas y ricas del polilingüismo continental. Cuando la integración política y económica se cumplan, y así será, la integración cultural será un hecho irreversible desde tiempo atrás. Inclusive en los Estados Unidos, que se gastan enormes fortunas en penetración cultural, mientras que nosotros, sin gastar un centavo, les estamos cambiando el idioma, la comida, la música, la educación, las formas de vivir, el amor. Es decir, lo más importante de la vida: la cultura.
Una de las grandes alegrías que me llevo de estas dos jornadas sin recreos fue el primer encuentro con mi buen vecino, el ministro Francisco Weffort, que empezó por sorprendernos con su castellano impecable. En cambio, me pregunto si alrededor de esta mesa hay más de dos que hablen el portugués. Bien dijo el presidente De la Madrid que nuestro castellano no se molesta por saltar el Mato Grosso mientras los brasileños, en un esfuerzo nacional por entenderse con nosotros, están creando el portuñol, que quizás será la lengua franca de la América integrada. Pacho Weffort, como le diríamos en Colombia; Pancho, como le diríamos en México, o Paco, como le dirían en cualquiera de las tabernas de España, defiende con razones de peso pesado el Ministerio de la Cultura. Yo me opongo sin éxito, y tal vez por fortuna, a que se instaure en Colombia. Mi argumento principal es que contribuirá a la oficialización y la burocratización de la cultura.
Pero no hay que simplificar. Lo que rechazo es la estructura ministerial, víctima fácil del clientelismo y la manipulación política. Propongo en su lugar un Consejo Nacional de Cultura que no sea gubernamental sino estatal, responsable ante la presidencia de la República y no ante el Congreso, y a salvo de las frecuentes crisis ministeriales, las intrigas palaciegas, las magias negras del presupuesto. Gracias al excelente español de Pacho, y a pesar de mi portuñol vergonzante, terminamos de acuerdo en que no importa cómo sea, siempre que el Estado asuma la grave responsabilidad de preservar y ensanchar los ámbitos de la cultura.
El presidente De la Madrid nos hizo el gran favor de tocar el drama del narcotráfico. Para él los Estados Unidos abastecen a diario entre veinte y treinta millones de drogadictos sin el menor tropiezo, casi a domicilio, como si fuera la leche, el periódico o el pan. Esto sólo es posible con unas mafias más fuertes que las colombianas y una corrupción mayor de las autoridades que en Colombia. El problema del narcotráfico, por supuesto, nos toca a los colombianos muy profundamente. Ya casi somos los únicos culpables del narcotráfico, somos los únicos culpables de que los Estados Unidos tengan ese gran mercado de consumo, por desgracia del cual es tan próspera la industria del narcotráfico en Colombia. Mi impresión es que el tráfico de drogas es un problema que se le salió de las manos a la humanidad. Eso no quiere decir que debamos ser pesimistas y declararnos en derrota, sino que hay que seguir combatiendo el problema a partir de ese punto de vista y no a partir de la fumigación.
Hace poco estuve con un grupo de periodistas norteamericanos en una pequeña meseta que no podía tener más de tres o cuatro hectáreas sembradas de amapolas. Nos hicieron la demostración: fumigación desde helicópteros, fumigación desde aviones. Al tercer paso de helicópteros y aviones, calculamos que aquéllos podían costar ya más de lo que costaba la parcela. Es descorazonador saber que de ninguna manera se combatirá así el narcotráfico. Yo les dije a algunos periodistas norteamericanos que iban con nosotros que esa fumigación debía empezar por la isla de Manhattan y por la alcaldía de Washington. Les reproché también que ellos y el mundo saben cómo es el problema de la droga en Colombia -cómo se siembra, cómo se procesa, cómo se exporta- porque los periodistas colombianos lo hemos investigado, lo hemos publicado, lo hemos divulgado en el mundo. Inclusive, muchos lo han pagado con su vida. En cambio, ningún periodista norteamericano se ha tomado el trabajo de decirnos cómo es el ingreso de la droga hasta los Estados Unidos, y cómo es su distribución y su comercialización interna.
Creo que todos terminamos de acuerdo con la conclusión del ex presidente Lacalle de que la redención de estas Américas está en la educación. A la misma habíamos llegado en el Foro de Reflexión de la Unesco el año pasado, donde acabó de diseñarse la hermosa idea de la "Universidad a distancia". Allí me correspondió sustentar una vez más la idea de la captación precoz de las aptitudes y las vocaciones que tanta falta le hacen al mundo. El fundamento es que si a un niño se le pone frente a un grupo de juguetes diversos, terminará por quedarse con uno solo, y el deber del Estado sería crear las condiciones para que ese juguete le durara a ese niño. Soy un convencido de que ésa es la fórmula secreta de la felicidad y la longevidad. Que cada quien pueda vivir y hacer sólo lo que le gusta, desde la cuna hasta la tumba. Al mismo tiempo, todos estamos de acuerdo, al parecer, en que debemos estar alerta contra la tendencia del Estado a desentenderse de la educación y encomendarla a los particulares. El argumento en contra es demoledor: la educación privada, buena o mala, es la forma más efectiva de la discriminación social.
Un buen final para una carrera de relevos de cuatro horas, que puede servirnos para disipar las dudas de si en realidad la América Latina existe, que el ex presidente Lacalle y Augusto Ramírez nos lanzaron desde el principio sobre esta mesa como una granada de fragmentación. Pues bien, a juzgar por lo que se ha dicho aquí en estos dos días, no hay la menor duda de que existe. Tal vez su destino edípico sea seguir buscando para siempre su identidad, lo cual será un sino creativo que nos haría distintos ante el mundo. Maltrecha y dispersa, y todavía sin terminar, y siempre en busca de una ética de la vida, la América Latina existe. ¿La prueba? En estos dos días la hemos tenido: pensamos, luego existimos.

El discurso fue pronunciado en Contadora, Panamá, el 28 de marzo de 1995, en Laboratorio del grupo Contadora ¿América Latina existe?). Varios países latinoamericanos crearon este grupo que buscaba analizar y proponer soluciones a la situación compleja que atravesaba el continente.

Yo no vengo a decir un discurso. Gabriel García Márquez. Mondadori. Barcelona, 2010. 160 páginas. Sale a la venta el próximo día 29.

Fallece el poeta y editor mexicano Alí Chumacero Lora en Ciudad de México

2010-10-23T17:34:00.000-07:00

El poeta y editor mexicano Alí Chumacero Lora murió este viernes por causas naturales en Ciudad de México a los años 92 años, informó hoy el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta).
El Conaculta lamentó en un comunicado el fallecimiento del poeta, nacido en la población de Acaponeta, en el estado de Nayarit el 9 de julio de 1918, quien "dedicó su vida al amor por la poesía y los libros, con generosidad y devoción".
El escritor será velado hoy en la funeraria Gayosso, ubicada en la calle Sullivan en el barrio San Rafael, dijeron a Efe fuentes del Conaculta.
Posteriormente ese organismo ofrecerá "un homenaje de cuerpo presente", señaló la presidenta del Conaculta, Consuelo Sáizar, en su cuenta de Twitter.
El presidente de México, Felipe Calderón, lamentó en un comunicado el deceso del artista cuyas obras y crítica literaria: "engrandecieron nuestra cultura".
"La muerte del infatigable escritor y poeta, representa una enorme pérdida para las letras de nuestro país", sostuvo el mandatario.
Su obra poética está compuesta de tres libros: Páramo de sueños (UNAM, 1944); Imágenes desterradas (Editorial Stylo, 1948), y Palabras en reposo (FCE, Letras Mexicanas, 1956).
Además publicó Los momentos críticos (ensayos, 1987) y en 1997 se editó el disco compacto En la orilla del silencio y otros poemas en la voz del autor.
El fallecido Premio Nobel de Literatura mexicano Octavio Paz consideró a Alí Chumacero como "mago y maestro de los poetas modernos de México".
Entre los reconocimientos que recibió destacan: el Premio Xavier Villaurrutia de Literatura (1984); el Premio Alfonso Reyes (1986); el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Lingüística y Literatura (1987); el Premio Estatal de Literatura Amado Nervo (1993) y la Medalla Belisario Domínguez del Senado de la República (1996).
En 2008 recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes en un homenaje por sus 90 años.
Cuando se anunció el programa del homenaje nacional en su honor, Alí Chumacero dijo ante periodistas: "Quiero que a la hora de la hora, cuando me vaya con la música a otra parte, me recuerden como un hombre venido de un pueblecito pequeño que se llama Acaponeta, de un estado pequeño que se llama Nayarit, buscando un sitio propio".
El Conaculta calificó la obra del vate mexicano como "breve, pero concentrada y poderosa".
Por su parte, la editorial Fondo de Cultura Económica lamentó "profundamente" en un comunicado la muerte de "uno de los poetas más importantes de México".
El FCE, que en 1987 publicó una recopilación de las reseñas y los ensayos literarios de Chumacero, destacó la labor del poeta como editor, redactor, corrector y asesor de esa casa editorial mexicana.
"A su conocimiento del arte y el oficio de la edición se deben las ediciones de un sinnúmero de títulos del FCE, en particular muchos de los volúmenes emblemáticos de la colección Letras Mexicanas, como las obras de Villaurrutia y la poesía de Novo", señaló.
La FCE exaltó la brevedad de su obra y el largo silencio de Chumacero, quien en los últimos 44 años no volvió a escribir libros de poesía.
La editorial recordó que el mismo escritor dijo en 1987, que "crear algo que nos sobreviva es una preocupación por dejar una huella, un signo, una señal, grabados en la frágil lámina del tiempo: aspiración impulsada por la inteligencia, la lucidez, la imaginación y, también, por la oportuna sinfonía del silencio".

Inventos Mexicanos (una de cal por las que van de arena)

2010-10-18T09:21:00.000-07:00

10 inventos Made in Mexico triunfan en el mundo
México es algo más que tequila, mariachis y hermosas playas. MÉ
En el ámbito de la tecnología le ha aportado al mundo diversos inventos que hacen de la vida una experiencia más placentera y práctica.
Y no sólo nos referimos a la televisión a color.
¿Sabías que la píldora anticonceptiva y los catalizadores pentametálicos son 100 por ciento obras de los científicos nacionales? Te presentamos un listado con los inventos que orgullosamente se pueden decir "Made in Mexico".

1.
Pilotes de control: Debido a las características complejas del subsuelo de la Ciudad de México que ha provocado el hundimiento de edificios, el ingeniero Manuel González Flores inventó los pilotes de control que es una modificación a los apoyados en superficies firmes.
Con estos pilotes se pueden controlar los movimientos de la construcción, por lo cual queda en condiciones de seguir al suelo durante el hundimiento de la ciudad.
Un ejemplo de este sistema se encuentra en la Torre Latinoamericana.

2.
Catalizador pentametálico: Fue creado por el científico Juan Manuel Lozano y es usado en los motores de cohetes de peróxido de hidrógeno (propulsión a chorro), el cual es la pieza más importante para generar su energía.
También reinventó el rocket belt (cinturón volador) un aparato que se coloca en la espalda y que gracias al tipo de motor, permite volar al portador.
Es el mismo que se utilizó durante la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Los Angeles en 1984 y el mismo que portó "James Bond" en alguno de sus filmes.

3.
Proyecto GNOME (GNU Network Model Environment): Surgió en agosto de 1997 como un entorno de escritorio e infraestructura de desarrollo gráfico para sistemas operativos Unix/Linux, compuesto de software libre, creación de los mexicanos Miguel de Icaza y Federico Mena.

4.
Google y Oracle: El profesor mexicano de la universidad de Stanford, Héctor García Molina fue quien asesoró y coordinó la tesis doctoral de los entonces estudiantes y fundadores de Google, Larry Page y Sergey Brin, que buscaban un mejor buscador de internet.
García Molina también creó algunas innovaciones en Oracle, donde actualmente es uno de los gerentes principales.
Y también es asesor de Yahoo!.

5.
Mousepad: Armando M.
Fernández rediseñó para su uso comercial el mousepad o almohadilla de ratón en 1979, basado en conocimientos de ingeniería de reducción de costos, calidad, confiabilidad, caracterización y especificación de componentes y sistemas.

Tecnología Book on demand: Victor Celorio (en la foto) inventó una imprenta llamada Instabook, que edita un libro en 17 segundos, donde se puede escoger el diseño más adecuado, y hasta los escritores sin editor pueden imprimir sus copias.
Además desarrolló la llamada impresión distribuida que permite que un e-book sea distribuido a través de varios centros de impresión según este sea requerido para su inmediata producción y entrega.

7.
Maíz de calidad proteínica (QPM por sus siglas en inglés): Evangelina Villegas creó un maíz con el doble de calidad proteínica y con 10 por ciento más de grano.
Este nuevo producto es un instrumento en la lucha contra la hambruna en el mundo.
En América Latina y África este tipo de maíz ya se ha cultivado.
Villegas fue galardonada con el Premio Mundial de la Alimentación 2000, junto con el científico indio Surinder K.
Vasal.

8.
Concreto traslúcido: En los próximos años la construcción de casas y edificios se realizará con un nuevo material inventado por los ingenieros civiles Joel Sosa Gutiérrez de 26 años de edad y Sergio Omar Galván Cáceres de 25 .
El concreto traslúcido permite levantar paredes casi transparentes, más resistentes y menos pesadas que el cemento tradicional y tiene la capacidad de ser colado bajo el agua y ser 30 por ciento más liviano que el concreto hasta ahora conocido.

9.
Televisión a color: Guillermo González Camarena inventó en 1940 un sistema para transmitir televisión a color: el Sistema Tricromático Secuencial de Campos.
Más tarde creó un sistema más simple para generar color, el Sistema Bicolor Simplificado Lanzó la televisión a color en México.
En 1950, el Columbia College de Chicago solicitó la fabricación del sistema de televisión a Camarena, y se exportaron a Estados Unidos televisores a color fabricados en México.

10.
Píldora anticonceptiva: Luis Ernesto Miramontes hizo la síntesis de la noretisterona, que es un compuesto activo base del primer anticonceptivo oral sintético.
El nombre Miramontes apareció al lado de Pasteur, Edison, Bell y los hermanos Wright, quedando incluido en el USA Inventors Hall of Fame.
Miramontes recibió la patente del compuesto junto a Carl Djerassi y Jorge Rosenkranz, de la compañía química mexicana Syntex S.A.